■ 전시 개요

● 전시명 : 파인캐릭터 2026 (FineCharacter 2026)
● 기간 : 2026년 11월 27일(금) ~ 11월 29일(일)
● 장소 : 서울 중구 을지로 281. 동대문디자인플라자(DDP) 쇼룸 1층
● 메일 : hello@finecharacter.com
● 전화 : 031-921-6325
● 홈페이지 : https://finecharacter.kr/
● 주최 : 아이러브캐릭터
● 주관 : 서울경제진흥원(SBA)

SMALL SIGNAL

(CREATORS MARKET)은

ART GYEONGNAM × GALLERY GUNG이 함께 기획한 행사로, 작가의 작은 창작이 누군가에게는 특별한 영감과 연결의 신호가 되는 크리에이터 마켓입니다.

장소 : Gallery Gung

부산광역시 해운대구 좌동로 21

기간 : 2026.07.25 ~ 08.16

프리오픈 7월 25일(토) 오전 11:00

15:00 PRESSURE

A Live Performance

Korean Spicy Tiger × Jordan Brown

이번 전시는 부산대학교 디자인학과 타이포그래피 연구실에서 함께 공부하고

작업해 온 전은선, 서혜란, 배영미 세 작가가 처음으로 선보이는 전시입니다.

‘비스듬함’과 ‘기울어짐’을 의미하는 Oblique를 통해 익숙한 활자를 새로운 시선으로 바라보고,

문자에서 확장된 다양한 형태와 감각을 탐색하는데요,

​

세 작가는 각자의 방식으로 활자를 풍경과 계절, 기후와 환경, 기억과 감정의 이미지로 확장하며,

읽는 문자를 넘어 바라보고 경험하는 시각 언어의 새로운 가능성을 보여줍니다.

​

2026년 8월 1일(토)부터 8월 7일(금)까지 전시가 진행되며,

8월 4일(화) 오후 6시에는 아티스트 토크도 열릴 예정이오니 많은 관심과 참여 부탁드립니다.

《다정한 균형: 서로를 비추는》

ㅇ전시기간: 2026. 6. 23. - 2027. 5. 16.

ㅇ전시장소: 식물문화센터 프로젝트홀2, 주제원, 온실, 마곡문화관

ㅇ관람시간: 10:00 – 17:00 (매주 월요일 휴관)

ㅇ참여작가: 구기정, 엄아롱, 이지연, 장한나

봄의 기운을 따라 여름의 바람이 불어오기 시작하는 6월. 서울식물원 기획전시 《다정한 균형: 서로를 비추는》(이하 ‘다정한 균형’展)을 개최합니다. 2026년 6월 23일부터 2027년 5월 16일까지, 약 1년여의 시간 동안 서울식물원의 식물들과 계절을 함께할 작품들이 자리합니다. 구기정, 엄아롱, 이지연, 장한나 작가의 작품을 만나는 이번 전시는 비인간 존재에 대한 존중과 조화를 다룬 2024년 《리듬: 둘로 존재하는 것으로》展, 함께 하는 공존의 감각을 강조한 2025년 《우리들의 자연, 행성적 공존》展과 주제적 흐름을 이어가고자 합니다.

기획전시 《다정한 균형》은 인류가 지구를 파괴하는 인류세를 지나, 인간과 자연이 다시 균형을 이루며 함께 살아가는 공생세를 상상합니다. 그리고 그 상상은 전시의 제목에서 비롯된 질문으로부터 시작됩니다. ‘다정한 균형이란 무엇인가?’, ‘다정한 균형을 위해 우리에게 필요한 것은 무엇인가?’ 전시는 이 질문과 함께 동그란 구슬거울이 그물코마다 매달려 있어, 각각의 구슬 하나하나마다 다른 모든 구슬의 모습이 비쳐 드는 화엄경의 ‘인드라망’을 떠올립니다.

이번 전시는 인간과 비인간의 경계를 넘어, 세상 모든 만물이 거미줄처럼 연결되어 서로를 끝없이 비추고 영향을 주고받는 관계 속에 있음을 주목해보고자 합니다. 인간중심주의적 사고에서 벗어나, 포스트휴머니즘의 시각으로 인간을 포함한 모든 존재를 전체와 연결된 관계적 대상으로 바라보기를 권합니다. 더불어 네 개의 섹션으로 구성된 전시는 서로 연결된 존재들의 관계를 따라가며, 다정한 균형을 이루기 위해 우리가 새롭게 감각해야 할 시선과 태도를 제안합니다.

온실, 주제원, 식물문화센터 프로젝트홀2, 마곡문화관까지 네 개의 공간으로 연결된 이번 전시는 프로젝트홀2의 「섹션 1. 귀 기울이기: 빛 소리」에서 이지연 작가의 설치 조각 작품 〈얼룩무지개숲7〉과 함께 시작됩니다. 이어 주제원의 「섹션 2. 종-횡단하는 대화」를 통해 엄아롱 작가의 작품 〈서로를 흐르는 것들〉과 〈이사 그리고 이사〉를 만나 볼 수 있습니다. 온실의 「섹션 3. 감응하는 풍경」에서는 장한나 작가의 작품 〈뉴 락 이눅슈크〉와 〈다음 중 뉴 락New Rock은?〉, 〈다음 중 천연석은?〉으로 이어지며, 마지막으로 마곡문화관의 「섹션 4. 느린 시선으로」에서 구기정 작가의 몰입형 전시 작품 〈모든 미생물은 각자의 리듬으로 미세하게 움직인다〉가 펼쳐집니다.

이번 전시는 자연, 인간, 기술을 비롯해 세상의 모든 존재가 서로를 비추는 투영의 관계 속에 놓여 있음을 참여작가 4인의 작품을 통해 이야기 하고자 합니다. 우리 모두가 연결된 존재임을 인식하는 일은 서로에게 다정한 균형을 이루며 함께 살아가기 위한 출발점일지도 모릅니다. 관람객과의 연결을 기다리는 《다정한 균형》展은 모든 존재가 촘촘한 그물처럼 서로 연결되어 있다는 감각을 서울식물원의 곳곳을 누비며 함께 나누고자 합니다. 그리고 서로를 다정한 시선으로 비추는 지속가능한 연대의 가능성을 함께 상상하는 시간이 되기를 바랍니다.

   인천공항, 2247년의 ‘우주 환승 터미널’이 되다

   1990년 보이저 1호가 돌아본 ‘창백한 푸른 점’에서 2247년 우주 이주의 시대까지

   양정욱·염인화·한윤정·신효흔 참여… 미디어아트와 키네틱 조각 등 7점 선보여

‘우주 이주의 시대와 예술’을 주제로 한 공공미술 전시 《Pale Blue Dot, 2247(창백한 푸른 점, 2247)》이 오는 7월 14일부터 11월 14일까지 124일간 인천국제공항 제2여객터미널에서 열린다. 인천공항 공공미술 전시의 일환으로 마련된 이번 전시는 (재)예술경영지원센터와 인천국제공항공사가 공동 주최하며, 아트 큐레이팅 및 컨설팅 그룹 ‘플랫폼에이(Platform A)’가 기획을 맡았다. 양정욱, 염인화, 한윤정, 신효흔 등 현재 예술적 상상력과 실행력으로 가장 주목받고 있는 4인의 작가가 참여해, 영상, 인공지능(AI) 기반 미디어아트, 설치, 키네틱 조각 등 총 7점의 작품을 선보인다.

이번 전시는 1990년 보이저 1호가 60억 km 밖에서 촬영해 ‘창백한 푸른 점’이라 이름 붙은 지구 사진에서 출발해, 현재로부터 221년 뒤인 2247년, 인류가 우주로 이주한 미래를 상상한다. 변해가는 지구 환경과 인간 본연의 가치에 대한 질문을 바탕으로, 제2여객터미널 3층 출국장의 77m 대형 LED 스크린에서 시작해 면세구역의 세로형 미디어, 232번 게이트 앞 전시 공간, 서편 노드광장으로 이어지는 구성으로 하나의 전시 서사를 선보인다.  관람객은 공항을 통과하는 여정 속에서 떠남을 준비하고, 떠나기 전 지구를 다시 바라보며, 새로운 세계에 무엇을 가져갈지 생각하고, 마지막에는 낯선 곳에서 다시 함께 살아가는 관계와 공동체의 문제를 마주하게 된다.

‘전시의 서사는 ‘떠남을 준비하는’ 출국장에서 시작한다. 3층 출국장 대형 전광판에서는 염인화 작가의 〈솔라소닉 밴드: 환승〉이 인공지능(AI) 기술로 구현한 가상의 밴드가 변화하는 환경을 이동하는 모습을 보여주며, 한윤정 작가의 〈도착한 그곳엔〉은 인간과 생명체가 우주로 이동하는 과정에서 새롭게 형성되는 생태계를 상상한다. 이어 ‘지구를 다시 바라보는’ 면세구역에서는 한윤정 작가의 〈보이지 않는 바다〉가 플라스틱으로 뒤덮인 가상의 미래 바다를, 신효흔 작가의 〈확장된 꿈〉이 지구를 떠나기 직전 마지막 하루의 시간 감각을 그려낸다.

