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박종호의 작업 속 인물들은 감정을 몸 안에 오래 머금고 살아가는 존재들처럼 보입니다. 어린 소년, 고개 숙인 얼굴, 어둠 속에 잠긴 시선은 끝내 말로 설명되지 못한 감정을 얼굴과 몸에 남겨진 흔적으로 드러냅니다. 여기서 얼굴은 단순한 초상이 아니고 감정이 지나간 상처이자, 시간이 스며든 표면입니다. 짙게 가라앉은 색과 느린 붓질은 감정의 밀도를 더욱 응축시키며, 인물의 내부에 머무는 침묵의 시간을 보여줍니다.

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반면 이윤경의 작업 속 풍경은 이미 몸을 떠난 감정의 자리처럼 읽힙니다. 흔들리는 숲과 흐려지는 경계, 번져가는 붓질과 검푸른 흐름은 내면의 감정이 공간과 공기 속으로 퍼져나가는 순간을 보여줍니다. 화면 안에서 색은 고정된 형태로 머물지 않고 서로 스미고 이동하며 감정의 흐름을 만들어냅니다. 그래서 ‘번지는 풍경’은 자연의 재현이라기보다, 감정이 형태를 잃고 색의 움직임 속에서 확장되는 상태에 가깝습니다.

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이번 전시에서 얼굴과 풍경은 서로 분리된 이미지로 존재하지 않습니다. 얼굴 안에 머물던 감정은 점차 흔들리고 흐려지며 풍경으로 번져가고, 풍경 속 색의 이동은 다시 누군가의 기억과 감정의 잔상으로 남습니다. 감정의 번짐은 곧 색의 이동이 되고, 색의 이동은 보이지 않는 내면의 시간을 화면 위에 드러냅니다. 남겨진 마음도, 번져가는 시간도 결국은 지나가며 서로의 풍경이 됩니다. 그 흐릿한 틈 사이에서 누군가의 마음을 발견하고, 동시에 자신의 시간을 떠올리며 조금은 무거웠던 생각들을 천천히 정리해 보는 시간을 가져보는 것은 어떨까요.

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《남겨진 얼굴, 번지는 풍경》은 감정이 머물고 스며드는 과정을 담아낸 전시입니다.

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글쓰기의 무게 (The Weight of Writing)

| 참여작가 |

길원옥(길벗), 김선희(써니), 신서영(로즈), 이현미(루아), 한기선(자담)

| 전시기간 |

2026년 5월 26일(화) ~ 5월 31일(일)

| 전시장소 |

대전예술가의집 1전시실 (대전광역시 중구 중앙로 32)

| 관람시간 |

10:00~18:00

| 기획의글 |

글쓰기는 생각과 감정, 경험과 기억이 문자라는 형태로 남겨지는 행위이다. 하얀 화선지 위에 스며든 검은 먹. 전시장에서 우리는 단순히 쓰인 글자를 넘어 창작자의 몸과 시간, 그리고 존재의 흔적을 마주하게 된다. 《글쓰기의 무게》는 완성된 서체의 미학이 아닌, 다섯 명의 캘리그라퍼가 한 획을 긋기 위해 감내해야 했던 창작의 고통을 조명한다. 

  한 글자를 쓰기까지 작가는 수없이 붓을 들고 내려놓으며, 자신의 감정과 기억, 사유를 한 획에 담아낸다. 원하는 형태에 도달하기 위해 반복과 실패를 감내해야 하고, 때로는 자신 안의 불안과 침묵을 마주해야 한다. 캘리그라피에서 한 획은 단순한 선이 아니라 창작자가 지나온 시간과 내면의 고뇌가 응축된 결과물이다. 

 《글쓰기의 무게》를 통해 관람자는 각기 다른 다섯 명의 캘리그라퍼가 남긴 획 속에서 글자의 형태와 의미를 읽는 것을 넘어, 작가의 시간과 감정, 그리고 흔적으로 남겨진 존재의 무게를 마주하게 될 것이다. 

| 기 획 |

우주연, 이승진 (독립기획자)

| 문 의 | 

https://www.instagram.com/hic_collective

‘아츠비빔(ARTs BiBiM): 경계를 지우다’는 서로 다른 장르와 작업 방식을 가진 예술가들이 한자리에 모여,

각자의 시선으로 지금 우리가 살아가는 사회를 이야기하는 프로젝트입니다.

환경, 노동, 고립 같은 동시대의 문제들을 예술로 풀어내며,

그 과정을 관객과 공유하고자 합니다.

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'1차 경계를 지우다'의 전시 <모든 작은 존재들에게>는 동물에 대한 이야기를 담고 있습니다.

인간 중심의 시선에서 벗어나 작고 연약한 존재들의 삶을 바라보며,

우리가 함께 살아가는 세계에 대해 다시 생각해보는 전시입니다.

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2025년 4월, Park1538광양의 개장과 더불어 광양 유일의 기업미술관 ‘포스코미술관 광양’이 빛의 도시 광양에 첫 발걸음을 내딛었습니다. 지역사회와 ‘문화예술’로 공감하고 소통하기 위해 지난 1년간 내실있는 전시(개관 특별 소장품展, 포스코미술관 순회展)와 다채로운 교육프로그램 및 문화행사(가족미술 체험교실, 전문가 초청 특강)을 선보이며, 다각적인 노력을 기울여왔습니다.

‘포스코미술관 광양’은 2026년의 첫 전시로 Park1538광양의 개관 1주년을 기념하기 위한 특별 기획展 상상으로 엮인 지도: Where stories meet를 선보입니다. 본 전시는 ‘광양’이라는 도시에서 ‘포스코미술관 광양’이 문화의 랜드마크로 자리매김하기 위한 여정을 ‘지도’라는 형식에 은유해 상상해보고자 합니다. 이번 여정을 통해 미술관은 예술을 매개로 한 지역사회와의 문화예술적 공감대를 형성하고, 상생의 가치를 고민해보고자 합니다.

이를 위해, 각기 다른 장소에서 독창적인 작업세계를 확장해온 4명의 작가(서영기, 이조흠, 임수범, 지희킴)의 회화, 설치, 조각 작품들을 지도 위 각각의 좌표로 설정합니다. 작업은 서로를 느슨하게 가로지르며 하나의 ‘흐름’을 형성합니다. 각기 다른 위치에서 출발한 작품들이 포스코미술관 광양이라는 한 지점에 모여 만들어낸 이야기(풍경)는, 미래지향적인 문화예술기관으로 나아가고자 노력하는 미술관의 새로운 가능성을 탐색하는 과정과 닮아있습니다.

특히 이번 전시는 층고가 높은 미술관의 공간적 특성을 살려, 특정 장소를 여행하는 듯한 독특한 경험을 제공합니다. 어두운 1층에서 시작해 계단을 지나 빛이 스며드는 2층으로 향하는 과정은 미지의 영역을 탐험하는 여행자의 모습과도 닮아 있습니다. 관람객은 ‘전시장’이라는 지형 위를 자유롭게 거닐며 각자의 경로를 만들고, 그 고유한 경험 속에서 자신만의 지도를 완성해 나가게 됩니다.

상상으로 엮인 지도: Where stories meet는 서로 다른 좌표에서 출발한 ‘이야기’(서사)들이 이곳 ‘포스코미술관 광양’에서 만나 새로운 이야기를 만드는 전시입니다. 이 지도는 정해진 길을 제시하기보다 각자의 감각과 선택이 쌓여 나아갈 방향을 만들어가는 열린 장(場)에 가깝습니다. 지역과 하나되기 위해 노력하는 ‘포스코미술관 광양’의 정체성을 확인할 수 있는 본 전시를 감상하며, 미술관이 앞으로 그려 나갈 새로운 미래를 함께 상상해보는 시간이 되기를 기대합니다.

렘브란트 하르먼스존 판 레인(Rembrandt Harmensz. van Rijn, 1606-1669) 깃털 모자를 쓴 청년 (Young Man with a Plumed Hat)
1631 목판에 유채 81.3×66cm
© 2026 Toledo Museum of Art. All rights reserved.

장 마르크 나티에(Jean-Marc Nattier,1685-1766) 로앙 공주 (Princesse de Rohan)
1741 캔버스에 유채 145.1×113cm
© 2026 Toledo Museum of Art. All rights reserved.

파올로 베로네제(Paolo Veronese, 1528-1588) 그리스도와 백부장 (Christ and the Centurion)
about 1575-1580 캔버스에 유채 99.4×133.4cm
© 2026 Toledo Museum of Art. All rights reserved.

존 컨스터블(John Constable, 1776-1837) 아런델 방앗간과 성 (Arundel Mill and Castle)
1837 캔버스에 유채 72.4×100.3cm
© 2026 Toledo Museum of Art. All rights reserved.

▶고야, 렘브란트, 터너 등 유럽 회화 거장들의 원화전 개최

렘브란트, 고야, 다비드, 터너 등 유럽 회화 거장들의 원화를 직접 볼 수 있는 전시 <렘브란트에서 고야까지 : 톨레도 미술관 명작展>이 오는 3월 21일부터 7월 4일까지 더 현대 서울 ALT.1 미술관에서 진행된다.

본 전시에서 선보이는 모든 작품은 세계적으로 높은 평가를 받고 있는 해외 유명 글로벌 미술관의 소장품으로, 16세기 중반부터 19세기 중반까지 서양 미술사의 중추로서 유럽 주요 지역에서 활동한 거장들의 회화를 조망하며, 톨레도 미술관의 마스터피스를 대한민국 관객을 위해 최초로 엄선하여 선보이는 전시이다.

전시는 총 6개의 섹션, 1부 회화와 권력(Painting and Power), 2부 신화와 기억: 1600년대에서 1700년대(Myth and Memory: 1600s to 1700s), 3부 예술의 비즈니스: 1600년대에서 1700년대(The Business of Art: 1600s to 1700s), 4부 삶을 비추는 아름다움의 시선: 1600년대에서 1700년대까지(The Concept of Beauty: 1600s to 1700s), 5부 자연의 포착: 1600년대에서 1800년대까지(Capturing Nature: 1600s to 1800s), 6부 세계 속의 유럽 미술: 1600년대에서 1800년대까지(European Art in a Global Context: 1600s to 1800s)로 구성된다. 3세기에 걸친 유럽 미술사의 장대한 서사를 총망라하는 이번 전시는, 각 사조를 대표하는 거장들의 걸작들을 엄선하여 선보임으로써 세계적 수준의 예술적 경쟁력과 깊이 있는 통찰을 선사한다.

