Milky Way

유현 개인전

일시 2026.08.06.(목) ~16.(일)

장소 CN갤러리 (서울시 종로구 북촌로 5길 56-7)

영업시간 10:00~18:00 (월요일, 공휴일 휴무)

평소와 같은 매일이라도

우리는 때로 거대하고 눈부신 삶의 순간만을 가치 있다고 믿곤 합니다. 그러나 한 인간의 서사를 가만히 들여다보면, 나를 구성하는 대부분의 요소는 눈에 띄지 않는 아주 작고 평범한 하루들로 채워져 있습니다. 스쳐 지나가는 찰나의 시선, 사소한 고민, 그리고 매일 반복되는 무수한 걸음들. 유현 작가의 개인전 <우리은하>는 바로 이 별볼일 없어 보이는 순간들이 모여 마침내 하나의 반짝이는 우주를 이루는 평범한 우리를 다룹니다.

▲ 우리 은하, 유현, 2026

조경을 전공하고 공간과 사물, 그리고 인간의 삶이 맺는 관계를 지속적으로 탐구해 온 유현 작가는 삶의 내면을 사유하며 물질의 본성에 다가가는 작업을 이어왔습니다. 작가의 시선은 현실을 있는 그대로 재현하는 데 머물지 않고, 재료 본연의 물성과 시적 대화를 나누며 유기적인 형태를 생성해 냅니다.

이번 전시에서 작가는 주목할 만한 매체적 전환을 선보입니다. 그간 조각 작업의 주요 소재였던 목재는 존재감만큼이나 무게와 부피, 보관과 이동이라는 현실적 제약을 동반했습니다. 작가는 이러한 물질적 한계를 벗어나기 위해 와이어라는 새로운 매체를 끌어들입니다. 유동적으로 변형되고 가벼우면서도 강한 유연성을 지닌 와이어는, 작가의 조각적 언어를 한층 더 자유롭고 가변적인 공간으로 확장시킵니다.

▲ 우리 은하, 유현, 2026

와이어가 그리는 '점'과 '선'은 이번 전시의 핵심적인 비유입니다. 단독으로 존재할 때 하나의 작은 점이나 얇은 선은 지극히 미약해 보입니다. 그러나 그 점들이 연결되고 선들이 허공을 가르며 중첩될 때, 작품은 물리적 무게감을 뛰어넘어 깊은 서사를 품은 입체적 형태로 변모합니다.

이는 곧 우리 삶의 초상입니다. 나를 이루는 무수한 일상의 순간들이 한데 엮여 비로소 커다란 형태를 이루듯, 허공에 띄워진 와이어의 구조체들은 '우리'라는 개개인이 품고 있는 아름다운 우주, 즉 ‘우리은하’의 형상을 조용히 비춥니다.

▲ 우리 은하, 유현, 2026

유현 작가는 본인과 관람객들에게 질문합니다.

"나를 구성하는 평범한 순간들을 우리는 과연 어떤 마음으로 대하고 있었는가?"

공간을 가로지르는 얇은 와이어의 궤적을 따라 거닐며, 관객들이 타인의 거대한 빛에 매몰되기보다 스스로를 이루고 있는 지극히 소중한 일상의 점과 선들을 따뜻하게 어루만지는 시간이 되기를 기대합니다.

- 유현 작가 노트 中

Even on an Ordinary Day

We are often inclined to believe that only life’s grand and dazzling moments are worthy of significance. Yet when we quietly reflect upon the narrative of a single life, we find that most of what shapes us consists of countless small, unremarkable days. A fleeting glance, a passing worry, and the innumerable steps repeated each day— these seemingly insignificant moments quietly accumulate. You Hyeon’s solo exhibition, , turns its attention to these ordinary lives, revealing how such modest moments ultimately gather to form a luminous universe of their own.

Having studied landscape architecture, You Hyeon has long explored the relationships between space, objects, and human life. Through an ongoing contemplation of the inner landscape of existence, the artist seeks to approach the essential nature of materials themselves. Rather than merely reproducing reality, You Hyeon engages in a poetic dialogue with the inherent qualities of each material, allowing organic forms to emerge through the process.