‘무엇을 가지고 떠날 것인가’라는 질문은 232번 게이트 앞에서 이어진다. 염인화 작가의 〈테이크어웨이: 사랑, 평화, 환대〉는 공기주입식 조형물과 렌티큘러 조형물, 미디어 영상을 결합해 새로운 세계로 가져갈 인간의 가치에 대해 질문한다. 마지막으로 서편 노드광장에서는 양정욱 작가의 키네틱 조각 〈그럴 때마다 조금씩 더 가까워진다〉가 하나의 천체처럼 보이는 거대한 구조물을 통해 ‘다시 함께 살아가는’ 관계와 공동체를 이야기한다.

인천국제공항공사 김창규 운영본부장은 “국내 유망 작가들의 개성 있는 시선으로 완성된 이번 전시가 인천공항을 이용하시는 여객분들께 색다른 문화예술 경험을 제공할 것으로 기대한다”며, “앞으로도 인천공항만의 차별화된 문화예술 콘텐츠를 지속 확대해 품격 있는 공항 서비스를 제공할 수 있도록 노력하겠다”고 말했다.

전시총괄감독인 이지영 플랫폼에이 대표는 "세계로 향하는 관문인 인천공항을 미래의 '우주 환승 터미널'로 꾸며 바쁜 여행객들에게 특별한 휴식을 선물하고자 기획했다"며, "많은 분들이 미래로의 멋진 여정을 상상하는 동시에 지구의 소중함과 이웃의 따뜻함을 느끼며 기분 좋은 비행길에 오르시길 바란다”고 전했다.

한편, 이번 전시 기간 중 총 3회의 도슨트 투어가 진행되며, 자세한 내용과 신청 방법은 《Pale Blue Dot, 2247》 공식 인스타그램(@palebluedot2247)을 통해 공지될 예정이다.

인천공항 제2여객터미널 3층 면세구역 서편 노드광장에서 전시 중인 양정욱 작가의 키네틱 조각 작품 <그럴 때마다 조금씩 더 가까워진다>

플랫폼에이(Platform A) 소개

플랫폼에이(Platform A)는 서울에 기반을 둔 아트 비즈니스 전략 컨설팅 기업이다. 미술품 자문 및 자산관리, 전시 기획과 공간·브랜드 큐레이션, 미술시장 리서치 및 교육 등의 사업을 수행하고 있다. 25년간의 미술 분야 전문성과 여러 산업 분야에서의 경험을 바탕으로, 예술을 공간과 브랜드, 대중과 연결하는 전략을 수립해왔다. 지금까지 180건 이상의 프로젝트를 수행했으며, 400회 이상의 미술시장 관련 강연을 진행했고, 195개 이상의 기업 및 기관과 협업했다. 주요 사업 영역은 전시 기획, 기업 대상 아트 마케팅, 미술시장 리서치, 전문 교육, 국제 문화 프로젝트 등이다.

자세한 내용은 웹사이트(www.platformaforart.com)에서 확인할 수 있다.

일곱 명의 작가들이 친숙한 재료에 특별한 양념과 기발한 유머를 더해 차려낸 식탁으로 관람객 여러분을 초대합니다.

​

익숙한 음식을 새롭게 바라보고, 다시 상상하고, 함께 만들어보는

《달콤한 허기; It's not enough》 에서 우리의 허기를 들여다보는건 어떨까요?

영국의 역사학자 사이먼 샤마(Simon Schama)는 『풍경과 기억』에서 풍경을 자연 그 자체가 아니라 인간의 기억과 문화, 감정이 투사된 정신적 산물로 바라본다. 즉 풍경은 단순한 경관의 재현이 아니라, 경험과 정서가 축적되어 형성된 내면의 이미지라 할 수 있다. 유가월과 마리노 후나하시는 서로 다른 조형 언어를 사용하지만, 모두 풍경을 외부 세계의 재현이 아닌 시간과 기억, 지각이 축적되는 내면의 장소로 바라본다.

유가월은 중국 화난사범대학교에서 중국화를 전공하고, 서울대학교 대학원에서 동양화 석사 학위를 받았으며, 미술학 박사과정을 수료하였다. 작가는 인간과 자연이 서로를 비추고 대화하는 장이자 존재의 언어로서의 산수를 화면에 구현한다. 그는 한지에 스며드는 물과 채색, 우연성이 빚어내는 형상을 통해 현실과 이상이 교차하는 산수의 세계를 펼쳐 보인다. 그의 화면에서 자연은 인간의 내면을 비추는 거울이자 사유가 머무는 공간으로 확장된다.

마리노 후나하시는 일본 무사시노 미술대학에서 공간디자인을 전공하였다. 작가가 ‘상징적 추상‘이라 명명한 반입체적 화면을 통해 시간의 밀도와 순간의 빛을 담아내는 작업을 전개해왔다. 그는 명확한 에피소드로 남지 않는 기억의 구조를 색채와 마티에르, 신체적인 붓질의 층위로 풀어낸다. 그의 회화에서 풍경은 지나간 장면의 재현이 아니라, 시간 속에서 여과된 감각과 응축된 기억의 골격으로 남는다.

《여과된 풍경》은 풍경을 다시 천천히 바라보는 시간을 제안한다. 빠르게 소비되는 이미지의 시대 속에서 회화는 하나의 화면 앞에 머물게 하며, 보이지 않는 기억과 감정이 머무는 조용한 장소가 된다. 우리는 작품 속에 켜켜이 쌓인 감각과 기억의 층위를 따라가며, 눈앞의 풍경 너머 각자의 기억과 감정이 빚어낸 또 하나의 풍경과 마주하게 될 것이다.

- 전시개요

전시명: 《여과된 풍경 (Filtered Landscapes)》

참여작가: 유가월, 마리노 후나하시

전시일정: 2026년 7월 18일 (토) – 2026년 8월 22일 (토)

전시장소: 갤러리 그라프 (서울특별시 강남구 청담동 6-2 1F)

전시운영시간: 화–토: 11시–19시 / 일: 유선, 이메일, 인스타그램을 통한 예약제 운영 (11시–18시) (월요일 휴관)

웹사이트: http://ggrappe.co.kr

문의: 02-566-0308 / gallerygrappe@gmail.com


 

전시 《이불 안과 밖에서》

전시기간: 26.07.13.(월)~08.12.(수)

운영시간: 12:00~18:00 (*7/17, 주말 휴관)

* 7.13(월)은 15:00 오픈합니다(개막식: 17:00)

오시는길: 서울교육대학교 샘미술관(서울 서초구 서초중앙로 96 사향융합체육관 1층)

2·3호선 교대역 13번 출구에서 도보 10분

전시문의: 인스타그램 @_beyond_anxiety_ DM

관람료: 무료

전시 소개

전시 《이불 안과 밖에서》는 불안을 부정적인 감정으로 인식하는 통상적인 관점과 태도에서 벗어나, 우리가 불안과 함께 살아가야 하는 존재임을 받아들이는 ‘시작의 자리’입니다. 

전시를 통해 불안의 진정한 의미를 탐색해 나가고, 불안을 안고 살아가는 서로 다른 타인과 연결되며, 불안과 함께 살아갈 자신만의 태도를 발견하기를 기대합니다.

직접 손으로 만지며 완성되는 작품들, 사진의 흐름 속에서 맥락과 의미를 발견하고, 애니메이션과 함께하는 놀라운 순간들까지.

《정체;정체》는 서로 다른 분야의 무명 창작자 다섯 명이 모여 참여형 설치예술, 음악, 사진, 아트테크, 순수미술 등 다양한 장르의 작품을 선보이는 전시입니다. 서로 다른 배경과 시선을 가진 작가들은 각자의 언어를 통해 자신만의 이야기를 풀어내며, 하나의 공간 안에서 다양한 표현이 공존하 는 경험을 만들어냅니다.

이 전시는 무명 창작자들이 세상에 보여주고 싶은 정체성을 담아냅니다. 동시에 아직 이름이 알려지지 않은 이들만이 보여줄 수 있는 새로운 시선 과 가능성을 제안하며, 비로소 관객과 함께할 때 이 전시는 완성되어 갈 수 있습니다.

전시 | 2026.07.07.(화) ~ 2026.07.19.(일), 10am~ 6pm *무료 관람 *휴관 없음

참여작가 | 정한결, 문세아, 변지예, 이민, 최재훈

장소 | 헤럴드갤러리 (서울시 용산구 후암로4길 10 L2층)

전시장 한가운데를 가로지르는 폴리카보네이트 반투명 가벽은 그 너머의 대상을 명료하게 드러내지 않으며, 사물에 대한 인식을 모호하게 흐려놓습니다. 관람의 보편적 경험인 '편안한 관찰'로부터 관객을 의도적으로 소외시키는 이 구조물은 일상을 잠식하는 권태의 물질적 상징이자, 우리를 집어삼킨 '뱀의 몸속' 그 자체를 시각화합니다.

여기서 '뱀'은 고정된 형태가 아닌, 언제 어떤 모습으로든 다가올 수 있는 가변적인 감각의 경험입니다. 뱀이 허물을 벗듯 끊임없이 질감을 바꾸며 다가오는 권태 앞에서, 세 명의 작가는 《뱀보다 두려운 것은》이라는 하나의 큰 질문 아래 각자의 방식으로 스스로를 진단하며, 가벽의 안팎으로 관계 맺는 조각들을 배치합니다. 벽의 안과 밖, 경계와 틈새에 놓인 조각들은 관객의 동선을 유연하게 유도합니다. 관객은 분리된 공간을 가로지르는 신체적 움직임을 통해, 권태에 가까워졌다 멀어지는 감각의 층위들을 입체적으로 마주하게 됩니다.