▶미국 5대 미술관, 톨레도 미술관 (Toledo Museum of Art)

1901년 설립된 톨레도 미술관(Toledo Museum of Art, TMA)은 미국 오하이오주를 대표하는 문화 기관이자, 시대를 아우르는 30,000점 이상의 명작을 보유한 세계적 위상의 박물관이다. 유리 산업가 에드워드 드러먼드 리비의 후원으로 탄생하여 미국 최고 수준의 공공 미술관으로 자리매김한 이곳은 이탈리아, 네덜란드, 프랑스, 스페인, 영국, 벨기에 등 유럽 전역을 망라하는 거장들의 걸작을 소장하고 있다.

이번 전시는 국내에서 접하기 어려운 톨레도 미술관의 주요 소장품들을 더 현대 서울 ALT.1에서 직접 마주할 수 있는 특별한 기회이다. 이는 3세기에 걸친 유럽 미술의 미적 즐거움과 교육적 가치를 동시에 선사하는 일생에 단 한 번뿐인 기념비적 전시이며, 희소성과 화제성을 갖춘 유럽 미술사의 장대한 서사를 가감 없이 펼쳐 보인다.

▶<렘브란트에서 고야까지 : 톨레도 미술관 명작展>

본 전시는 르네상스 이후 바로크, 로코코, 신고전주의, 낭만주의에 이르기까지 지난 300년 동안 유럽 회화사의 변곡점으로 거론되는 거장들의 작품을 선보이는 대규모 클래식 회화전이다. 이번 전시는 톨레도 미술관의 소장품 중 50점 이상의 명작을 ‘황금시대의 거장들’이라는 테마 아래 신화와 고전, 자연의 재현, 일상의 아름다움 등 다양한 주제로 탐구하며, 관람객이 작품을 세밀히 관찰하고 사유할 수 있도록 구성되었다. 또한 미술사적 접근과 함께 다문화주의, 후원자, 세계적 교류, 예술 시장 등 광의의 사회적 맥락을 함께 다루며, 회화가 유럽 미술사에서 수행한 핵심적 역할을 보여줄 수 있도록 과거와 현재를 잇는 심층적 전시 해석을 제공한다.

렘브란트, 고야, 엘 그레코, 자크 루이 다비드, 컨스터블 등 미술사에 큰 획을 그은 세계적인 대가들의 원화를 한자리에서 만나는 경험은 작품성과 스토리텔링이 풍부한 '진짜 미술관다운 전시'를 선호하는 관객의 기대에 부응하는 시간이 될 것이다. 고전 명화는 회화적인 완성도뿐만 아니라 시대, 철학, 사회적 맥락을 모두 망라하기에, 지적인 문화 소비 욕구를 충족시키려는 최근 미술 애호가들의 기호에 부합할 것으로 기대한다.

유럽 거장들의 회화를 소장한 곳으로 명성이 높은 미국 톨레도 미술관이 100년 넘게 모아온 유럽 회화 컬렉션을 아시아 최초로 한국에서 소개하는 만큼, 이번 전시가 원화 중심의 블록버스터 전시로서 성공적인 성과를 거두는 동시에 대중의 많은 관심과 수요가 동반되는 기념비적인 계기가 되기를 희망한다.

<렘브란트에서 고야까지 : 톨레도 미술관 명작展>

Rembrandt to Goya : Masterpieces at the Toledo Museum of Art

1부: 회화와 권력 (Painting and Power)

르네상스부터 19세기까지 유럽에서 예술 후원은 권위를 강화하고 대중과 소통하는 중요한 수단이었고, 예술가들은 개인적 안정과 직업적 성공을 위해 상류층 후원자들과의 관계를 적극적으로 구축하였다.

자크 루이 다비드의 <호라티우스 형제의 맹세>, 앙투안 장 그로의 <아일라우 전장의 나폴레옹> 같은 역사화는 직접적인 정치 선전의 성격을 띤 반면, 궁정 공식 초상화가인 엘리자베트–루이즈 비제-르브룅, 앤서니 반 다이크 등 궁정 공식 초상화가들은 절제된 초상으로 사회적 권력을 표현하기도 했다.

스페인 왕실과 프랑스 귀족, 그리고 가톨릭교회의 고위 추기경들을 위해 제작된 작품들에 이르기까지, 이번 섹션의 캔버스들은 군사적·정치적·경제적·종교적, 그리고 사회적 권력으로서 회화가 지닌 힘을 조명한다.

2부: 신화와 기억: 1600년대에서 1700년대 (Myth and Memory: 1600s to 1700s)

고대 로마를 창조적 원천으로 삼은 15~16세기 이탈리아 르네상스 예술가들은 고전 유산의 부활을 이끌었다. 이 전통이 이어진 이후 두 세기 동안, 이탈리아는 ‘그랜드 투어(Grand Tour)’의 중심지로서 유럽 예술가와 엘리트들에게 고전적 영감을 제공하였다.

두 번째 섹션은 주제와 양식, 그리고 정신 면에서 고대에 매료되었던 당대의 취향을 고스란히 반영한다. 그리스·로마의 역사와 문학에서 영감을 얻은 프란체스코 프리마티초와 클로드 로랭의 회화는 고증적 주제에 대한 당대의 폭넓은 관심을 보여주며, 조반니 파올로 파니니의 <음악회가 있는 건축적 환상>, <파르네제의 헤라클레스가 있는 유적>, 프랑스 화가 위베르 로베르의 <로마 고대 유물 복원가의 작업실>은 그랜드 투어의 주요 명소와 발굴된 조각 및 건축물을 정밀하게 묘사하면서도 이를 환상적이고 낭만적인 비전과 결합함으로써 신화와 기억 사이의 경계를 절묘하게 허문다.

3부: 예술의 비즈니스: 1600년대에서 1700년대 (The Business of Art: 1600s to 1700s)

세 번째 섹션은 위대한 예술을 위해 고립과 우울을 감내해야 한다는 관념에서 벗어나, 르네상스부터 19세기에 이르기까지 대부분의 유럽 예술가들이 네트워크와 시장 속에서 어떻게 활동했는지를 보다 입체적으로 보여준다. 루이즈 무아용과 조반니 도메니코 티에폴로의 작품은, 가족과 가문을 중심으로 한 작업 환경과 예술 경력의 형성 과정에서 가문 기반의 결속 체계가 수행했던 역할을 조명한다. 예술 창작의 중심이 기술적인 ‘공예’에서 ‘개별 예술가’로 이동하면서 렘브란트나 카날레토 같은 국제적인 스타 화가들이 등장하였고, 길드와 아카데미, 후원자들이 핵심적인 축이 되어 광범위한 네트워크와 구조를 갖춘 비즈니스 시스템을 만들어내고 있었다.

4부: 삶을 비추는 아름다움의 시선: 1600년대에서 1700년대까지 (The Concept of Beauty: 1600s to 1700s)

네 번째 섹션은, 르네상스 미술이 질서 잡힌 균형미와 고전적 미를 중시한 반면, 극적인 명암과 사실주의로 정서적 몰입을 끌어낸 17세기 바로크 화가들이 드러낸 절제된 색조와 일상적 소재를 통한 현실의 생생한 아름다움을 전한다. 후세페 데 리베라와 헤라르트 테르 보르흐의 초상화와 풍속화는 사회 계층을 막론하고 평범한 삶 속에서 발견되는 아름다움을 포착해 내어, 폭넓은 수요층을 형성하였다. 이러한 자연스러운 미에 대한 선호와 극명하게 대비되는 흐름이 프랑스 예술가들을 중심으로 나타났는데, 장 오노레 프라고나르는 로코코 양식 특유의 아름다움을 수용하였고, 장 마르크 나티에 역시 무결점의 우아함과 세련미가 강조된 초상화를 통해 부유한 후원자들의 미적 욕구를 충족시켰다.

특히 톨레도 미술관의 컬렉션 중 가장 독보적인 위상을 차지하는 네덜란드 회화는 당대인의 삶을 꾸밈없이 투영하고 있다. 관람객은 작품 속 인물들과의 정서적 교감을 통해 수 세기 전의 일상을 오늘날의 삶과 연결해 보는 특별한 경험을 하게 될 것이다.

5부: 자연의 포착: 1600년대에서 1800년대까지 (Capturing Nature: 1600s to 1800s)

주변 세계의 가변적인 양상을 화폭에 담아내는 역량은 유럽 풍경화 역사에서 핵심적인 업적으로 평가받는다. 얀 브뤼헐 1세와 야코프 판 라위스달, 존 컨스터블, 토머스 게인즈버러와 같은 거장들은 풍경화가로서 거둔 탁월한 성취를 통해 유럽 예술이 자연을 묘사하는 방식에 지대한 영향을 미쳤다. 예술가들의 접근 방식은 당대 사회가 자연을 바라보던 관점과 밀접하게 맞닿아 있었다. 17세기 네덜란드와 플랑드르에서는 특정 장소를 세밀하게 기록한 작품들이 등장했는데, 여기에는 국가 경제의 근간이었던 항구와 수로에 대한 조사가 담겨 있었다. 프랑스의 안 발라예 코스테르와 같은 예술가들은 고전적인 구조 내에서 자연의 질감을 정교하게 재현하는 데 집중했다.

이후 자연을 숭고하고 강력한 힘으로 규정한 낭만주의 예술가들은 이러한 전통적 방식에 변화를 시도했다. 이들은 작업실을 벗어나 야외에서 직접 그림을 그리는 '외광 회화(en plein air)'를 지향했으며, 이는 예술가가 자연과 상호작용하는 제작 방식의 근본적인 전환을 가져왔다. 이곳에 전시된 작품들은 단순한 풍경 묘사를 넘어, 각 시대가 자연과 맺었던 사회적·학술적 관계를 투영한다.

6부: 세계 속의 유럽 미술: 1600년대에서 1800년대까지 (European Art in a Global Context: 1600s to 1800s)

마지막 섹션의 작품은 르네상스부터 19세기까지 유럽 전역의 예술 비즈니스 이면에 숨겨진 식민 권력의 역할과 글로벌 교류의 역사를 조명한다. 외젠 들라크루아의 <크리스토퍼 콜럼버스의 귀환>은 신대륙 발견 이후 유럽의 세계 인식 변화를 상징적으로 드러내며, 마리아 판 오스터베이크와 발타사르 판 데르 아스트의 정물화는 과일·꽃·조개·자기 그릇 등을 통해 아시아, 오세아니아, 아메리카에서 유입된 ‘이국적’ 재료들을 섬세하게 표현한다. 조지프 말로드 윌리엄 터너의 <베네치아의 캄포 산토>는 대항해 시대 이후 쇠퇴하는 이탈리아의 항구 도시와 새롭게 부상하는 제국의 대비를 보여준다. 이는 유럽 중심주의에서 벗어나 아이디어와 예술이 전 지구적으로 순환하는 오늘날의 현대 글로벌 경제 체제로 서서히 이행해 갔음을 상징한다.