In this exhibition, the artist presents a notable shift in material practice. Wood, the primary medium of earlier sculptural works, possesses a powerful physical presence but is inevitably accompanied by practical constraints of weight, volume, storage, and transportation. Seeking to move beyond these material limitations, You Hyeon introduces wire as a new sculptural medium. Lightweight yet resilient, flexible yet enduring, wire enables the artist’s sculptural language to expand into a more fluid and adaptable spatial dimension.

The "points" and "lines" traced by wire serve as the exhibition’s central metaphor. A single point or a slender line may appear fragile and inconsequential on its own. Yet as points connect and lines intersect across space, the work transcends its physical lightness, transforming into three-dimensional forms that carry profound narratives.

In many ways, this mirrors our own lives. Just as countless ordinary moments intertwine to shape who we are, these suspended wire structures quietly illuminate the beautiful universe each of us carries within—a *Milky Way* that belongs to all of us.

You Hyeon poses a simple yet profound question to both the artist and the viewer:

“How have I truly regarded the ordinary moments that make me who am I?”

As visitors follow the delicate trajectories of wire weaving through the gallery space, it is our hope that they will find themselves gently embracing the precious points and lines of their own everyday lives, rather than becoming consumed by the brilliance of others.

— Exhibition Text, You Hyeon

MERGE?, 몸+더하기 공동기획 프로젝트인 [Onggi 옹기] 행사를 안내해 드립니다.

스페인에서 활동하는 부토 아티스트 Lucía Callén과

사운드 아티스트 홍성률이 함께하는 계획된 즉흥 퍼포먼스가 펼쳐집니다.

움직임과 사운드가 만들어내는 특별한 순간에 여러분을 초대합니다.

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Lucía Callén은 현대 부토(Butoh)를 기반으로 퍼포먼스, 신경과학,

시각예술을 융합한 '시냅틱 부토(Synaptic Butoh)'를 연구하는 퍼포먼스 아티스트입니다.

몸을 기억과 상상, 자연이 만나는 살아있는 풍경으로 바라보며,

움직임을 통해 보이지 않는 기억과 감각을 표현하는 작업을 이어오고 있습니다.

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이번 퍼포먼스 〈Onggi 옹기〉는 옹기의 특성을 인간의 신체와 연결합니다.

한국 설화의 상징성과 부토(Butoh)의 움직임을 바탕으로,

우리의 몸을 욕망과 수치심, 결핍과 과잉이 천천히 발효되고

변화하는 하나의 '그릇'으로 바라봅니다.

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움직임과 사운드가 실시간으로 서로 반응하며 만들어내는 이번 퍼포먼스는

발효와 변형, 몸과 소리, 전통과 현대가 교차하는 감각적 경험을 통해

관객들에게 새로운 사유의 공간을 제안합니다.

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퍼포먼스 일정

2026. 08. 08 (SAT) 6PM

권욱 개인전

사랑하는 L이 세상에 비관적이었기에, 그에게 희망을 보여주고 싶었다.

1. 2023-10-7

2. 미래로, 내일로

3. 희망

4. 얼마나 자주 희망을 얘기해왔던가

5. 원을 그리는 방법

6. 자물쇠를 잃어버린

7. 86,400

8. 시간이 없다

9. 정해진 결말

10. 병렬

11. 세상에 진정한 평화가 찾아오면 피는 꽃

12. 그리 잔인하지만은 않은 신을 믿나니

13. 청신호

다음은 관객이 참여함으로써 완성되는 작품입니다.

- 5. 중앙점으로부터 원이 될 수 있는 하나의 직선을 그어주세요.

- 6. 걸려 있는 열쇠를 한 개씩 가져가 어딘가에 닫혀있는 자물쇠를 열어주세요.

- 12. 관객 참여 퍼포먼스로 전시 종료 10분 전에 시작합니다. 

2026. 7. 28. ~ 8. 26. (매주 월요일, 광복절 휴관)

1막: 7. 28. ~ 8. 23.