전시는 일상의 안락함에 따라다니는 권태에 대해 단정적인 해답을 제시하지 않습니다. 다만 출구와 입구가 모호한 공간, 그 안에서 무한히 반복되는 싫증 속을 탐험하면서도, 우리 모두가 각자의 '비웃던 산'을 향해 걸어 오르기를 희망합니다.

옻칠은 단숨에 완성되지 않는다. 한 겹의 칠이 마르기를 기다리고, 덧입히고, 또 다시 연마하는 긴 시간을 거쳐 비로소 깊은 광택과 결을 얻는다. 그 느린 과정은 단순한 제작 방식이 아니라 시간을 품는 태도이며, 자연과 인간이 함께 만들어내는 축적의 기록이다. 켜켜이 쌓인 수많은 층은 빛을 머금고, 그 빛은 작품 속에서 또 하나의 시간으로 살아난다.

이번 전시에 참여한 여섯 명의 작가는 서로 다른 시선으로 옻칠의 가능성을 확장한다. 내면의 감정과 기억을 겹겹이 쌓인 색의 깊이로 드러내고, 생명의 순환과 바다의 흐름을 통해 존재들이 서로 연결되어 있음을 이야기한다. 바람과 빛, 밤하늘과 산, 달항아리와 난각, 그리고 자연이 남긴 흔적들은 하나의 형상을 넘어 삶의 감각과 사유를 담아내는 매개가 된다.

이들의 작업에서 빛은 단순히 화면을 밝히는 요소가 아니다. 그것은 감정의 농도이며, 기억의 잔상이고, 자연이 품고 있는 생명의 숨결이다. 때로는 달빛처럼 은은하게 번지고, 때로는 바람처럼 형태 없이 스쳐 지나가며, 깊은 밤의 풍경처럼 보이는 것 너머의 세계를 열어 보인다. 관람자는 작품 앞에서 하나의 이미지를 보는 것이 아니라, 빛이 시간과 만나고 감각과 기억 속에서 다시 피어나는 과정을 경험하게 된다.

전통은 과거를 반복하는 것이 아니라 오늘의 감각으로 다시 살아나는 순간 비로소 현재가 된다. 이번 전시는 오랜 시간 이어져 온 옻칠이라는 재료가 동시대 작가들의 사유와 만나 어떻게 새로운 언어로 확장될 수 있는지를 보여준다. 서로 다른 여섯 개의 세계는 하나의 빛으로 연결되고, 그 빛은 작품을 넘어 우리의 기억과 감각 속에서도 조용히 번져나간다.

'옻칠, 빛으로 피어나다' 는 느림 속에서 완성되는 아름다움과 시간이 남긴 깊이를 마주하는 자리이다. 작품 앞에 머무는 순간, 관람객은 표면을 비추는 빛 너머에 켜켜이 쌓인 시간의 결을 발견하고, 그 속에서 자신의 기억과 감정 또한 조용히 빛나고 있음을 만나게 될 것이다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (매주 월,화 휴관, 무료관람)
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  https://linktr.ee/galleryharang
 

물안개, 30x30cm, 나무에 옻칠, 2026, 김정은

김정은   JeoungEun Kim
나는 인간의 몸과 감각을 하나의 우주라고 생각한다. 내 안에서 일어나는 정서적 떨림, 기억의 잔상, 감각의 변화는 단순한 심리적 반응이 아니라, 끊임없이 팽창하고 수축하는 내적 우주의 움직임이다. 반대로, 내가 몸 밖에서 마주하는 빛, 기후, 공간, 타인의 존재는 또 다른 거대한 외부 우주로 확장된다. 나의 작업은 이 두 우주, 내면과 외부가 서로 충돌하고, 스며들고, 흔적을 남기는 지점을 포착하려는 시도에서 출발한다.

나는 순간의 감정과 기억이 남긴 미세한 흔적을 시각화하기 위해 전통 옻칠이라는 재료를 사용한다. 옻칠은 시간이 만든 재료이며, 동시에 시간을 품은 재료다. 칠의 층은 물질이자 시간의 단면이며, 건조와 연마를 반복하는 과정 속에서 감정과 기억은 천천히 침전되어 또 하나의 층을 만든다. 투명하거나 반투명하게 쌓이는 옻칠의 깊이는 내가 인식하는 감정의 농도, 감각의 진폭을 고스란히 담아내는 공간이 된다.

Mindfulness 그 너머 III, 53x45.5cm, 나무화판에 옻칠과 자개, 2026, 박승비

박승비  SeungBee Park
밤하늘은 끝이 없다. 시선은 머무르지 못하고, 어둠 속으로 계속해서 미끄러진다. 산은 그 아래에서 더 이상 형태로 존재하지 않는다. 빛을 잃은 윤곽은 그림자로 남아, 보이는 것과 보이지 않는 것의 경계에 머문다. 나는 이 경계에 머무는 순간에 주목한다.

무엇이 분명해지기 이전, 이름 붙여지기 이전의 상태. '그 너머'는 어떤 공간이 아니라, 인식이 멈추고 감각이 열리는 순간이다. 노자가 말한 유와 무의 사이, 장자가 사유한 분별 이전의 세계처럼, 모든 것은 고정되지 않은 채 흐르고 있다.

색들은 깊어지고, 다시 흔들리며 번져간다. 이 색들은 풍경을 설명하지 않는다. 오히려 하나의 상태에서 다른 상태로 넘어가는, 감각의 이동을 드러낸다. 형태는 닫히지 않고, 공간은 끝나지 않는다. 그 너머는 저 멀리 있는 것이 아니다. 지금, 보이는 것이 더 이상 하나로 고정되지 않는 순간. 그 때 비로소 생성된다.

고연(본래부터 그러함), 53x45cm, 옻칠, 난각 및 혼합재료, 2024, 손수경

손수경   SooKyung Sohn
우리는 매 순간 여러 형태로 존재하고 있다. 각지고, 둥글고, 네모나고, 세모난 여러 형태로.. (중략) 난각 한 조각 한 조각이 달항아리와 질그릇을 이뤄갈 때, 나의 기쁨, 고요, 소망도 핀셋끝 매달린 난각 한조각의 떨림으로 녹아 들어간다. 매 순간 쉼과 소망을 담아 본다. 더 이상 무엇을 증명하지 않아도 내면의 충만함이 중요한 삶을 꿈꾼다. 

마음 그릇, 45x45cm, 옻칠, 칠보, 2026, 신란숙

신란숙  RanSook Shin
신란숙 작가의 작품은 빛이 겹겹이 쌓여 만들어낸 시간의 결이다. 수차례 덧입힌 옻칠이 번지며, 표면은 한없이 부드럽고 깊은 울림을 품는다. (중략) 작가는 그 여백 속에서 빛과 마음이 맞닿는 지점을 포착한다. 화면에 드러나지 않은 감정의 결, 말로 설명되지 않는 내면의 흔적이 조용히 번진다. 

작가에게 달항아리는 달빛이다. 완벽하지 않은 균형, 미묘한 비대칭은 오히려 인간적인 온기를 품는다. 가까이 다가서면 미세한 흔적과 균열이 마치 피부처럼 살아 숨 쉬며, 시간과 기억의 감각을 불러낸다. 

신란숙의 회화는 그렇게 시각을 넘어 감각을 깨운다. 빛과 소리, 정서가 서로 스며들어 마치 눈으로 듣고 귀로 보는 듯한 경험을 이끈다. 그가 그려낸 세계는 달빛처럼 고요하고, 은은하며, 마음 깊은 곳을 천천히 적신다.

       

순환의 바다, 30x30cm. 나무에 옻칠과 펄, 2026, 윤현섭 (L:정면, R:측면)

윤현섭   HyunSeb Yoon
바다는 생명의 시작이자 다시 돌아가는 장소이다. 작은 물방울들이 모여 바다가 되고, 바다는 다시 기화하여 세상으로 퍼진다. 이러한 순환 속에서 바다는 끊임없이 새로운 생명의 근원이 된다.

‘순환의 바다’는 이러한 거대한 순환의 흐름 속에서 개별적인 존재들이 서로 연결되어 있음을 이야기한다. 물의 움직임처럼 생명 또한 고정된 상태로 머무르지 않고, 끊임없이 흐르며 다른 존재들과 관계를 맺는다.

이 작품은 바다의 모습을 단순히 재현하기보다 물과 생명이 서로를 만들고 다시 돌아오는 과정 자체를 형상화하려는 시도이다. 작품의 표면은 멈춰 있는 형태이면서도 동시에 끊임없는 흐름을 담고 있으며, 그 속에서 우리는 자연의 근원적인 순환과 생명의 지속을 마주하게 된다.

The Soul of the Wind-Summer #5, 20x20cm, 나무에 옻칠, 자개, 2025, 정회윤

Ghosts of Vanitas: Disciplined Bodies and Loose Signifiers

전시는 7월 5일(일)까지

월요일 휴무

11-6시 오픈

I. 타자의 공간에서 돌아온 두 개의 시선

정물 사진의 기원은 회화를 모방하려는 기술적 필연에서 출발했다. 다게르와 헨리 폭스 탈보트를 비롯한 초기 사진가들은 17세기 네덜란드 바니타스 회화의 구도를 빌려와 해골, 모래시계, 시든 꽃과 과일을 배치했고, 이를 통해 '메멘토 모리(죽음을 기억하라)'라는 도덕적·종교적 메시지를 고정하려 했다. 그러나 모더니즘을 거쳐 동시대 미술에 이른 정물 사진은 더 이상 단일한 교훈을 전하는 수단이 아니다. 수전 손택이 지적했듯 사진은 세계를 재현하는 동시에 은폐하는 이중성을 지니며, 오늘날의 이미지들은 시뮬라크르처럼 원본 없는 복제물로서 진실의 불안정성을 드러낼 뿐이다.