성인(만 19-64세) : 23,000원 　　

1차 얼리버드 40% 할인(1월 15일 오픈) : 13,800원 어린이, 청소년(만3-18세) : 18,000원 

2차 얼리버드 30% 할인(1월 30일 오픈) : 16,100원 특별권 : 13,000원 

* 특별할인 경로우대(만 65세 이상), 장애인 경증(본인), 장애인 중증(동반 1인까지), 독립/국가유공자(본인 및 유족증 소지자) 

* 현대백화점 & H.Point 앱 회원 25% 할인(성인권 동반 1인까지 / 앱 쿠폰) 36개월 미만 무료 

* 티켓 구매 시 신분증 및 증빙서류 지참 필수 (중복할인 불가)

*출처 및 제공 : 컬쳐앤아이리더스

© 2026 Toledo Museum of Art. All rights reserved.

세상은 여러 목소리가 뒤엉킨 채 존재한다. 누군가는 이를 혼란이나 소음으로 여기기도 하지만, 전시는 이러한 요동치는 상태야말로 새로운 균형과 움직임을 만들어내는 생동의 힘이라고 본다. 이에 본 전시는 몸 안에서 시작된 미세한 진동이 바깥으로 번지고 충돌과 폭발을 거쳐 하나의 리듬으로 이어지는 과정을 정정엽(회화), 김희라(입체), 이동근(입체), 양인아(회화), 여다함(영상) 5인의 작업을 통해 펼쳐낸다.

전시의 시작을 알리는 정정엽은 <서리태-풍경> (2021)을 통해 작은 유기체들 사이에서 피어나는 희미한 들썩임을 포착한다. 콩알 하나하나가 부대끼며 만들어낸 부글거리는 에너지는 김희라와 이동근의 작업으로 이어진다. 김희라의 <독백> (2019-2021)은 천을 비집고 솟아오르는 내부 힘을 시각화하여, 꿈틀꿈틀 분출 직전의 순간을 마주하게 한다. 이어 이동근의 <기워진 주변시(도시계획의 출발점)> (2024)은 조각난 천이 기워지고 얽힌 풍경을 제시해, 불일치와 균열이 가득한 풍경이야말로 우리가 살아가는 현실 세계임을 드러낸다. 세상의 소란에 반응하는 감각은 양인아의 작업에서 격렬한 움직임으로 번져간다. 〈이것은 나의 몸이니〉(2025)는 붉은 색채와 거친 붓질을 통해 몸 안에서 들끓던 에너지가 한꺼번에 터져 나오는 순간을 전면에 내세운다. 분출된 에너지는 여다함의〈Ballroom(0&1)〉(2024)에서 보이지 않는 힘과 대화하며 새로운 조화를 찾아가는 춤이 된다. 부글거리며 시작된 미세한 떨림은 충돌과 폭발을 거쳐 마침내 세상을 지탱하는 생동의 근원이 되며, 전시는 마무리된다.

이번 전시는 동덕여자대학교 큐레이터학전공 [전시조직의이론과실제Ⅰ] 수강생 18명이 김학량 교수의 지도 아래 공동 기획하였다. 이 전시는 세상을 ‘부글부글 꿈틀꿈틀 들썩들썩’하게 만드는 움직임을 추적하며, 관객에게 요동치는 생동의 힘을 마주할 기회를 제공한다.

아트토이 페스티벌 ‘토이콘 서울’이 통합 개최되는 글로벌 아트 페스티벌입니다.

2026년 7월 30일부터 8월 2일까지 코엑스에서 개최되며, 

일본과 태국을 포함한 10개국 이상의 아티스트들이 참여하여 

다양한 현대미술, 일러스트, 그래피티, 캐릭터, 컬렉터블 아트 콘텐츠를 선보일 예정입니다.

이번 행사는 ‘PLAY WITH ARTIST’를 메인 컨셉으로, 

단순히 작품을 관람하는 전시를 넘어 관람객과 아티스트가 

함께 소통하고 즐길 수 있는 새로운 형태의 아트페어 경험을 제안합니다. 

글로벌 아티스트들과의 만남, 참여형 콘텐츠, 

다양한 특별 프로그램을 통해 아트와 컬렉터블 문화가 결합된 

축제형 페스티벌을 선보입니다.

https://luma.com/g9aifpke

장소 : 수원 고색뉴지엄 지하1층 제1 기획전시실
전시기간 : 5월12일(토) - 5월31일(일)
관람시간 : 10:00 - 18:00 (입장마감 17:30)
(5월 31일 16:00 마감)

매주 월요일은 휴관합니다.

원희제, 방튜더 2인전
2026년 5월 12일(화) – 5월 19일(화)
레드부츠갤러리
(경기 의왕시 계원대학로40, 3층)
아티스트 토크: 5월16일 토요일 오후 2시
전시관련 문의
010 9490 5115(원희제)
010-5755-1466 (방튜더)
redbootsgallery@gmail.com

이번 전시는 ‘유년’, ‘시간’, ‘문학적 상상력’을 키워드로, 서로 다른 방식으로 세계를 탐구하는 두 작가의 시선을 한 공간 안에서 교차시키는 자리다. 회화 작품을 중심으로 오브제, 박스 드로잉 등 다양한 매체가 함께 구성되며, 설치적 요소를 가미한 실험적인 전시 형식으로 관람객을 맞이할 예정이다.

원희제 작가는 문학적 상상력과 개인적 경험을 결합하여 현실 너머의 세계를 탐구하는 시각 예술가다. 그의 작업은 유년 시절 반복되던 악몽의 기억에서 출발한다. 이 기억은 단순한 개인적 체험을 넘어, 미지의 세계에 대한 근원적인 질문으로 확장되며 신화와 역사, 그리고 현대 문명이 교차하는 지점에서 새로운 서사를 만들어낸다. 화면 속에는 익숙하면서도 낯선 장면들이 펼쳐지며, 관람자는 현실과 환상의 경계를 유영하게 된다.

방튜더 작가는 예술을 삶의 ‘목적’이 아닌 ‘과정’으로 바라본다. 타샤 튜더에게서 영감을 받은 그의 작업은 일상의 시간과 유년의 감각, 그리고 문학적 정서를 섬세하게 포착하는 데서 출발한다. 이번 전시에서는 캔버스 회화뿐 아니라 오브제와 박스 드로잉을 활용한 작업들을 통해 보다 확장된 형태의 서사를 시도한다. 그의 작업은 완성된 결과보다, 만들어지는 과정 속에서 축적되는 감정과 시간의 흔적에 주목한다.

두 작가는 ‘아이의 시선’과 ‘기억의 층위’라는 공통된 지점을 공유하면서도, 한쪽은 내면의 심연으로, 다른 한쪽은 일상의 결로로 향한다. 이 대비는 전시 공간 안에서 하나의 이야기처럼 이어지며, 관람객에게 각자의 유년과 감각을 환기시키는 경험을 제공한다.

《이상한 나라의 아이들》은 현실과 상상, 기억과 현재가 뒤섞인 세계 속에서 ‘아이’라는 존재가 어떻게 시간을 통과하며 감각을 만들어가는지를 탐색하는 전시다. 관람객은 전시를 통해 각자의 유년을 다시 마주하고, 잊고 있던 감각의 조각들을 발견하게 될 것이다.

전시 기간 중 주말인 토요일 오후 2시에는 ‘아티스트 토크’가 진행된다. 작가가 직접 참여해 작업의 배경과 과정, 그리고 전시에 담긴 이야기를 관람객과 나눌 예정이다.

우리는 늘 어떤 ‘사이’에 놓여 있다. 이미 지나온 것과 아직 오지 않은 것, 무너지기 직전과 간신히 버티고 있는 상태 사이에서 삶은 종종 멈춘 듯하다. <그 사이 어딘가에서〉는 이러한 중간 상태에 대한 감각을 다루는 전시이다. 명확히 규정할 수 없고 아직 이름 붙일 수 없는 상태, 그러나 분명히 감지되고 있는 순간들에 대한 이야기다.

강윤주는 사건이 발생하기 직전의 공기를 응시한다. 그의 화면에 등장하는 장면들은 구체적인 사건이라기보다 무언가 다가오고 있음을 예감하게 하는 신호에 가깝다. 형태는 분명하지만 그 너머는 쉽게 드러나지 않고, 존재와 부재는 하나의 경계 위에서 긴장을 형성한다. 이는 <백지 뒤에 숨은 사람>과 같은 작업에서 드러나듯, 드러나지 않은 상태로 머무는 것에 대한 사유로 이어진다. 무언가 시작되기 직전의 망설임과 다가올 것에 대한 두려움은 작가의 화면 속에서 차분하고 서정적인 방식으로 유지된다. 작가는 삶과 죽음, 위와 아래, 생성과 소멸과 같은 대립적 개념들 사이에 존재하는 모호한 지점을 지속적으로 탐색해왔으며, 최근에는 ‘문지방 밟지 마라’, ‘믿는 도끼에 발등 찍힌다’ 등의 속담과 같은 익숙한 요소들을 통해 그 경계를 더욱 일상적인 감각으로 확장한다. 

홍유민은 시선을 내부로 돌린다. 그의 작업에서 ‘방’은 단순한 물리적 공간이 아니라 감각과 인식이 생성되고 축적되는 구조이다. 사라졌다고 여겨진 감정들은 소멸하지 않고 다른 형태로 남아 반복적으로 현재에 개입한다. 작품 속 인물과 사물들은 이러한 잔여를 드러내며, 감정은 해소되기보다 축적되고 변형되는 과정으로 나타난다. <파열음>은 제거할 수 없는 부조리와 그것에 대응하는 방식을 보여주고, <소심인의 집>은 감각의 과잉과 발화의 지연이 만들어내는 구조를 드러낸다. ‘소심인’이라는 명명은 개인의 내면 상태를 넘어 사회적 위치와 관계의 문제로 확장되며, 익숙한 감정과 관계를 낯설게 바라보게 만든다.

두 작가는 서로 다른 방향에서 출발하지만 결국 하나의 지점에 닿는다. 삶과 죽음, 불길함과 생존, 붕괴와 유지 사이. 아직 결론 나지 않은 상태이지만 분명히 감지되고 있는 순간들이다. <그 사이 어딘가에서〉는 그 지점을 서둘러 지나치지 않고 잠시 머물러 바라보는 시도이다. 우리는 그곳에서 이름 붙일 수 없는 감정들과 마주하고, 각자의 방식으로 다음을 준비하게 된다.

우리가 누리는 평온한 일상의 이면에는 수많은 규칙의 그물망이 정교하게 작동하고 있다. 

그 질서 안에서 우리는 무질서의 공포로부터 보호받지만, 동시에 세상을 바라보는 고유한 렌즈를 잃어간다. 

타율의 질서가 우리를 시스템의 부품으로 만들 때, 그 빈자리를 채우는 것은 무기력함이다. 

아무것도 할 수 없다는 감각은 곧 자신이 아무런 가치도 없다는 느낌으로 번지고, 그 무가치함은 다시 무기력함을 깊게 한다.

전시《내가 만든 규칙》은 이 순환 앞에서 멈추지 않는 세 작가의 실천을 한자리에 모은다. 

이들은 무가치함을 부정하거나 가리는 대신, 그것을 정면으로 응시한 채 스스로에게 아주 작고 단단한 규칙 하나를 부과한다. 

그 규칙은 거창하지 않다. 쓰는 것, 이해하려는 것, 기다리는 것. 

그러나 스스로 선택한 규칙 안에서 움직일 때, 인간은 비로소 타율의 질서가 빼앗아간 자신만의 렌즈를 되찾는다.

규칙을 만든다는 것은 단순히 행동의 지침을 세우는 일이 아니다. 

그것은 무가치함이라는 감각 앞에서도 스스로를 움직이게 하는 가장 작은 힘이며, 세상이 부여한 의미가 아닌 스스로 길어 올린 의미로 살아가는 방식이다.

강석호 Sukho  Kang (b. 1980)

강석호는 인간이 지식과 정보를 통해 세계를 인식하는 방식, 그리고 그 인식이 얼마나 습관적이고 고정된 것인지를 탐구한다. 

그의 작업은 인간이 만들어낸 문명의 구조물과 그것을 해체하거나 변형시키는 타자적 힘을 교차시킴으로써, 

우리가 당연하게 받아들이는 세계의 질서를 낯선 각도에서 다시 보게 한다. 

그는 작가로서 모든 것을 통제하는 자리를 자처하지 않는다. 대신 조건을 설계하고 과정을 관찰하며, 

예상치 못한 결과를 작품으로 수용하는 방식으로 창작과 자연, 인간과 비인간의 경계를 묻는다.

남다현 Dahoon Nam (b. 1995)

남다현은 의도적으로 다듬어지지 않은 반복적인 수작업과 현대미술 제도에 대한 풍자적 개입을 통해 노동과 자본의 교환가치를 질문한다. 

일상적인 소비재와 익숙한 전시 형식을 활용한 그의 작업은 겉보기에 어설프고 유쾌해 보이지만, 

빠르게 변화하는 사회 속에서 점점 벌어지는 노력과 보상의 간극을 드러낸다. 

노동소득이 자본수익을 따라갈 수 없는 구조적 불균형, 그리고 예술의 가치가 점점 더 유동적이고 복제 가능한 것이 되어가는 현실을 비판적으로 짚어내며, 

미술 작품의 가치가 시장 안에서 어떻게 생산되고 유통되며 정당화되는지를 관람객으로 하여금 생각하게 한다.

허창범 Changbeom Heo (b. 1993)

허창범은 현대 사회에서 정보와 개체가 유통되고 인지되는 방식, 그리고 그 과정에서 발생하는 오류와 괴리에 주목한다. 

그는 우리가 세계를 인식할 때 객관과 주관이 어떻게 혼재하며 작동하는지를 탐구해오며, 

단편적인 정보들이 하나의 서사와 구조로 조직되는 과정을 화면 위에 중첩된 사건과 관계의 형태로 풀어낸다. 

빠른 판단과 즉각적인 해석이 지배하는 시대 속에서, 그의 작업은 느리고 집요한 이해의 태도를 유지한다. 

완전한 이해는 불가능하지만, 그 불가능성 앞에서도 멈추지 않고 관계와 맥락을 추적하려는 것 — 그것이 그의 작업을 관통하는 윤리이자 미학이다. 

[참여 작가]

강석호, 남다현, 허창범

[운영 정보]

전시 일시: 2025. 5. 16.(토) - 6. 6.(토) 11:00 - 18:00  

*일요일, 월요일, 공휴일 휴무

*30분 전 입장 마감 

장소 : PS CENTER  서울 중구 창경궁로5다길 18 3층

관람료 : 무료

주관주최 : CENTER Corp.(센터코퍼레이션)

문의 : 02-6956-3501

E-mail : contact@centercorp.kr

Web : https://ps-center.kr

SNS : https://www.instagram.com/p.s.cente

백남준아트센터

백남준아트센터(관장 박남희)와 이화여자대학교 조형예술대학(학장 문경원)은 백남준 20주기와 이화여자대학교 창립 140주년을 맞아, EMAP 2026 (Ewha Media Art Presentation)과 연계한 백남준 특별전 《백남준, 비디오스피어 생태학자》를 2026년 5월 11일부터 16일까지 이화여자대학교 이화캠퍼스복합단지(ECC) 이삼봉홀에서 개최한다.

EMAP는 미디어 아티스트 백남준이 이화여자대학교 석좌교수로 초빙된 것을 계기로 2001년에 시작된 국제 미디어아트 페스티벌로, 올해로 15회를 맞이한다. 《백남준, 비디오스피어 생태학자》는 EMAP 2026의 주제 《천만은죽: 기후의 시간》에 맞추어, 백남준을 미디어 생태학자의 관점에서 새롭게 조망한다. 텔레비전과 비디오가 만들어내는 새로운 기술 환경 속에서 인간과 기계, 자연이 어떻게 유기적으로 공존할 수 있는지 탐구했던 백남준의 선구적인 사유를 만날 수 있는 자리다.

전시 작품은 백남준아트센터의 주요 소장품과 비디오 아카이브로 다채롭게 구성된다. 1960년대 백남준의 초기 텔레비전 실험 연구를 엿볼 수 있는 을 비롯해, 미국 WGBH 방송국과 협업하여 제작한 미국 최초의 비디오아트 프로그램 「매체는 매체다」의 일환인 <전자 오페라 1번>을 선보인다. 또한, 달의 변화를 통해 시공간을 사유했던 백남준의 대표작 <달은 가장 오래된 TV>와 전자 매체와 통신 기술의 발달로 미래에 전 세계인의 소통방식을 예견한 <코끼리 수레>를 포함한다.

이 전시는 백남준의 텔레비전과 비디오 실험 작업을 비롯한 그의 주요 작품을 전자적 생태학의 관점에서 다시 보게 한다. 백남준은 예술과 기술을 결합한 지속적인 실험을 통해 인간·기계·자연 사이의 관계를 새롭게 사유하고 재구성해 나갔으며, 이질적인 영역으로 여겨졌던 세 요소가 점차 서로의 경계를 허물고 긴밀하게 얽히며, 상호 침투와 재확장의 과정을 거쳐 하나의 환경으로 작동하게 될 것으로 보았다. 나아가 이러한 변화된 구조가 전 지구적 차원의 미래 일상 속으로 스며들게 될 것이라는 통찰을 제시하였다. 지구 반대편의 사건과 일상을 실시간으로 접하고, 가상과 현실을 자유롭게 넘나드는 삶을 살아가는 2026년의 현재 시점에서, 이 전시는 이러한 백남준의 사유가 그의 작품 속에서 어떻게 구현되고 있는지를 다시금 확인하게 할 것이다.

▲ 백남준, TV 왕관, 1965(1999)
회로 조작 CRT TV 모니터 1대, 신호 발생기 2대
온도 조절기 1대, 앰프 2대, 가변 크기

▲ 백남준, 전자 오페라 1번, 1969
컬러, 유성, 2’16“

▲ 백남준, 달은 가장 오래된 TV, 1965(2000)
CRT TV 모니터 13대, 12-채널 비디오, 컬러, 무성, LD;
1-채널 비디오, 컬러, 유성, DVD
가변크기

 


▲ 백남준, 코끼리 수레, 2001
수레, 코끼리 조각, 석불좌상, CRT TV 모니터 22대, 전화기, 축음기, 밀차 4개
우산, 비디오 분배기, 전선, 2-채널 비디오, 컬러, 무성, DVD
293 x 633 x 153 cm

Beyond the Frame : 빛,선,움직임
 

■ 전시개요

○ 전 시 명 : Beyond the Frame : 빛,선,움직임

○ 전시기간 : 2026. 5. 1(금) - 5. 8 (금)

○ 전시장소 : 아트센터고마 전시실1,2

○ 주    최 : 문화기획 <이상>

○ 주    관 : culture 044

신진 예술가, 경계를 허물다

모든 위대한 예술적 시도는 기존의 경계를 의심하는 것에서 시작됩니다.
Beyond the Frame은 고정된 관념의 프레임을 거부하고, 새로운 미디어의 가능성을 탐구하는 신진 예술가들의 강렬한 에너지를 목격하는 자리입니다.

이번 전시는 지역 예술 생태계의 새로운 동력이 될 '미디어 슈퍼 루키'들을 발굴하고, 이들이 제안하는 독창적인 시각 언어를 공유하고자 기획되었습니다.

평면의 정적인 미학부터 디지털 영상의 역동적인 서사까지, 5개 분야의 아티스트들은 각자의 프레임을 깨고 나와 동시대 예술의 새로운 좌표를 찍습니다.

문화기획 회사 '이상'과 '044'가 함께 마련한 이 무대는 단순한 전시를 넘어, 신진 작가들이 프로페셔널 무대로 진입하는 결정적 '데뷔의 장'이 될 것입니다.
프레임 너머, 무한히 확장되는 미디어 예술의 미래를 이곳에서 경험하시길 바랍니다.

“초록은 여전히 살아 있다. 그러나 동시에, 그것은 계산되고 조율되며 배치된다.”

《Industrial Green, 작동하는 초록》은 일상적으로 인식되어 온 ‘초록’의 의미와 작동 방식을 재고하는 기획전이다. 일반적으로 초록은 자연, 안정, 회복을 상징하는 색채로 받아들여져 왔으며, 시각적 경험을 통해 별도의 설명 없이도 긍정적 감각을 유도하는 요소로 기능해왔다.

그러나 현대 도시 환경과 시각문화 속에서 초록은 더 이상 자연 그 자체를 의미하지 않는다. 건축, 도시계획, 산업단지, 공공디자인 등 다양한 영역에서 초록은 의도적으로 설계되고 배치되며, 환경을 인식하는 방식에 영향을 미치는 하나의 구조적 요소로 작동한다. 이는 초록이 단순한 색채나 장식적 요소를 넘어, 사회적·환경적 시스템 속에서 기능하는 상태로 전환되고 있음을 시사한다.