박석의 사진은 이러한 정물 사진사의 계보를 이어받으면서도 이를 교묘하게 배반한다. 그의 작업은 명확한 정답(기의)을 제공하기보다, 실험적인 정물 구성과 시각적 착시, 의미를 끝내 유보하는 기호들의 조합을 통해 ‘느슨한 기표’의 장을 만든다. 여기서 정물은 종교적 도상이 아니라, 관객 각자의 기억과 경험을 불러일으키는 불안정한 라벨이 된다. 이번 전시에서 선보이는 태그 스티커의 이미지들은 실험실 샘플이나 바코드를 연상시키지만, 실제 정보는 비어 있다. 이 빈 라벨은 관객이 자신만의 언어와 서사를 채워 넣어야 하는 해석의 여백이다.

반면 박인업은 도자와 브론즈라는 물질적 매체를 통해 눈에 보이지 않는 감정을 신체의 형태로 구체화하며 신체 정치학을 전개한다. 미셸 푸코가 『감시와 처벌』에서 분석했듯, 근대 권력은 신체를 규율하고 길들여 ‘순종적인 신체’로 만들어간다. 박인업의 작업은 외로움, 게으름, 긴장, 시작의 두근거림 같은 감정들이 어떻게 신체를 구부리고 굳어지게 만드는지 보여주는 ‘길들여진 신체’의 아카이브다. 동시에 그의 조각을 타고 흐르는 곡선들은 단지 굳은 몸의 윤곽이 아니라, 감정과 규율이 신체를 통과하며 남긴 시간의 궤적으로 읽힌다.

두 작가는 네덜란드와 유럽이라는 낯선 공간에서 각각 7~8년 동안 이방인으로 살았다. ‘제3의 공간’(중심과 주변의 경계가 교차하며 혼종성이 발생하는 지점)에서 자신만의 시각을 형성한 것이다. 이들이 돌아온 한국 사회는 여전히 기형적인 속도주의와 촘촘한 규율 시스템 속에서 성실함과 효율성을 절대적 미덕으로 요구한다. 이번 전시는 유럽에서 체화된 실존적 고립과 한국에서 마주한 사회적 압박이 이미지와 신체라는 각자의 차원에서 어떻게 발현되는지 탐구한다. 단단하게 길들여진 몸과 느슨하게 떠다니는 기표가 교차하는 이 공간은, 신체의 구속을 통해 이미지의 유동성을 붙잡고, 이미지의 미끄러짐을 통해 구속된 신체를 해방하는 역설적인 긴장감을 만들어낸다.

II. 신체의 아카이브: 박인업의 길들여진 신체

프로이트에 따르면, 애도는 상실의 대상을 명확히 인지하고 세계와 다시 화해하는 과정이지만, 멜랑콜리아는 무엇을 잃었는지조차 모른 채 지속되는 존재론적 공허를 동반한다. 박인업의 〈Melancolia〉는 이 불분명한 상실의 징후를 도자라는 매체로 붙잡아둔 작업이다. 유학 시절 홀로 음악을 들으며 웅크려 울었던 경험, “이불 밖으로 나와 있던 내 발마저 외로워 보였다”는 작가의 회고는 발이라는 신체 부위가 지닌 취약성과 타지에서의 고립감을 현상학적인 포즈로 치환한다. 여기서 몸은 자율적인 주체라기보다, 외부 시스템에 의해 고독해지도록 길들여진 신체의 단면이다.

〈Aesthetics of Laziness〉는 효율성과 생산성만을 미덕으로 삼는 사회를 향한 신체적 반론이다. 베개 밑에 손을 넣고 TV 편성표를 외우며 누워 있는 자세, 발가락으로 컴퓨터를 켜고 모니터 앞에서 서서히 녹아내리는 듯한 몸은 푸코가 말하는 규율 권력을 전복하는 비생산적 상태를 형상화한다. 이 작업은 ‘게으름’이 단순한 태만이 아니라, 과속하는 시스템을 잠시 멈추고 삶의 다른 차원을 사유하게 만드는 하나의 윤리적 선택이 될 수 있음을 시각적으로 웅변한다.

반대로 〈Graph of palpitation〉과 〈Little help for passive people〉, 그리고 〈Hooray〉는 무언가를 시작하는 순간의 긴장과 설렘을 다룬다. 단거리 선수의 출발 자세를 유도하는 ‘시작하는 의자’, 무거운 세라믹이 몸을 짓누름에도 이상하게 기쁘고 들뜬 자세를 만드는 〈Hooray〉는 사회적 이행 단계에서 개인이 겪는 심리적·물리적 압박을 신체로 받아내는 장치다. 관객이 실제로 몸을 작품에 맞춰 넣을 때, 긴장과 설렘, 주저와 욕망이 엉킨 시작의 이중성을 생생하게 경험하게 된다.

이러한 긴장 구조는 〈Tension: Chewing gum〉 시리즈에서 극대화된다. 끈적한 껌이 팔다리에 달라붙어 부자연스러운 걸음을 만드는 형상, 씹고 뱉은 껌이 비정상적으로 쌓인 덩어리, 벽이나 바닥에 붙은 작은 껌 타일은 사회적 강박과 불안이 일상 속 신체의 미묘한 오작동으로 나타나는 방식을 보여준다. 특히 아이리스 러스터 유약을 입혀 반짝이는 껌 타일은 ‘예쁜 불편함’이라는 역설을 구현한다. 규율과 통제가 혐오와 장식, 불쾌감과 매혹이라는 상반된 감각을 동원하며 얼마나 세련된 형태로 일상에 스며드는지 냉소적으로 드러내는 대목이다.

마지막으로 〈Rich Man〉의 청자 작업은 돈과 권력의 이중성을 드러낸다. 두 손을 모아 돈을 구걸하듯 납작 엎드려 조아리는 형태 위에 앉으면, 관객의 몸은 이내 타인을 내려다보는 거만한 자세로 전환된다. 과거 왕실의 보물이었던 청자를 사용함으로써, 작가는 권력이 인간을 비굴하게 만드는 동시에 타인을 내려다보게 만드는 위계 구조를 폭로한다. 박인업의 유려한 곡선은 이처럼 단순한 조형적 아름다움에 머물지 않고, 사회적 위계와 감정의 무게가 신체를 통과하며 남긴 생생한 궤적이다.

III. 이미지의 미끄러짐: 박석의 느슨한 기표

박석의 사진은 19세기 바니타스의 도상학적 규범을 빌려오되, 이를 도덕적 교훈으로 봉인하지 않는다. 대신 사물을 재현และ 은폐 사이의 모호한 틈새에 배치하여, 관객이 의미를 일방적으로 ‘읽는’ 대신 스스로 ‘부여해야만’ 하는 상황을 만든다. 〈Misleading Elements 01 (FACTS)〉는 풍선 효과와 붕괴하는 정물 구도를 통해, ‘사실(fact)’이 결코 단단한 토대가 아니라 언제든 무너질 수 있는 구조물임을 보여준다. 이는 현대 사회가 집착하는 팩트 체크 시스템 자체가 이미 기울어진 운동장 위에 세워져 있음을 냉소하는 정물이다.

그의 이미지는 시각을 넘어 청각과 제도적 체계의 영역으로 미끄러진다. 〈Image 06〉의 LP와 스크래치는 음악이 주는 위안과 매체의 물리적 취약성을 동시에 상기시키며, 〈Image 07 (Intermission)〉의 막간 이미지는 중단과 공백의 시간을 시각적 정물로 고정한다. 〈Image 04 (Absence)〉 속 텐트와 양떼의 이미지는 보호와 방목, 안식과 통제라는 상반된 메커니즘이 어떻게 하나의 장면 안에 공존할 수 있는지 보여준다.

전시 후반부에서 이 느슨한 기표들은 제도적 통제와 집단적 강박을 향해 더 직접적인 비판을 던진다. 〈Image 03 (ƏNISSOXƏ)〉는 위생과 출혈의 대비를 탐미적으로 포장하고, 방사형으로 꽂힌 칵테일 스틱의 구도를 통해 평정과 요란함이 충돌하는 폭발 직전의 긴장감을 정물화한다. 〈Image 08 (Laboratory)〉의 실험실 병과 바코드 이미지는 인간과 세계를 계량하고 분류하는 과학적 객관성이 사실은 코드화된 해석 구조에 지나지 않음을 폭로한다. 〈Image 05 (TOKEN FEAR)〉에 등장하는 첨탑과 키치, 집단적 광기의 도상과 결합될 때, 이러한 기호들은 거대 시스템이 주입하는 공포가 어떻게 개인의 실존적 소외를 정교하게 ‘태깅’하고 분류하는지 선명하게 드러낸다.

이번 전시에서 선보이는 태깅 스티커 이미지는 이러한 작업 태도의 연장선에 있다. 내용이 지워진 라벨과 바코드, 채워지지 않은 칸들은 박석이 사용해온 실험실·데이터·관리 시스템의 언어를 추상화한 시각적 장치다. 이 라벨들은 더 이상 정보를 통제하는 도구가 아니다. 도리어 비워짐으로써 관객이 자신만의 언어를 써넣도록 요청하는 느슨한 기표들로 기능한다.