본 전시는 이러한 맥락을 바탕으로 초록의 이중적 속성에 주목한다. 참여 작가들은 초록이 지닌 생명성과 자연적 이미지 이면에 존재하는 인공적 구성과 제어의 구조를 시각적으로 드러내며, 우리가 ‘자연스럽다’고 인식해온 감각이 어떻게 형성되고 유지되는지를 질문한다.

《Industrial Green, 작동하는 초록》은 특정한 해석이나 결론을 제시하기보다는, 익숙한 색채에 대한 인식을 재구성하고 동시대 환경을 바라보는 새로운 시각적 사유의 계기를 마련하는 데 목적을 둔다. 관람객은 전시를 통해 일상 속에서 무심히 받아들여 온 ‘초록’을 낯설게 경험하며, 그것이 작동하는 환경적·사회적 구조를 비판적으로 인식하게 될 것이다.

강민경, Leading Light, 2025, Linocut, 55x40cm

김정희-산

서유정, 전이초록-III, Collagraph on paper, 20x14cm, 2026

시문, Things, 2025, silkscreen on wood, 60x90 cm(each30x45cm)

조민지, echoing around, 2024, acrylic, gouache on canvas, each 45.5x37.9cm

예경희, The House I once saw in Spain, 2025, collagraph, 37x50cm

이희주

허유경, Birdhunter, 2021,  Linocut, 32x34.3cm

참여작가
강금주, 강민경, 고석원, 곽태임, 김재남, 김정희, 김희진, 문현경, 박동채, 박인숙, 박정선, 백유미, 서승연, 서유정, 시문, 예경희, 오서현, 이원숙, 이희주, 정철교, 조민지, 차동수, 허유경, 허태명, 홍익종


전시기획
부산판화가협회 서유정


주관
레오앤갤러리

「불수의적 연결들」

글: 이주환

위기 국면에는 동질성이 흔들리고 집단적인 규범 자체가 시험대에 오른다. 사회를 안정성을 회복하기 위해 하나의 공동체로 복귀하자는 상투적인 주장은 지금도 무성하다. 마치 복원 가능한 원초적 상태나 순수한 통합을 이루던 시기가 있었다는 것처럼 '우리' 는 선언된다. 이와 같은 시각에서 공동체는 흔히 근대 사회의 폭력과 비인간성을 극복하기 위한 낭만적 대안으로 여겨진다. 차이들이 나란히 존재할 수 있게 해야 한다는 유토피아적 입장은 공동체의 이중적 속성을 단순화하거나 무시했다. 사회의 조화와 동 일성의 (재)생산은 폭력과 이질성으로부터 떨어질 수 없다. 공동체는 안과 밖을 가르고 규범화하는 메커니즘 아래 얼마간 유지될 수 있다. 그렇다면 우리가 자연스레 주어지지 않을 때 함께함에 대한 의문을 더 끌고 나아갈 수 있는 방향성이란 무엇일까? 돌아갈 수 있는 기원을 상정하지 않고, 이웃하지 않는 두 지점 사이를 잇는 서로 다른 가능성을 어떻게 상상할 수 있을까?

함께함에 대한 단순한 낙관은 더 이상 나아갈 전망을 제공해주지 못한다. 이를 넘어서기 위해서는 두 가지 측면을 아울러 사고해야 한다.1) 먼저 우리를 정초하는 토대인 상상에 눈을 먼저 돌려보자. 우리는—스스로를 독특한 집단으로 구축하는 요소인—외적 경계 설정만 아니라 상상으로도 구성된다. 우리가 유지되기 위해서는 실천 속에서 체현되는 공통 특성(들)에 대한 관념은 필수적이다. 즉, 개별적 상상과 집단의 관념을 생성하고 지속하는 실천과 발화 안에서 우리는 가까스로 존립한다. 다른 한편, 우리는 주체가 되기 이전에 함께 있음을 부여받기도 한다. 단수성은 복수성과 불가분하며, 함께 있음은 결코 중단되지 않는다. 독립적인 주체의 대립항으로 가정되는 타자의 구도는 완전히 달라진다. 자기 완결성이 없는 주체에게 연결은 곧 삶의 기본 조건이다. 이떄, 연결은 폐쇄적 회로보다는 마주치고 겹쳐지면서, 끊임없는 자기 초월의 과정으로 일어난다. 투사와 동일시가 항상 실패하기 때문에, 그리고 열린 체계 내에서 상호 영향을 미치기 때문에 불순물 없는 우리는 허구적이다. 더욱이 갈등과 차이가 우리 사이에 내재되어 있다는 점은 우리가 영원히 완성될 수 없음을 알려 준다. 우리는 매번 파괴되고 (재)형성된다.

현재의 상황은 통약 가능성을 공유하는 집단으로 회귀하려는 모든 맹목적 견해와 단절하거나, 적어도 거리를 두어야 한다고 명령한다. 우리는 개인과 집단, 공동체주의와 자유주의 중 어느 하나로 기울어지려는 유혹을 뿌리치면서, 1인칭 복수형의 개념과 양태, 형상을 다시 바라볼 수 있는 렌즈를 세공할 것을 요청받고 있다. 배규무와 유수진의 우연한 만남에서 이어진 《대각선의 대화》는 교차하는 선들이 비스듬히 구성하는 세계를 탐사한다. 양립 불가능한 것처럼 보이는 두 언어는, 타자라는 축을 바탕으로 상동성 을 보이며 서로의 공간을 조직한다.

유수진은 주로 자신을 거치거나 겪는 이미지를 그린다. 그런 이미지는, 이를테면 우연히 찍힌 사진이나 메모, 인터넷 화면 캡처와 같이 자신의 곁을 맴도는 보통 이하의 것이다. 어떤 물건이나 풍경의 선호가 한 개인의 반복된 삶의 축적에서 형성된 경향이자 의도적 선택이라고 한다면, 유수진의 이미지는 특정 의도나 선택이 아닌 일종의 비- 취향, 어떤 계열이나 분류에 걸치지 않고 빗나가는 이미지를 제시한다. 유수진은 작업 과정에서 자신이 명확히 알지 못하는 어떤 장소를 매번 방문한다. 유수진의 회화는 자신을 구축했으나 자신에게 여전히 불투명한 과거로 거슬러 올라가는 움직임이다. 그러나 기억의 지층이 여러 차례 반복되는 재배열과 재전사(re-transcription)로 덧씌워지는 것처럼, 평범한 이미지는 유수진의 반복적인 환기와 재구상을 통해 굴절된다. 유수진의 역동적인 제스처는 사진의 데이터를 그대로 옮기는 대신, 엷은 레이어 위에서 서로 주장하는 빛들이 덜 섞인 채 움직이도록 한다.

동시에, 유수진의 회화는 산재하는 이미지로 작성된 병우편이다. 수취인 없이 바다 위를 떠다니다 알 수 없는 누군가에게 도착하는 편지처럼, 의미의 부스러기는 유수진을 거쳐 우송된다. 작가는 편지의 작 성자로부터 물러나고, 미연을 향해 미리 앞당겨 쓰여진 편지가 익명에게 전달된다. 각각의 화면은 유수 진이라는 개인의 고유한 관점을 그리기보다 타자가 의미를 부여할 수 있는 매개체로 열려 있다. 유수진은 타자에게 의미를 부여하도록 그 권한을 위임하고, 작품의 의미를 한정하는 작가의 위치로부터 거듭 물러난다. 뻔하고 범속한 것에 질문하고 의미를 부여하도록 만드는 것은 일상적 삶에 갈라진 틈을 만들고, 놀라움과 예측할 수 없는 효과를 야기한다. 가장 모호한 개별적 경험이 다른 이의 구체적인 경험을 불러내는 연결로 변환된다.

배규무의 작업은 특정한 사물보다 생명을 이루는 관계 자체를 표현하려 한다. 모든 유기체는 자기 삶의 지속을 추구하며, 이로 인해 다른 존재와의 교류가 불가피하다. 인간 체내의 미생물이 살아남기 위해 추구하는 국소적 관계에서부터 무한히 확장 가능한 유일한 본질, 삶을 견인하는 욕망이 바로 배규무가 주목하는 것이다. 이러한 욕망은 인 과의 연쇄를, 타자와의 관계를 만든다. 하지만 이런 함께함은 평화롭게만 진행되지 않는다. 함께함은 욕망을 긍정하며 서로에게 그림자를 드리우고, 생존의 단초를 공유하는 것이다.

배규무의 작업에서는 자연과 문명 사이에 어떠한 구분도 존재하지 않는다. 문명 세계의 사랑과 헌신은 원시적 폭력성과 멀리 떨어져 있지 않다. 비정형적인 틀 위에서 사물이나 상징과 격돌하는 것은 규범적 질서와 이성의 통제 아래 지하에 격리된 육체, 머리 없는 몸이다. 펠트의 거친 표면과 질감 위에서 등장하는 이질적 요소들은 생명의 작동을 거침없이 드러낸다. 오일파스텔이 그리는 생명력은 피부의 윤곽을 뚫고 통제할 수 없이 흐른다.

유기체는 자기의 삶을 계속하기 위해 생산하고 먹어야만 한다는 일반 법칙2)에 종속되며, 이것은 필연 적인 돌출과 과잉을 유발한다. 성장의 한계를 넘어서는 과잉의 폭발은 주체에게 위협적이며, 여기에 휘 말리지 않기 위해 흘러넘침은 전달되어야 한다. 초과분의 교환은 곧 서로의 기작을 주고 받으며 서로를 잇대는 행위다. 이와 함께 삶과 죽음은 순환하고, 생명은 뒤얽힌다. 주체를 주조하고, 우리의 형태를 만드는 것은 항상 나를 초과하는 타자의 흘러넘침이다.

배규무가 그리는 이 비극적 관계는 주체로부터 출발하지 않는다. 시작도 끝도 없이 이어지는 이 피륙 위에서 주체는 수많은 연결 중 겨우 하나일 뿐이다. 신체는 타자와 조우하기 이전부터 무한히 많은 타자의 접촉으로 이루어져 있다. 다시 말해, 신체는 이미 타자성과의 관계를 전제하고 있고, 자아란 “타자를 품은 혼종적 존재”다. ‘나’에 맞서는 상대나 행위의 대상으로서 타자의 의미는 완전히 전환된다.