IV. 교차하는 궤적: 길들여진 곡선과 느슨한 라벨

《바니타스의 유령들》은 박인업의 곡선과 박석의 라벨이 서로의 결핍을 비추는 전시다. 세라믹과 브론즈의 곡선은 길들여진 신체의 윤곽을 따라가며, 규율과 감정이 시간 속에서 신체를 어떻게 변형시켰는지 기록한다. 반대로 태깅 스티커와 바코드로 구성된 이미지와 그래픽은 분류와 관리, 통제를 약속하는 듯 보이지만, 끝내 비워진 상태로 남아 관객의 해석 없이는 완결될 수 없는 이름표로 머문다.

이 전시에서 관객은 단지 작품을 ‘보는’ 것에 그치지 않고, 자신의 몸과 해석이 어떻게 동시에 길들여지고 또 느슨해지는지 경험하게 된다. 입구에서 신체를 구부려야만 통과할 수 있는 조각을 지나, 실험실 샘플처럼 태깅된 이미지들 앞에 서는 순간 관객은 하나의 질문과 마주한다. “우리는 누구의 라벨 아래에서, 어떤 자세로 살아가고 있는가?”

바니타스의 유령들은 더 이상 죽음을 상기시키는 박제된 상징이 아니다. 이 유령들은 완결되지 못한 의미, 미처 말해지지 못한 감정, 언제든 다시 쓰일 수 있는 라벨처럼 우리 곁을 맴도는 흔적들이다. 박석과 박인업의 작업은 그 흔적들을 이미지와 신체의 언어로 다시 호출하며, 우리가 당연하게 받아들여온 규범과 의미의 구조를 조용히, 그러나 근본적으로 흔들어 놓는다.

기간: 2026. 06. 11(목) - 07.  05(일)

장소: 성수나무 (성덕정길 3-14)

장소 : 서울 종로구 관훈동 JH 갤러리

일정 : 2026년 6월 30일(화) ~ 2026년 7월 7일(화)

입장 무료

이번 전시는 미니어처 모형을 제작하는 의도 작가와의 합동 전시입니다. 어린 시절, 아니 비교적 최근까지도 저는 작은 인형이나 모형을 가지고 놀았습니다. 플라스틱 인형은 왕국의 공주였고, 솜이 들어간 주머니는 외계에서 온 반려동물이었고, 블록으로 만들어진 이등변삼각형은 최신형 비행기였습니다. 모형의 외부가 아무리 딱딱하게 각져있어도 그것을 가지고 노는 동안에는 부드러운 근육의 굴곡을 상상할 수 있었습니다. 사출 플라스틱의 외부가 아무리 평평하더라도 그것을 이야기 속에 위치시키면서 각종 방어막과 탐사 장비들이 주렁주렁 달린 기능미를 상상할 수 있었지요.

모형은 그것이 모델로 갖는 실재를 모방하지만 결코 실재와 같지 않습니다. 그런데 모형은 실재와 같아져서도 안됩니다. 만약 모형의 크기와 무게가 실재를 따라잡는다면 우리는 그것을 가지고 놀 수 없으니까요. 하지만 모형이 모델과 너무나 달라도 문제가 생깁니다. 우리가 모델을 상상해 내기 곤란하기 때문이지요. 그렇게 우리는 세계를 축소하여 모형을 만들고, 그 모형을 확장해 그것이 다시 세계라고 상상하며 살아갑니다. 언제나 그렇습니다. 저는 저의 감각으로 인식된 세계의 일부분을 어떤 상징과 대응시켜 여러분에게 전달합니다. 그리고 여러분 속에서 확장된 그것이 제가 목격한 세계와 최대한 유사하기를 바랍니다.

결국 모형은 실재가 될 수 없습니다. 그런데 모형이 실재를 붙잡지 못하더라도, 우리는 모형이 없으면 살아가지 못합니다. 이번 전시에는 세계를 축소하고 그것을 다시 확장하여 그것이 세계라고 우기는 고집과 폭력이 조금 놓여 있습니다. 감사합니다.

정원은 오랫동안 인간이 자연을 길들이고 보호해 온 공간이었다. 질서를 부여하고, 아름다움을 선별하며, 생명을 통제 가능한 형태로 배치해 온 장소. 그러나 이 전시에서 정원은 더 이상 돌봄과 안정의 공간으로 존재하지 않는다.

<치명적 정원>은 인간 중심의 시선이 사라진 이후에도 계속되는 생명과 그 변형된 아름다움에 대해 이야기하는 2인전이다.

이곳에서 식물과 꽃은 더 이상 배경이나 장식이 아니라, 스스로 증식하고 살아남은 세계의 주체로 등장한다.

김민지는 인간이 멸망한 이후 식물이 지배하게 된 세계를 상상한다. 그러나 그의 화면은 일반적인 디스토피아의 풍경과는 거리가 멀다. 뒤엉킨 줄기와 붉은 열매들, 떼를 지어 떠다니는 새를 닮은 형상들은 천진난만하고 유쾌한 생명력으로 가득 차 있다. 아이의 그림을 떠올리게 하는 자유로운 구성과 리듬 속에서 세계는 무너진 이후가 아니라, 오히려 새롭게 번성하는 순간처럼 보인다. 

종이 위에 오일파스텔과 연필로 쌓아 올린 화면은 자유로운 움직임과 생동감을 품고 있다. 문명의 흔적 위로 번식하는 식물과 생명체들은 인간의 부재를 애도하지 않는다. 오히려 인간 이후의 세계가 얼마나 찬란하고 생동감 있게 지속될 수 있는지를 보여준다.

함수지는 꽃의 형상을 통해 연약하지만 치명적인 아름다움을 드러낸다. 그의 작업 속 꽃은 식물의 생식기관과 여성의 몸을 연상시키면서도, 동시에 요괴나 낯선 생명체처럼 보인다. 피부와 기관을 닮은 유기적 형상들은 섹슈얼하면서도 비인간적이며, 아름다움과 불안을 동시에 불러온다.

작가는 억압된 감정과 상처의 흔적을 '정서적 염증'으로 읽어내며, 이를 식물의 성장 구조와 겹쳐낸다. 한지 위에 천천히 스며드는 한국화 재료의 물성과 느린 공정은 이러한 감각을 더욱 여리고 섬세하게 드러낸다. 화면 속 존재들은 금방이라도 부서질 듯 연약해 보이지만, 바로 그 연약함 속에서 가장 강렬하고 치명적인 생존의 전략을 만들어낸다.

이 전시에서 아름다움은 더 이상 안전하지 않다. 꽃은 감상의 대상이 아니라 살아남기 위한 형태가 되고, 정원은 인간을 위한 풍경이 아니라 인간 이후에도 계속 작동하는 세계의 단면이 된다. <치명적 정원>은 인간이 부여해온 질서와 의미가 사라진 자리에서, 생명과 아름다움이 어떤 방식으로 다시 세계를 점유하는지를 보여준다.

아츠비빔의 기획전시 '경계를 지우다'를 소개합니다.

‘아츠비빔(ARTs BiBiM): 경계를 지우다’는 서로 다른 장르와 작업 방식을 가진 예술가들이 한자리에 모여,

각자의 시선으로 지금 우리가 살아가는 사회를 이야기하는 프로젝트입니다.

환경, 노동, 고립 같은 동시대의 문제들을 예술로 풀어내며,

그 과정을 관객과 공유하고자 합니다.

​

'경계를 지우다 Section 3' <비언어 교환일기>는

서수연, 박진경, 백보림 세 작가는

언어적 소통이 고도화된 시대 속에서 역으로 언어 이전의 감각과

비언어적 소통의 가능성을 탐구하는 의미에서

전시를 진행합니다.

​

이번 전시를 통해 복잡한 언어의 틀을 넘어,

서로의 흔적을 오롯이 감각과 직관으로

읽어내는 새로운 소통의 장의 열리길 기대합니다.

□ 옥상팩토리 기획공모전은 예술 현장에 진입할 인프라가 부족한 신진 작가에게 개인전과 단체전을 지원하는 프로그램이다. 2021년부터 매년 공개 모집을 통해 참여 작

가를 선정하고 있으며, 현재까지 총 22번의 전시를 진행하였다. 이번에 열리는 기획공모전은 작가 박정호의 《표면 산책자》다.

□ 《표면 산책자》는 작가가 도시를 표류하며 채집한 공간의 흔적을 드로잉과 설치로재구성한 작업을 선보인다. 특히, 이번 전시에서 작가는 지하 공간을 배회하면서 마

주친 쇼윈도와 광고판, 통로 등의 표면을 수집하고 드로잉과 3D오브제, 프로젝션매핑을 통해 조합한다.

‘투사 기반 오브제(Projection-Based Object)’라고 정의한 이러한 작업 방식을 통해, 작가는 도시에서의 경험을 이미지와 물질, 공간이 관계를

맺는 장으로 재해석한다.

□ 출품작은 신작 네 점과 구작 한 점으로 구성된다. 구작 〈새장(Cage)〉(2025)이 닫힌원형 구조에서 순환하는 거리의 동선을 보여준다면, 신작들은 다른 공간으로 확장

되는 지하 공간의 산발적인 흐름을 드러낸다.