두 작가의 작업은 서로의 특색과 차이를 균질화하지 않으면서도, 중심을 비우고 절대적인 주체의 자리로부터 물러난다. 타자는 파악할 수 없는 불가항력으로 우리에게 다가오지만, 희석되거나 증발됨 없이 움켜쥐는 손을 빠져나간다. 돈호법으로 부를 수 없는 이름이 우리를 무력하게 만든다. 그는 우리를 한계까지 몰아세우고 과제를 부여하며, 응답을 요구한다. 이처럼 허구적인 기원을 가정하는 대신, 두 작가는 타자를 직면하고 비-총체성으로서 우리를 향하길 제안한다.

1, 2022, 31.8x31.8, Oil on canvas 

배규무_그로테스크리얼리즘. 2026, 112x181cm, 펠트에 오일파스텔 

배규무_Shadow of Lives. 2026, 110x60cm, 펠트에 오일파스텔 

want a bite 1 _, 2024, 91.0 x 91.0cm, Oil on canvas

작가 약력

배규무 (Vagyoomoo) 

배규무는 생존을 위해 타자와 연결될 수밖에 없는 혼종적· 개방적 존재로서 개인과 그 신체를 탐구하는 작업을 해오고 있다. 개인전으로는 《어깨 위의 소용돌이》(스페이스 토핑, 2026), 《헤르니아 때깔 나무》(d/p, 2022)를 열었으며, 주요 단체전으로는 《대각선의 대화》(옥상팩토리, 2026), 《사이클로스포린》(뽕뽕브릿지, 2025), 《Limbo Dance: 대지와 사물 사이를 지나는 방법》(2023, 대구예술발전소), 《2023 아트언스 대전》(2023, 대전예술가의집), 《더비 매치: 감시자와 스파이》(뮤지엄헤드, 2023), 《물렁한 껍데기》 (그블루갤러리, 2023), 《비타 노바 Vita Nova》(인천아트플랫폼, 2022), 《위드 트러블》(한국예술종합학교 복도갤러리, 2022), 《삼원소 Back to Square one》(SeMA벙커, 2022) 등에 참여했다.

유수진 (You Soojin) 

유수진은 일상에서 쉽게 흘려보낼 수 있는 이미지를 수집하고 누구에게나 익숙한 열린 매개체로 재구성하는 회화 작업을 해오고 있다. 단체전으로 《대각선의 대화》(옥상팩토리, 2026)에 참여했다

지난 전시가 갤러리의 복층 구조, 즉 공간의 수직적 결합을 활용한 시청각의 층위적 실험이었다면, 57th 갤러리의 깊은 지하 공간에 마련된 이번 전시는 수평적으로 결합된 가상의 공간에 관한 탐구이다. 빛과 소리를 구성하는 요소들의 다양한 조합과 결합의 서사는 57th 갤러리의 공간을 공감각적으로 재구성, 관감객의 몰입감을 증대할 수 있도록 기능한다. 대칭과 비대칭, 어긋남과 만남, 그리고 낯선 다층적 관계 속의 감각적 경험은 빛의 울림과 소리의 잔상이 교차하는 이중주로서, 때로는 ‘하나가 된 둘’로서 존재한다.

■ 작곡 / Sound Design: 윤지원 (Yoon, Ji Won)

• 연세대학교 작곡과 학사

• 연세대학교 작곡과 석사

• 동국대학교 영상대학원 멀티미디어학과 박사 수료

• 現 계명대학교 실용음악음향과 교수

• jiwonyoon@kmu.ac.kr

■ 영상: 여운승 (Yeo, Woon Seung)

• 서울대학교 전기공학과 학사

• 서울대학교 전기공학부 석사

• M.S. in Media Arts and Technology, UCSB

• M.A. in Music, Stanford University

• Ph.D. in Music, Stanford University

• 現 이화여자대학교 융합콘텐츠학과 교수

• woony@ewha.ac.kr

✔ 3호선 안국역 1번출구 도보3분

✔ 송현녹지공원, 서울공예박물관 위치

개나리미술관에서는 오는 5월 1일부터 10일까지 《2026 개나리아트페어》가 개최된다. 올해로 5회를 맞는 개나리아트페어는 춘천을 기반으로 활동하는 작가들의 작품을 소개하고, 지속 가능한 지역 미술시장 구조를 모색하기 위해 기획된 미술축제이다. 개나리미술관이 지향해온 ‘느리더라도 함께하는 따스함’의 정서를 바탕으로, 작가와 관객, 지역사회가 자연스럽게 연결되는 장이 될 예정이다.

개나리아트페어는 그동안 지역 미술시장의 새로운 가능성을 꾸준히 실험해왔다. 2022년 첫 회를 시작으로 2023년에는 《믹싱보울》이라는 주제 아래 동시대 서브컬처 감성과 ‘귀여움’의 미학을 포착한 전시를 선보였다. 2025년에는 회화, 조각, 도예, 디지털아트 등 장르의 폭을 넓히고, 작가 아카이브와 굿즈를 함께 구성하며 보다 확장된 형태의 경험을 제공한 바 있다.

올해 개나리아트페어는 전국적인 미술시장 위축 속에서도 외형적 확장보다는 ‘개나리아트페어만의 색깔’에 집중한다. 오랜 시간 개나리미술관과 함께해 온 지역 작가들과의 관계를 기반으로, 세대와 장르를 아우르는 네트워크를 형성하고, 더불어 함께 하는 포근한 축제가 될 예정이다. 이번 전시에는 원로·중견 작가와 청년 작가, 타지역 초청 작가 등 총 23명이 참여한다. 회화, 조각, 도예, 공예, 디지털 드로잉, 사진 등 다양한 장르의 작품 약 150여 점이 소개되며, 드로잉, 소품 등 다양한 구성으로 관람객들이 보다 부담 없이 작품을 감상하고 소장할 수 있도록 기획되었다.

개막일인 5월 1일 오후 2시에는 컬렉터와 시민, 지역 예술인들이 함께하는 오프닝 리셉션이 열린다. 작가와의 만남, 큐레이터 전시해설, 케이터링 프로그램 등을 통해 작품 감상과 교류가 함께 이루어지는 네트워킹의 장을 마련할 예정이다. 앞으로도 개나리아트페어는 단순한 판매 전시를 넘어, 작가와 관객, 지역사회가 유기적으로 연결되고 순환하는 열린 문화예술 플랫폼으로 자리매김하고자 한다.

전시 개요

전시명 : 2026 개나리아트페어

기간 : 2026년 5월 1일(금) ~ 5월 10일(일)

장소 : 개나리미술관

참여작가 : 23명

공혜진, 곽신이, 권용식, 길종갑, 김효주, 류재림, 

박수진, 박유빈, 서숙희, 엄효진, 우희경, 이수현, 

이승호, 이완숙, 이은정, 임윤미, 전영진, 최덕화, 

한동국, 한선주, 호라, 홍현지, 황효창

오프닝 리셉션 : 2026년 5월 1일(금) 오후 2시

소개합니다. 이번 전시는 일러스트 작가 김유희와

아일랜드 출신의 사진작가 Niall Ruddy의 전시가 진행될 예정입니다.

​

서로 다른 문화와 시선을 지닌 두 작가가 ‘소외’라는 공통된 감각을 바탕으로,

한 도시의 보이지 않는 층위를 탐구하는 특별한 전시를 선보입니다.

​

두 작가는 한국과 아일랜드라는 서로 다른 장소에서 출발하지만,

역사와 기억 속에 켜켜이 쌓인 ‘지층’을 통해 깊은 공명을 만들어냅니다.

언제까지나 서로를 마주본 채 버텨야 하는 무언가.

다름을 적대하는 것은 그것과 함께하는 쉬운 방법이다.

현대에도 타자에 대한 적대는 만연하다. 

우리는 적대 상황을 어떻게 마주하고 있을까? 

적대에 동조하는가, 적대를 경계하는가? 

적대를 경계할 것. 답을 내리기는 쉽다. 

그러나 행위하긴 어렵다. 

적대를 적대하고, 적대와 대화하는 구체적인 방법.

세 가지를 제시한다. 

1. 부딪히기

2. 높이 뛰기

3. 섞이기

각각은 게릴라(Guerrilla), 트램폴린(Trampoline), 스무디(Smoothie)로 그 방법이 이름 지어진다.

구체적인 예술적 방법들은 이 세 가지 범주 안에 녹아들어 타인을 만난다.

이번 기획을 통하여 [적대시-적대화]는 [적대-시적-대화]으로 읽히고 수행된다. 

전시 개요

오브오브젝트 X 바움아트스페이스 2026년 기획 프로젝트 <적대시적대화> 2차 전시 

《트램폴린 Trampoline》
전시 기간 : 2026년 5월 4일 – 6월 26일
전시 장소 : 강원도 속초시 설악산로836번길 15
참여 작가 : 강원영, 김나연, 김민수, 김재현, 김주슬기x조제인, 배정환, 성정원, 손은수, 심지훈, 안용섭, 양태훈, 은지민, 이승철, 이유나, 이언제, 이종관, 장신정, 정경식,  정우미, 정은결, 차철호, 현세진
입장료 : 무료
기획 : 오브오브젝트
주관 : 바움아트스페이스
웹사이트 : https://sites.google.com/view/baum-sorak-project/
보도관련문의 : 바움아트스페이스 (baumag@naver.com)

폐허 위에서 ‘적대’를 다루는 방식, 설악동 폐모텔서 《트램폴린 Trampoline》 전시 개최 

■  폐허로 남은 공간, 예술적 충돌이 일어나는 장으로

바움아트스페이스와 오브오브젝트는 2026년 5월 4일부터 6월 26일까지 설악동의 폐모텔에서 (강원도 속초 설악동 15) 전시 《트램폴린 Trampoline》을 진행한다. 이번 전시는 오브오브젝트의 2026 연간 프로젝트 <적대시적대화>의 두 번째 프로그램이다. 

전시가 진행되는 설악동의 폐모텔은 2025년, 공간에 담긴 시간의 흔적과 예술 작품이 조응하는 전시 《공중정원(公衆庭園)》이 이루어졌던 장소다. 당시 이 공간은 일반적인 재생 사업처럼 정비되거나 복원되지 않고, 폐허에 새겨진 시간의 흔적과 균열을 있는 그대로 드러낸 채 활용되었다. 이후 이곳은 그 상태를 유지하며, 새로운 예술적 시도를 기록하고 축적하는 장으로 작동하고 있다.

이 공간은 별도의 개입 없이 유지된 상태 그대로, 올해 ‘적대시적대화’라는 테마 안에서 타자와의 관계를 다루는 실험의 장으로 전환된다. 폐공간은 더 이상 배경에 머물지 않고, 동시대적 화두가 충돌하고 도약하는 무대로 기능한다.