□ 이번 전시는 현대 도시의 수많은 표면과 그 이면의 질서를 탐구하고, 작가의 작업방식인 ‘투사 기반 오브제’를 확장하는 전시가 될 예정이다.

새장(Cage), 2025, 3D 프린팅, 아크릴 패널, 볼트, 너트, 프로젝션 매핑, 200 × 200 × 20 cm

지연된 감각(Slow Capture), 2025, PVC 파이프, 3D 프린팅, 설치 위 영상 프로젝션, 65 x 270 x 210 cm, 6분 40초

지연된 감각(Slow Capture), 2025, PVC 파이프, 3D 프린팅, 설치 위 영상 프로젝션, 65 x 270 x 210 cm, 6분 40초

지하 통로는 지하철, 광장, 백화점, 호텔로 이어진다. 길은 계속 이어지지만 한눈에 들어오지 않는다. 걷다 보면 같은 곳에 다시 온 듯하고 조금만 방향을 놓쳐도 금세 위치

가 흐려진다. 코엑스는 친숙한 공간이지만 쉽게 길을 잃게 만든다.

이곳에는 벽보다 표면이 많다. 쇼윈도, 광고, 디스플레이, 안내판들이 계속해서 눈앞에나타난다. 사람은 실제 공간의 구조보다 표면 위에 떠 있는 표시에 따라 방향을 잡는

다. 길을 찾으려 시선을 옮길수록 더 많은 표면을 마주한다. 표지는 분명 목적지를 가리키지만 그것을 따라가다 보면 또 다른 간판과 쇼윈도 앞에 서게 된다.

나는 이 공간을 걷는다. 멈추고 돌아보고 다시 지나간다. 길을 찾는 동안 마주한 흐름을 그린다. 드로잉 속에는 출발점과 도착점이 없다. 표지의 방향, 반복되는 통로, 우회

와 머뭇거림이 한 장면 안에 섞인다. 안내도는 이를 깨끗하게 정리하지만 실제로는 더느리고 불규칙하다.

수집된 드로잉은 입체로 옮겨진다. 선은 오브제가 되고 빛과 프로젝션은 그 위에 머문다. 이미지는 어떤 면에 맺히고 어떤 면에서 튕겨 나가며, 어떤 면은 지나간다. 관객은

여러 표면 사이를 배회하면서 이미지가 붙잡히고 사라지고 다시 나타나는 장면을 따라간다.

《표면 산책자(Surface Wanderer)》는 지하 공간을 걷는 동안 마주한 조각난 장면들을다시 모은다. 목적지보다 먼저 나타나는 표면, 안내를 따라가면서도 어긋나는 이동, 같

은 곳을 반복해서 지나는 경험, 잠시 멈춰 서게 만드는 화면들이 전시의 출발점이 된다. 

드로잉은 길 위에서 남긴 기록이고 구조물은 그 기록이 머무는 형태가 된다. 여러표면 사이를 다시 한번 지나간다.

글: 박정호

박정호 (Park Jungho)

박정호는 드로잉과 구조물, 영상과 프로젝션을 결합한 설치 작업으로 도시를 걷는 경험과 그 과정에서 마주치는

표면 질서를 탐구한다. 이동 중에 포착한 시각적 단서를드로잉으로 기록하고, 3D오브제와 프로젝션으로 전환하며,

설치 형식으로 구현하는 '투사 기반 오브제(Projection-Based Object)' 작업 방식을 구축하고 있다. 

학부에서 조소를, 대학원에서 Art and Technology와 영상인터랙션을 전공했다. 

개인전으로 《표면산책자》(옥상팩토리,2026 예정), 《숨은 궤적》(부천아트벙커B39, 유인송풍실,2025), 

《Stroke Drive》(라흰갤러리, 2025), 《The Follows the Flow》(CICA미술관, 2024)을 개최했으며, 

주요 단체전으로는 Co-MMotion International Media Art Festa 《공진》(아지트미술관, 2025), 《Art & Environment》(하남문화

예술회관, 2022), 《A day Surreal 꿈 같은 하루》(그라운드이위, 흥천문화재단, 2022) 《Interwined》(Mana

Contemporary, 2021), 《Ars Electronica 2021》(Kepler'sGardens, 2021) 등에 참여했다.

전시 기간: 2026년 6월 15일(월) - 6월 20일 (토)

참여작가
나리, 박수예, 소요해, 윤진숙, 이청, 임은희

전시 소개의 글_ 전시 기획자 김혜현(레드부츠 프로젝트 스페이스 운영진)
 

아티스트 북클럽 6기에 함께 해주신 작가님들께 감사의 인사를 먼저 전합니다. 10번의 책모임을 마치고 난 단체전입니다. 레드부츠 갤러리에서는 2022년부터 시각예술 작가들과 함께 미술책으로 북클럽을 해왔습니다. 이번 6기 작가님들과 함께 읽었던 책은 미국 추상 표현주의 예술가 마크 로스코의 <예술가의 창조적 진실>입니다. 마크 로스코의 작품은 워낙 유명해서 모르는 사람이 없지만 정작 그가 어떤 사상을 가지고 작업을 해왔는지는 모르는 사람들이 많습니다. 예술가가 말하는 그 창조적 진실; 리얼리티가 무엇인지 우리는 궁금했습니다. 10번에 걸쳐 책을 낭독하며 그의 생각을 따라가면서 추론하기도 하고 상상하기도 했습니다. “예술가가 작업을 통해서 세상에 보여주고 싶어하는 그 리얼리티;진실은 무엇일까?” 이런 의문은 다시 우리 각자에게 던져졌습니다. 매일 작업을 하고 정기적으로 전시를 보여주는 창작자들인 우리는 어떤 리얼리티를 발견하였는지 최종적인 결론은 아닐지라도 중간점검 차원에서 살펴볼 필요가 있겠지요. 

이번 전시는 작가들이 세상을 통해 발견한 리얼리티, 지금까지 해오던 작업 속에서 탐구하며 발견한 주제들을 좀 더 자세히 보여주려고 했습니다. 더 많은 사람들에게 사랑받거나 더 잘 판매되게 하려고 기획된 전시가 아닙니다. 진짜 예술 그 자체를 보여주는 것, 그것이 창작자들의 솔직한 시선임을 밝히는 전시입니다." 

우리 모두는 각자의 리얼리티 속에서 살아갑니다. 군중속에서 고독감을 느끼는 이유는 아마도 그 때문인지도 모르겠습니다. 하지만 내 옆에 있는 누군가의 리얼리티를 이해하게 된다면 어떨까요? 이번 전시가 우리시대의 창작자들의 리얼리티를 들여다 볼 수 있는 돋보기가 되길 바랍니다. 

“그림을 그리는 것은 조형 요소를 사용해 예술가가 생각하는 리얼리티 개념을 재현하는 것이다. 그림은 지식, 교훈, 경험, 그리고 그 시대의 리얼리티라고 가정되는 모든 것들 간의 상호관련성을 보여주어야 하며, 재현을 위한 조형적 통일성을 이룬다는 것은 시간과 관계된 모든 현상을 감각성의 단위로 환원하는 것이다. 이런 과정을 포함하는 예술은 이 세계를 일반화하는 작업이다.” 마크 로스코, 《예술가의 창조적 진실》

우리는 그 어느 때보다 많은 것을 보고, 듣고, 기록하며 살아간다. 모든 것이 교환 가능하고 복제 가능하며, 소비 가능한 정보가 되어가는 시대다. 이미지는 경험을 대신하고, 정보는 기억을 대신하며, 속도는 시간을 대신한다. 더 많은 것을 알게 되었지만 세계를 깊이 경험하는 일은 오히려 어려워졌다. 《IT'S REAL》은 그 잃어버린 감각들을 다시 일깨우는 전시다.

길종갑과 김종숙은 오랫동안 자신이 살아온 곳을 기반으로 작업해왔다. 화천과 속초. 서로 다른 장소지만 두 작가에게 그곳은 단순한 고향이나 작업의 배경이 아니다. 삶의 터전이며, 오랜 시간 관계를 맺어온 세계 그 자체다. 이번 전시에서 그들은 대체 불가능한 것들에 관한 이야기를 들려준다. 화천의 흙냄새와 속초의 바닷바람, 오래 알고 지낸 사람들, 반복되는 계절, 손의 노동, 그 속에 형성된 감각들. 그것들은 복제될 수도, 다운로드 될 수도 없다.

작가는 계절이 바뀌고 꽃이 피고 지는 것을 지켜보며, 태어남과 죽음이 반복되는 시간을 몸으로 겪는다. 생명은 끊임없이 피어나지만 동시에 사라진다. 그래서 이들의 작품에는 죽음 역시 삶의 일부이며 자연스러운 질서로 존재한다. 피어나는 꽃 속에도, 오래된 나무의 몸통에도, 바다를 건너는 바람에도, 사람들의 얼굴에도 시간이 남긴 흔적과 생명의 순환이 스며 있다.

오늘날 우리는 죽음을 삶의 바깥으로 밀어내고, 늙음과 쇠퇴를 감추며, 영원히 지속되는 현재를 꿈꾼다. 그러나 두 작가의 세상 속에는 삶과 죽음, 생성과 소멸, 기쁨과 상실이 서로 분리되지 않는다. 모든 존재는 변화하고 사라지지만, 동시에 다른 생명으로 이어지며 세계를 이루고 있다.

 《IT'S REAL》의 ‘진짜’(REAL)는 어떤 객관적 사실을 의미하는 것이 아니다. 그것은 삶과 세계가 직접 맞닿아 있는 상태, 사람과 자연이 서로를 비추며 존재하는 상태, 그리고 시간을 들여 비로소 드러나는 세계의 본성에 관한 이야기이다. 어쩌면 진짜 세계는 멀리 있는 것이 아니라 우리가 서 있는 자리, 우리가 살아가는 풍경, 그리고 오랜 시간 관계를 맺어온 존재들 속에 이미 있었는지도 모른다. 《IT'S REAL》은 그 세계를 다시 발견하는 시간이다.



풍경을 이루는 순간들

​                                                                                   ​ ​                                                                                                                  

작가 약력

​                                                                                   ​ ​                                                                                                                  

이미정 Mijung Lee

emjelee7@gmail.com | www.emjelee.com​ | @emjelee

학력

2023  서울과학기술대학교 조형예술과 석사 졸업

2011  홍익대학교 도예·유리과, 회화과 졸업

주요 개인전

2025  사랑의 이름으로, PS Under Layer, 서울

2022  SUITE, G Gallery, 서울

2020  SANDWICH TIMES, 송은아트큐브, 서울

2018  The Gold Terrace, 아트딜라이트, 서울

2017  IF THERE IS NO WIND, ROW, 아트스페이스휴, 파주

2014  Pink Noise, 갤러리 쿤스트독, 서울

2013  위로는 셀프, OCI미술관, 서울

2012  Red complex, 갤러리 아트사간, 서울

주요 이인전

2026  이미정×이세준: 풍경을 이루는 순간들, OCI미술관, 서울 

주요 단체전

2026  사물의 시간, 아뜰리에 아키, 서울

2024  오싹하게 부드럽게, 스페이스 윌링앤딜링, 서울

          Soft and Hard, 서정아트, 서울

          FACES, 카린갤러리, 부산

          Keep Going, 스페이스 윌링앤딜링, 서울

2023  데코·데코 Décor·Décor: 리빙룸 아케이드, 일민미술관, 서울

          Seize the Moment, 노블레스컬렉션, 서울

          SUPER SUMMER, MOOSEY, 노리치, 영국

          Stretching into a shape: 평면을 모양으로 스트레칭, 뉴스프링프로젝트, 서울

          새 하늬 마 높, 미음 프로젝트 스페이스, 서울

2022  Summer Love 2022, 송은, 서울

          FIT, 제주문예회관, 제주

          경계 위의 탐험, G Gallery, 서울

          Super-impose, 호반아트리움 아트살롱갤러리, 광명

2021  선셋 밸리 빌리지, 아트선재센터, 서울

          여행하는 눈, 신촌문화발전소, 서울

2020  맞, 공간사일삼, 서울

          따로-같이, 전태일기념관, 서울

          Brave New Gaze: 시각, 시선, 그리고 시작, 아뜰리에아키, 서울

          새일꾼 1948-2020, 일민미술관, 서울

프로젝트

2018  soshoroom: the storage-room, 소쇼룸, 서울

2012  홍제천 프로젝트, 홍은예술창작센터, 서울

수상 / 선정

2020  서울문화재단 예술창작활동 지원

2019  송은 아트큐브 전시지원

2013  OCI YOUNG CREATIVES, OCI미술관 

레지던시

2021  국립현대미술관 고양레지던시, 고양

2020  서울시립미술관 난지창작스튜디오, 서울

2017  관두미술관 레지던시 프로그램, 대만

출판

2018  몸 몸 몸 mom mom mom, 서울

          The Gold Terrace, 서울​

​                                                                                   ​ ​                                                                                                                  

이세준 Sejun Lee

isomael@naver.com | @leesejunn

 

학력

2026  홍익대학교 대학원 회화과 박사 졸업

2013  홍익대학교 대학원 회화과 석사 졸업

2011  홍익대학교 미술대학 회화과 학사 졸업

 

주요 개인전

2025  어떤 우주를 그리는 법, 포스트에딧갤러리, 전주

    Picturescape, 스페이스 윌링앤딜링, 서울

2024  가능세계의 그림들, 평택시 북부문화예술회관 전시실, 평택

    랍스터 편지, 고양시 예술창작공간 해움, 고양

2023  스페이스 아케이드, 고양시 예술창작공간 해움, 고양

    마침내 너와 내가 만나면, 스페이스 윌링앤딜링, 서울

    메타픽션, 공간 황금향, 서울

2020  A Day After of the End, so, one, 서울

   스페이스 오페라, KSD갤러리, 서울

2019  표면의 풍경, 갤러리 아리오소, 울산

    세계관, 스페이스 윌링앤딜링, 서울

2016  포락지, 케이크갤러리, 서울

    늪과 숲, 양주시립미술창작스튜디오 777갤러리, 양주

2015  무엇을 불태울 것인가, 스페이스 윌링앤딜링, 서울

2013  무한을 유한 속에 담는 방법, 안국문화재단 AG갤러리, 서울

2012  지금, 이곳에서는 어떤 일들이, 키미아트 갤러리, 서울

주요 이인전

2026  이미정×이세준: 풍경을 이루는 순간들, OCI미술관, 서울

주요 단체전

2026  해변의 아인슈타인, 갤러리로윤, 서울

    불의 씨앗, 시안미술관, 영천,

2025  Symbiotic Planet, 금천예술공장, 서울

    그날의 이야기, 벗이미술관, 용인

2024  궤적을 연결하는 점들, 고양시립 아람미술관, 고양

    비록 Secret Records, 챔버, 서울

2023  제23회 송은미술대상전, 송은, 서울

    제우스와 박수무당, 금호 알베르, 서울

2022  죽음이 우리를 갈라놓을 때까지, 갤러리CNK, 대구

    귀환불능지점, 신한갤러리, 서울

2021  의도적 우연, 자하미술관, 서울

    태양에 대한 승리, 옥상팩토리, 서울

2020  Here We Are, 수창청춘맨숀, 대구

    신 소장품전 플러스, 오산시립미술관, 오산

레지던시

2026  수원문화재단 푸른지대 창작샘터, 수원

2025  서울문화재단 금천예술공장, 서울

2022-24  예술창작공간 해움, 고양

2020  서울시립미술관 난지미술창작스튜디오, 서울

2019  예술창작소 소금나루2014, 울산

2016  Beijing B-Space residency, 북경, 중국

2013-16  양주시립미술창작스튜디오 777레지던스, 양주

수상 / 선정

2025  퍼블릭아트 뉴히어로

    미메시스 아티스트 프로젝트 선정

2024  평택문화재단 우수프로젝트 선정

    Kiaf Semi Finalist 10

2023  제23회 송은미술대상

2019  제1회 KSD 미술상 대상

2014  제3회 가송예술상

2013  Art in Culture 동방의 요괴들 Best10

    New York Art Show, 최우수작가

2012  SeMA 신진작가 지원프로그램 제5기, 서울시립미술관

   서울디지털대학교 미술상 특선

출판

2025  세상의 끝 이후의 어느 날_이세준 비평 선집, 스페이스 윌링앤딜링 출판, 서울

2017  포락지: 이세준, 물질과 비물질 출판, 서울 

작품 소장

국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 평택시문화재단, 오산시립미술관, 양주시청

2026.06.18.-07.25.

심승욱, 이정우, 이창원

우리는 모두 다른 시간과 조건 속에서 살아간다. 그렇기에 오래 알고 지낸 사이라고 해도, 같은 공간에 머물고 있다 하더라도, 심지어 깊은 대화를 나누고 있을 때조차 서로를 온전히 이해하기란 여간 어려운 일이 아니다. 그럼에도 하나의 목적 아래 마음을 모아야 하는 때가 있다. 흩어졌던 마음이 잠시 모이는 순간. 이번 전시는 바로 그 ‘잠시 겹쳐지는 순간’들에 대해 이야기하려 한다.

전시에 참여한 심승욱, 이정우, 이창원 작가는 한때 학교라는 공간 속에서 짜여진 시간표를 따라 같은 시간을 보냈다. 그러나 잠시 겹쳐졌던 시간을 뒤로한 채, 각자의 삶과 각자의 작업 세계를 이끌어왔다. 이번 전시는 그렇게 흩어졌던 시간들을 물리적으로 다시 모으는 시도이다. 한층 깊어진 각자의 삶은 제법 다른 방향으로 흘러왔지만, 그럼에도 한 공간 안에 함께 놓였을 때 새로운 장면과 이야기를 만들어낼 수 있지 않을까 하는 기대와 설렘을 품었다. 그리고 그것이 혹여 너무 다른 방향은 아닐까 하는 조심스러운 마음까지 담겼다.

그들이 다루는 조각과 사진, 설치, 영상은 각각 다른 매체이지만 동시대미술의 흐름 속에서 필연적으로 상호참조적인 특성을 가진다. 물질은 이미지가 되고, 그 이미지는 데이터로 변환된다. 그리고 다시 도암갤러리 전시 공간에서 물질의 형태를 얻으며 서로 다른 시간의 흔적이자 증거로 작동한다. 이번 전시에 선보이는 작품들 역시 그러하다. 각자의 삶과 작업 세계에서 발화된 작품들은 서로 다른 결을 유지한 채 공간 안에 놓인다. 작품과 작품, 이미지와 물질, 과거와 현재는 완전히 맞물리지 않으면서 서로를 비추고 참조하여 하나의 장면을 만들어낸다.