■ 적대를 다루는 세 가지 방식 <적대-시적-대화> 프로젝트 

2026년 전체 프로젝트 명인 <적대시적대화>는 타자에 대한 적대감을 어떻게 마주할 것인가라는 질문에서 시작되었다. 다름을 틀림으로 규정하고 적대하는 쉬운 방식 대신, 그 적대적 상황 속으로 직접 뛰어들어 이를 ‘적대-시적-대화’로 치환하는 방식을 탐색한다.

오브오브젝트는 이를 실천하기 위한 구체적인 방법론으로 세 가지 트랙을 제시한다.

• 게릴라(부딪히기): 정해진 계획이나 사전 정보 없이 직접 타자와 몸을 부딪히며 같은 공간을 점유한다. 불확실성을 회피하지 않고 날것의 상태로 맞닿는 첫 번째 접촉이다.
  
• 트램폴린(높이 뛰기): 수직으로 솟구치는 행위를 통해 고착된 시선에서 이탈한다. 찰나의 고도에서 시야는 확장되며 변화된 시점에서 보이지 않던 풍경을 마주한다.
  
• 스무디(섞이기): 이질적인 요소들이 경계를 흐리고 서로에게 스며든다. 타자와 나의 위치가 뒤섞이고 구분하지 않는 상태의  ‘공동’을 형성한다. 
  

부딪히고(게릴라), 높이 뛰고(트램폴린), 섞이는(스무디) 틈에 <적대시-적대화>는 비로소 <적대-시적-대화>로 이행한다. 이 일련의 과정 속에서 관객은 '적대를 바라보는(視) 상태'가 비로소 '적대와 관계 맺는 시(詩)적인 대화'로 읽히는 경험을 마주하게 된다.

<적대시적대화>의 1차 프로그램으로 지난 3월 바움아트스페이스 정릉(서울 성북구 정릉로6길 35)에서 《게릴라전 Guerrilla Exhibition》을 진행했다. 정해진 주제나 기준없이 작가와 작품을 모집했고 모인 작업들은 별도의 조율 없이 즉각적으로 전시 구조로 전환되었다. 불특정 타자와 만나는 불확실성 자체가 전시의 출발점이자 조건으로 작동했다.

두 번째 프로그램 《트램폴린》은 2025년 같은 장소에서 진행된 《공중정원》과는 구분되는 맥락 위에서 전개된다. 《공중정원》이 폐허와 나란히 서며 공간의 상태를 드러내는 데 집중했다면, 이번 《트램폴린》은 그 조건 위에서 훌쩍 뛰어올라 다른 시점과 관계를 발생시키는 단계에 놓여 있다.

■ ‘트램폴린’처럼 수직으로 솟구쳐 마주하는 너머의 풍경

트램폴린은 더 멀리 이동하기 위한 장치가 아니다. 발밑의 조건을 반동 삼아 수직으로 솟구쳐, 지금껏 보지 못한 거리와 각도에서 대상을 다시 바라보게 하는 방식이다. 1차 전시 《게릴라전》이 공간을 즉흥적으로 점유하며 타자와 부딪히는 과정을 다루었다면, 이번 《트램폴린》은 그 위에서 새로운 시야를 확보하는 단계에 해당한다. 

전시명 ‘트램폴린’은 하나의 장치이자 태도다. 이는 전시에 참여하는 창작자가 기존의 작품 세계를 확장하고 경계를 넘어서는 실험을 지속하도록 추동한다. 익숙한 조건을 디디고 그 반동으로 다른 지점에 도달하는 과정 속에서, 전시의 형식은 느슨해지고 작업은 예측되지 않은 방향으로 뻗어 나간다. 창작자는 트램폴린 위에서 솟구칠 때 평소 닿지 않던 너머의 풍경을 목격하듯, 낡고 낯선 폐리조트라는 물리적 공간과 충돌하며 그간 시야 밖에 놓여 있던 감각들을 시도한다.

참여 창작자들에게 트램폴린은 새로운 작품을 생산하는 조건이라기보다, 기존의 시선을 벗어나 다른 각도에서 작업을 다시 구성하게 하는 환경으로 작동하고 작업이 공간의 영향을 받으며 다시 조정되는 상황이다. 

관객은 폐모텔의 각 공간을 이동하며 서로 다른 밀도와 태도로 배치된 장면들을 연속적으로 마주한다. 위치와 시선이 계속해서 달라지는 상태 속에서 관객은 건물의 위와 아래, 깊숙한 내부와 열린 외부를 오가며 공간을 고정된 하나의 시점이 아닌 이동하는 구조로 경험하게 된다.

■ 바움아트스페이스와 오브오브젝트의 폐허의 서사를 잇는 예술적 실천

전시 장소인 설악동의 폐리조트는 과거 수학여행의 중심지였으나 현재는 기능을 멈춘 채 남아 있는 건축물이다. 바움아트스페이스와 오브오브젝트는 2025년 이 공간에서 《공중정원(公衆庭園)》 프로젝트를 진행하며, 공간을 정비하거나 재생하는 방식이 아니라 폐허의 상태를 유지한 채 그 안에서 발생하는 작업과 반응을 전시의 구조로 삼는 장소 특정적 실천을 전개했다.

이후 이 공간은 특정한 형태로 고정되지 않은 채, 예술적 개입이 가능한 상태로 남아 있다. 정리되거나 전환되지 않은 채 지속되는 조건 자체가 이후 작업들의 출발점이 되고 있다.

바움아트스페이스는 2008년 설립 이후 서울 종로구 원서동, 성북동을 거쳐 현재 정릉동에 이르기까지 비어 있는 공간을 예술 실천의 장으로 전환해왔다. 공간의 물리적 조건과 사회적 맥락에 주목하며 예술-공간-사람 사이의 관계를 지속적으로 탐구해온 바움아트스페이스는 2026년 하반기부터 집단 오브오브젝트와 함께 특정 장소에 고정된 운영 방식에서 벗어나 도시 곳곳의 비어있는 공간을 탐색하고 전환하는 실험을 이어나가고자 한다. 

오브오브젝트는 연출가, 작가, 기획자로 구성된 집단으로, 예술과 생활을 오가는 실험을 기획하고 실천한다. 현재 바움아트스페이스와 협업하며, 정해진 공간의 의미를 벗어나 새로운 경험의 방식을 모색하고 있다. 

문의 및 추가 정보 

E-mail : 바움아트스페이스 baumag@naver.com

Website : https://sites.google.com/view/baum-sorak-project/

Instagram : https://www.instagram.com/baumartspace/

소집지기 고기은입니다.

소집 갤러리의 5월 새 전시 소식 전합니다. 

<전시 소개>

시니어 신진예술가 특별전 II – 최혜정 작가 

《보고 싶은 나의 계절에게 : 봄의 답장》

최혜정 작가의 《보고 싶은 나의 계절에게 : 봄의 답장》 전시회는 소집 갤러리에서 기획한 시니어 신진예술가 특별전 중 두 번째 특별전입니다. 이번 전시는 1960년대부터 80년대까지 한 가족이 실제로 주고받았던 편지들을 다시 조명하며, 그 속에 담긴 삶의 이야기들을 글과 그림으로 풀어낸 전시입니다. 

1953년생 최혜정 작가는 어린 시절부터 감수성이 풍부한 사람으로, 가족과 주고 받은 편지들을 50년이 넘도록 소중히 간직해 왔습니다. 이번 전시는 그러한 편지를 세상에 처음 공개하는 전시입니다. 최혜정 작가는 글을 쓰는 것을 좋아할 뿐 아니라 그림 창작 활동도 부지런히 해온 시니어 신진예술가입니다. 그의 수많은 그림 속엔 좋아하는 계절, 꽃들과 자연 풍경이 담겨 있습니다. 특히, 수국 그림은 여동생에 대한 사랑과 그리움이 읽히기도 합니다.

이번 전시의 핵심 키워드는 ‘가족애’, ‘안부’, ‘기다림’입니다. 직접 손글씨로 마음을 꾹꾹 눌러쓰고 답장을 기다리던 시절, 그 애틋한 정성과 진심이 담긴 시간들을 돌아봅니다. 50년이라는 긴 세월이 흐른 뒤에야 비로소 부치는 ‘봄의 답장’은 관람객들에게 잊고 지낸 소중한 인연과 소통의 의미를 다시금 일깨워줍니다. 전시 시작에 맞춰 《보고 싶은 나의 계절에게 : 봄의 답장》 책이 출간될 예정입니다. 

책은 전시 기간동안에만 한정판으로 판매할 예정입니다. 

전시를 기획한 고기은 소집 갤러리 대표는 “가족 간의 소중한 이야기를 섬세한 회화와 편지를 통해 우리 곁에 되살려, 바쁘게 돌아가는 오늘날 우리에게 삶의 쉼표와 위로를 전하는 자리가 되길 바란다”고 밝혔습니다. 이어 “힘들었던 시기를 함께 견뎌내고 다시 찾아온 봄을 맞이하는 여정을 함께 걸으며, 부디 관객들의 마음에 따뜻한 봄의 답장이 닿길 바란다”고 덧붙였습니다. 

빠른 디지털 소통에 익숙해진 현대인들에게, 이번 전시는 느리지만 깊었던 아날로그적 감성을 통해 깊은 그리움과 사랑의 가치를 전달합니다. 최혜정 작가가 그려낸 따뜻한 가족의 계절은 오는 5월 8일부터 31일까지 소집 갤러리에서 만나볼 수 있습니다. 5월 9일 오후 2시엔 최혜정 작가 만나는 날이 진행됩니다. 최혜정 작가와 관람객이 만나 이번 전시 이야기를 진솔하게 나누는 자리입니다. 

별도의 신청은 없으며 참가비는 무료입니다. 더불어 전시 기간 동안 소중한 사람들에게 편지를 쓰는 공간도 별도로 마련되었으니, 전시 관람 후, 편지 쓰기 시간을 갖길 권합니다.   

2026 시니어 신진예술가 특별전 <보고 싶은 나의 계절에게>는 소집 갤러리가 자체 주최, 주관하는 특별 기획전으로, ‘신진예술가=젊은 작가’라는 사회적 고정관념을 벗어나 시니어 신진예술가들이 보다 활발하게 활동할 수 있길 바라며, 그들의 활동이 촉진될 수 있도록 예술 협업 기회를 확대하고자 기획되었습니다. 지난 2월 정정숙 작가를 시작으로, 이번 5월에 두 번째 특별전으로 최혜정 작가의 전시가 열리며, 7월 허주 작가의 특별전이 차례대로 진행됩니다.  