《겹쳐보는 순간》은 바로 그 현재의 순간에 의미를 두고자 한다. 서로를 완전히 이해할 수 없음에도 우리는 함께 살아가고, 때로 같은 공간을 점유하며, 서로를 살펴볼 기회가 필요하다. 이 전시는 그런 순간에 대한 제안이다. 전시를 방문하는 관객 역시 이 겹쳐진 시간의 목격자가 되어 각자의 감각으로 이 장면을 경험하게 되기를 바란다. 

· 전시기간: 2026.6.18.(목)-7.25.(토)

· 전시오프닝: 2026.6.18.(목) 오후4시

· 전시장소: 도암갤러리(서울시 종로구 평창문화로 70, 서울아트센터 도암 3층)

· 운영시간: 화-토, 10AM-6PM (일, 월, 공휴일 휴관)

· 관람요금: 무료

각자의 시선으로 지금 우리가 살아가는 사회를 이야기하는 프로젝트입니다.

환경, 노동, 고립 같은 동시대의 문제들을 예술로 풀어내며,

그 과정을 관객과 공유하고자 합니다.

​

'2차 경계를 지우다'의 전시 《호모 아르티스》는

기술 중심주의와 인간 중심적 사고가 만들어낸 기후 위기와 AI 시대의 도래 속에서,

인간과 자연의 관계를 다시 묻는 전시입니다.

​

이번 전시에는 이재웅, 이호철, 성백 세 명의 작가가 참여하여

각자의 시선으로 문명 이후의 미래를 상상하고,

그 안에서 인간이 지녀야 할 감각과 역할을 탐구합니다.

이번 전시는 1987년 6월 민주항쟁의 거대한 흐름 속에서, 민주주의를 향한 신념으로 좁고 어두운 0.7평 독방의 추위와 고독을 견뎌낸 양심수들을 조명하고자 마련되었습니다. 단지 독재정권의 부당함에 항거하고 시위에 나섰다는 이유만으로 국가보안법의 굴레를 쓰고 수감 되어야 했던 양심수들의 삶과 투쟁을 되짚어봅니다.

나아가 감옥 안에서 마주해야 했던 참혹한 고문과 인권 유린의 실상, 그리고 그들을 구출하기 위해 머리에 보랏빛 수건을 두르고 거리로 나선 가족들과 종교계의 뜨거운 연대를 마주하고자 합니다.

오늘날 우리가 당연하게 누리고 있는 민주주의와 인권이 과연 어떤 이들의 숭고한 희생 위에 세워졌는지 함께 느껴보시는 시간이 되기를 바랍니다. 전시는 6월 8일부터 11월 30일까지 진행합니다. 

2026년 개관과 함께 선보이는 첫 기획 전시 《Oῖκος: The Dwelling Place》는 오이코스8이 앞으로 만들어가고자 하는 공간의 방향성에 대한 생각에서 출발한다.

오이코스8 (OIKOS8)의 명칭은 생태학자 에른스트헤켈 (Ernst Haeckel) 이 제안한 ‘Ecology(생태학)’ 개념에서 비롯됐다. Ecology는 고대 그리스어 ‘오이코스(Oikos, 삶의 터전)’와 ‘로고스(Logos, 학문)’의 결합어로, 존재와 환경의 관계를 의미하며 단순한 물리적 공간을 넘어 존재들이 서로 관계를 맺고 삶을 이루어가는 터전이자, 유기적인 삶의 방식을 담고 있는 개념이다.

《Oῖκος : The Dwelling Place》에서 ‘The Dwelling Place’는 단순한 거주의 의미를 넘어, 대상이 세상과 관계 맺으며 살아가는 방식에 대한 질문을 담고 있다. 이곳에서 환경은 더 이상 수동적인 배경으로 존재하지 않는다. 기억과 경험, 사물과 감각이 서로 영향을 주고받으며 축적되고, 새로운 흐름과 관계를 생성해내는 살아 있는 유기체적 장으로 작동한다.

서로 다른 매체와 시선에서 출발한 김소산, 임준호 두 작가의 작업은 공간 안에서 교차하며 하나의 풍경을 만든다. 김소산은 기계와 인공지능, 인간의 기억과 자연적 요소의 관계를 탐구하며, 실험적인 에칭 기법과 수집한 자연 이미지를 통해 시각화한다. 임준호는 어린 시절의 기억과 자연물에 주목하며, 개인의 경험과 감각이 축적된 풍경을 자신만의 조형 언어로 풀어낸다. 

전시 《Oῖκος : The Dwelling Place》를 통해 우리가 살아가는 환경과 그 안에서 공존하는 다양한 존재들의 유기적인 관계를 다시금 바라보고 사유해 볼 수 있는 하나의 장이 되길 기대한다. 

- 기획/글 Oikos8

​

박종호의 작업 속 인물들은 감정을 몸 안에 오래 머금고 살아가는 존재들처럼 보입니다. 어린 소년, 고개 숙인 얼굴, 어둠 속에 잠긴 시선은 끝내 말로 설명되지 못한 감정을 얼굴과 몸에 남겨진 흔적으로 드러냅니다. 여기서 얼굴은 단순한 초상이 아니고 감정이 지나간 상처이자, 시간이 스며든 표면입니다. 짙게 가라앉은 색과 느린 붓질은 감정의 밀도를 더욱 응축시키며, 인물의 내부에 머무는 침묵의 시간을 보여줍니다.

​

반면 이윤경의 작업 속 풍경은 이미 몸을 떠난 감정의 자리처럼 읽힙니다. 흔들리는 숲과 흐려지는 경계, 번져가는 붓질과 검푸른 흐름은 내면의 감정이 공간과 공기 속으로 퍼져나가는 순간을 보여줍니다. 화면 안에서 색은 고정된 형태로 머물지 않고 서로 스미고 이동하며 감정의 흐름을 만들어냅니다. 그래서 ‘번지는 풍경’은 자연의 재현이라기보다, 감정이 형태를 잃고 색의 움직임 속에서 확장되는 상태에 가깝습니다.

​

이번 전시에서 얼굴과 풍경은 서로 분리된 이미지로 존재하지 않습니다. 얼굴 안에 머물던 감정은 점차 흔들리고 흐려지며 풍경으로 번져가고, 풍경 속 색의 이동은 다시 누군가의 기억과 감정의 잔상으로 남습니다. 감정의 번짐은 곧 색의 이동이 되고, 색의 이동은 보이지 않는 내면의 시간을 화면 위에 드러냅니다. 남겨진 마음도, 번져가는 시간도 결국은 지나가며 서로의 풍경이 됩니다. 그 흐릿한 틈 사이에서 누군가의 마음을 발견하고, 동시에 자신의 시간을 떠올리며 조금은 무거웠던 생각들을 천천히 정리해 보는 시간을 가져보는 것은 어떨까요.

​

​

《남겨진 얼굴, 번지는 풍경》은 감정이 머물고 스며드는 과정을 담아낸 전시입니다.

​

글쓰기의 무게 (The Weight of Writing)

| 참여작가 |

길원옥(길벗), 김선희(써니), 신서영(로즈), 이현미(루아), 한기선(자담)

| 전시기간 |

2026년 5월 26일(화) ~ 5월 31일(일)

| 전시장소 |

대전예술가의집 1전시실 (대전광역시 중구 중앙로 32)

| 관람시간 |

10:00~18:00

| 기획의글 |

글쓰기는 생각과 감정, 경험과 기억이 문자라는 형태로 남겨지는 행위이다. 하얀 화선지 위에 스며든 검은 먹. 전시장에서 우리는 단순히 쓰인 글자를 넘어 창작자의 몸과 시간, 그리고 존재의 흔적을 마주하게 된다. 《글쓰기의 무게》는 완성된 서체의 미학이 아닌, 다섯 명의 캘리그라퍼가 한 획을 긋기 위해 감내해야 했던 창작의 고통을 조명한다. 

  한 글자를 쓰기까지 작가는 수없이 붓을 들고 내려놓으며, 자신의 감정과 기억, 사유를 한 획에 담아낸다. 원하는 형태에 도달하기 위해 반복과 실패를 감내해야 하고, 때로는 자신 안의 불안과 침묵을 마주해야 한다. 캘리그라피에서 한 획은 단순한 선이 아니라 창작자가 지나온 시간과 내면의 고뇌가 응축된 결과물이다. 

 《글쓰기의 무게》를 통해 관람자는 각기 다른 다섯 명의 캘리그라퍼가 남긴 획 속에서 글자의 형태와 의미를 읽는 것을 넘어, 작가의 시간과 감정, 그리고 흔적으로 남겨진 존재의 무게를 마주하게 될 것이다. 

| 기 획 |

우주연, 이승진 (독립기획자)

| 문 의 | 

https://roomoo.co.kr

‘아츠비빔(ARTs BiBiM): 경계를 지우다’는 서로 다른 장르와 작업 방식을 가진 예술가들이 한자리에 모여,

각자의 시선으로 지금 우리가 살아가는 사회를 이야기하는 프로젝트입니다.

환경, 노동, 고립 같은 동시대의 문제들을 예술로 풀어내며,

그 과정을 관객과 공유하고자 합니다.

​

'1차 경계를 지우다'의 전시 <모든 작은 존재들에게>는 동물에 대한 이야기를 담고 있습니다.

인간 중심의 시선에서 벗어나 작고 연약한 존재들의 삶을 바라보며,

우리가 함께 살아가는 세계에 대해 다시 생각해보는 전시입니다.