<전시 정보> 

시니어 신진예술가 특별전 II – 최혜정 작가 

《보고 싶은 나의 계절에게 : 봄의 답장》

기간 : 2026년 5월 8일 ~ 5월 31일

관람 시간 : 수~일 12:00~18:00

휴관 : 매주 월, 화요일

장소 : 강릉 소집 갤러리

관람료 : 무료

*전시 예고편

https://www.youtube.com/shorts/M5gngpO6BvQ

*전시 더 알아보기 

인스타그램 @storysozip

블로그 https://blog.naver.com/storysozip

<장욱진의 대화: 서로가 된 풍경>

강릉시립미술관 솔올은 <장욱진의 대화: 서로가 된 풍경>을 개최합니다. 장욱진(張旭鎭, 1917-1990)은 충남 연기 출생으로, 양정고등보통학교 졸업 후 일본으로 건너가 도쿄의 제국미술학교(현 무사시노미술대학) 서양화과를 졸업했습니다.해방 후에는 국립박물관의 박물감(오늘날 학예연구관)으로 근무하며 한국적 전통과 그 미감에 대해 깊은 안목을 갖게 되었습니다. 한국전쟁이 발발하자 종군화가단에서 활동했으며, 이 시기 잠시 고향에 머무는 동안 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 <자화상>을 그렸습니다. 1954년부터 1960년까지 서울대학교 미술대학 교수를 역임하며 세 차례 국전(대한민국미술전람회) 심사위원을 지냈습니다. 또한 김환기, 유영국 등과 교류하며 신사실파에서 활동하였으며, 2·9동인, 앙가주망 동인 등 한국 근현대 미술사에서 중요한 단체에 참여했습니다.

장욱진은 평생에 걸쳐 덕소와 명륜동, 수안보와 신갈로 작업의 터전을 옮기며 번잡한 도시를 떠나 한적한 자연 속에서 늘 곁에 있던 세계를 꾸준히 그려왔습니다. 이번 전시는 집과 나무, 사람과 새, 마당과 하늘 같은 익숙한 소재로 내면의 우주를 담아낸 작품들을 통해, 장욱진이 어떤 세계에서 살았고 그 세계를 어떤 태도와 변화 속에서 바라보았는지 조명하고자 합니다. 전시의 제목‘장욱진의 대화’는 작가를 둘러싼 외부의 세계와 그의 내면이 주고받은 대화를 말합니다. 시대와 환경이라는 바깥의 조건과 그를 바라보는 작가의 태도와 사유라는 안의 세계가 끊임없이 말을 걸고 응답해 온 과정을 의미합니다. 이러한‘대화’라는 새로운 해석의 틀 아래, 인간과 자연이라는 보편적 가치를 연결하여‘자연·삶·선’이라는 주제를 중심으로 회화, 도자화, 먹그림 등 재료에 제한을 두지 않았던 장욱진의 폭넓은 예술세계를 펼쳐 보입니다. 

평생에 걸쳐 작은 화면 속에 자신이 머무는 장소와 좋아하는 것들을 반복해 그려온 장욱진의 작품들은 변함이 없는 것처럼 보임과 동시에 그리는 대상을 바라보는 시선과 태도의 미세한 변화 역시 관찰할 수 있습니다. 말년에 가까워질수록 장욱진의 그림은 더욱 간결해지고, 화면에는 넓은 여백이 자리합니다. 이 늦은 시기의 그림들은 그가 삶과 예술을 어떻게 마무리해 갔는지를 조용히 보여줍니다. "나는 심플하다." 라는 화가의“항상 되풀이 내세우고 있는 단골말”처럼, 이토록 심플한 그림으로 우리 모두 스스로 그러함(자연 自然)의 자세로 시대를 초월한 예술적 공감과 깊은 사유의 시간을 제안합니다.

현대 사회에서 ‘준비’는 선택이 아닌 일상의 기본 조건이 되었다. 급격한 변화와 불확실성이 일상화된 환경 속에서 개인은 끊임없이 미래를 대비하며 살아가고 있으며, 준비는 생존을 위한 태도이자 동시에 불안을 드러내는 하나의 표현으로 작동한다. 예측하기 어려운 사회·경제 구조와 기술 환경의 변화는 오늘을 살아가는 사람들로 하여금 ‘내일’을 상정한 채 현재를 유예하도록 만든다. 

이러한 상황 속에서 준비는 더 이상 특정 시점을 위한 행위가 아니라, 삶 전반을 관통하는 지속적인 상태가 된다. 완성을 향한 과정으로서의 준비는 어느 순간 끝나지 않는 점검과 대비로 이어지며, 개인의 삶은 항상 미완의 상태에 놓이게 된다. 우리는 준비를 통해 안정에 다가가고자 하지만, 동시에 준비가 삶의 리듬을 지연시키는 조건이 되기도 한다.

〈오늘도,준비중입니다〉 展은 이러한 동시대적 현실을 출발점으로 한다. 본 전시는 트렌드코리아 2026에서 제시한 〈레디코어(Ready-Core)〉 키워드를 바탕으로, 불안정한 사회 속에서 끊임없이 미래를 대비하는 현대인의 내면과 삶의 구조를 전시를 통해 탐구하고자 한다. ‘끝나지 않는 준비’, ‘완성되지 않은 삶’이라는 주제를 중심으로, 불안과 대비, 기대와 피로가 공존하는 시대의 정서를 예술적으로 조명한다. 

전시에 참여한 작가들은 예술작품과 기록, 일상의 흔적을 통해 ‘준비하는 인간’의 현실과 감정을 다양한 시각 언어로 풀어낸다. 이들은 결과보다는 과정에, 완결보다는 상태에 주목하며, 준비라는 행위가 개인의 삶을 어떻게 지탱하고 형성해왔는지를 사회적 시선으로 해석한다. 이를 통해 관람자는 준비가 단순한 개인의 선택이나 트렌드가 아니라, 현시대가 공유하고 있는 하나의 삶의 구조임을 인식하게 된다.

〈오늘도,준비중입니다〉 展은 준비하는 사회를 단정적으로 설명하기보다, 그 이면을 비추는 거울이자 질문의 장으로 기능하고자 한다. 본 전시는 관람객에게 “우리는 무엇을 위해, 어디를 향해 이렇게까지 준비하고 있는가”라는 근본적인 물음을 던지며, 끝나지 않는 준비 속에서 현재의 삶을 다시 바라보는 사유의 시간을 제안한다.

○ 전 시 명 : 겸재 탄생 350주년 특별 기획 《소나무, 늘 푸르른》

○ 전시기간 : 2026. 4. 14. (화) - 6. 21. (일)

○ 전시장소 : 겸재정선미술관 제1,2기획전시실

○ 주최‧주관 : 서울강서문화원 ‧ 겸재정선미술관

○ 후    원 : 서울특별시 강서구, 강서구의회

○ 대여기관 :  가나아트, 고려대학교박물관, 국립중앙박물관, 국립현대미술관, 리움미술관, 서울대학교박물관, 종로구립 박노수미술관

겸재정선미술관은겸재정선탄생350주년을 기념하여, 정선의소나무그림에서출발해 한국회화에지속되어온자연인식과 미의식의흐름을조망하고자특별기획되었습니다.

소나무는오랜시간회화속에서인간의삶과 이상을 비추는대상으로자리해왔습니다. 그리고 시대와작가에따라그의미와표현방식또한다르게전개되어왔습니다.

본전시는소나무가지닌상징적의미에서출발하여, 점차구체적인자연의모습으로확장되는흐름을따라가며 자연을바라보는시선과회화적표현의축적을 보여주고자합니다.

우리는 모두 각자의 내면에 자신만의 집을 짓고 삽니다.

그곳은 단순히 벽과 천장으로 이루어진 물리적인 장소가 아니라

살아오며 겪은 수많은 경험과 감정이 쌓여 만들어진 자신만의 세계입니다.

이번 전시 <HOUSE>는 작가들의 내면 깊숙한 곳에 숨겨진 이야기를 'HOUSE'라는 은유를 통해 풀어냅니다. 

현실의 논리를 벗어나 추상적이고 동화적인 풍경으로 재구성된 작품들은 작가의 개인적인 경험에서 생겨난 내면 그 자체를 상징합니다.

이 전시를 통해 타인의 내면을 여행하며 동시에 잊고 있었던 당신의 마음속 방을 들여다보는 시간을 가져보시기 바랍니다.

전시 안내

기간 ㅣ 2026년 4월 30일 (목) ~ 5월 5일 (화) 

시간 ㅣ 10:00 ~ 20:00 / 5월 5일 18:00 Close

장소 ㅣ 레온갤러리 구의 플레이스라운드 / 서울 광진구 자양로18길 25 지하1층

오프닝ㅣ 5월 1일 3시

새끼-치기4: bzzz

온수공간

2026.04.17(금) ~ 04.26(일) 12-7PM (휴무없음)

x 참여작가:

강지윤, 곽혜은, 김은진, 김정은, 다이애나밴드, 봄로야, 루킴, 오이시 카즈키, 왕융안, 이시게 켄타 & 황영호, 임유정, 유은, 이해련, 정재연, 쩡이원, 프로토룸, 하이퍼 웨이브, 핫하우스

x 디렉터: 카이먼, 로

x 디자인: 홍소이

x 읽는 이: 김태희, 봄로야, 신동혁, 이문석, 콘노 유키, 황바롬

x 주관: 에이전시 곱

x 후원: 온수공간

벌은 초당 200번 이상 날개를 움직이며 주변 공기를 밀고 당겨 압력의 변화를 만들고, 그로부터 진동을 발생시킵니다. 압축과 팽창이 반복되며 형성되는 이 파동은 우리에게 ‘윙(bzzz)’이라는 일정한 소리로 들리지만, 그 안에는 작은 엔진과도 같은 강한 에너지가 내재되어 있습니다.

《새끼-치기⁴》의 부제 “bzzz”는 이처럼 번식을 위해 진동을 만들어내는 벌의 움직임에서 착안되었습니다. 이 움직임은 생태계 내 생명과 순환을 이어주는 매개자로서 보이지 않는 연결과 재생의 질서를 다집니다. 꽃가루를 매개로 새로운 생장을 가능하게 하듯, ‘파생’ 실천을 통해 작품이 매체와 국경을 넘어 순환하기를 고대합니다. 

x 오프닝

2026.04.17(금) 5PM

x 연계 토크 프로그램_따뜻한 아이스 아메리카노

2026.04.18(토), 19(일), 25(토) 2PM, 5PM

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