2막: 8. 25.

3막: 8. 26.

※ 전시 1막을 관람한 경우에만 전시 2막과 3막을 관람하길 추천합니다.

매일 18:30 ~ 20:00

갤러리창신

서울특별시 종로구 지봉로 17길 9 2층

그림쟁이가 가장 고민할 때는 그릴 수 없을 때가 아니다- 무엇을 그릴지 모를 때다.

창작에서 가장 긴 시간은 작품을 완성하는 순간보다 무엇을 그릴지 찾는 시간에 더 가깝다. .대학원에 입학한 직후 코로나19 팬데믹이 시작됐다. 제한된 일상과 고립된 작업 환경 속에서 작업의 방향은 점차 흐려졌고 졸업을 위해 이어가던 그림들은 서로 다른 형식과 주제를 품은 채 하나의 이야기로 묶이지 못했다. 손은 계속 움직였지만 왜 이 그림을 그리고 있는지 스스로 설명하기는 어려웠다.

그 무렵 등장한 생성형 AI는 새로운 가능성으로 다가왔다.이미지를 만들어내는 기술보다 이미지가 생성되는 과정 자체에 흥미를 느꼈고 흩어져 있던 고민은 하나의 연구 주제로 이어졌다. 덕분에 졸업 작업을 마무리할 수 있었지만 시간이 흐를수록 한 가지 사실이 더욱 선명해졌다 AI는 수많은 이미지를 만들어낼 수 있어도 무엇을 그려야 하는가? 라는 질문에는 답하지 못했다.

돌아보니 대학원 생활 약 3년 동안 수묵, 펜, 연필, 색연필 등 다양한 재료와 기법으로 작업한 그림에는 꽃과 잎, 나무와 숲이 반복해서 등장하고 있었다. 의도한 결과는 아니었다. 무엇을 그릴지 몰랐던 시간에도 가장 자연스럽게 손끝에 남은 형상이었다.

먹의 번짐, 반복되는 선, 비워둔 여백, 절제된 색은 자연을 재현하기 위한 표현이라기보다 머물러 있던 시간을 기록하는방식에 가까웠다. 꽃과 나무 역시 특정한 의미의 상징적인 소재가 아닌 말로 설명하기 어려운 감정과 시간을 담아내는 그릇이 되었다.

결국 다시 처음의 그림으로 돌아왔다. 오랫동안 반복해 그려온 꽃과 나무는 자연을 묘사한 대상이 아니라 방향을 잃은 시간이 천천히 남겨 놓은 흔적이었다. 꽃과 나무를 그린 것이 아니다. 무엇을 그릴지 몰랐던 시간이 스스로 자라 결국 <무명의 정원>이 되었다.

http://www.galleryjone.com 

Artist : 구나리 GU Na ri

Title : Body of the Soul; 영혼의 몸통을 드러내는 것

DATES : 2026.08.01 ~ 08.22

VENUE : 대구 중구 봉산문화길 60, GALLERY J.ONE 갤러리제이원(대구)

Viewing Hours : 월-금: 11:00 - 19:00/ 토: 11:00 - 17:00 (일휴뮤 closed on Sunday)

*Body of the Soul ; 영혼의 몸통을 드러내는 것

우리는 타인에게 보여주기 위해, 혹은 스스로를 보호하기 위해 매일 수많은 외피를 겹겹이 입는다. 구나리 작가의 작업은 이 가공된 표정과 얼굴을 하나씩 걷어내는 집요한 여정에서 시작된다. 그 아래에 남겨진 것은 다듬어지지 않은, 어쩌면 비루하고도 아름다운 영혼의 ‘몸통(Body)’이다.

작가는 내면에 머물러온 이 원초적인 실체들을 화면 속 인물로 옮겨낸다. 인물을 그려나가는 과정에서 화면은 자연스레 신화적인 결을 띠게 된다. 인간의 몸 위로 동물의 형상이 겹쳐지고, 낯선 존재와 작가의 얼굴이 하나로 뒤섞인다. 이 기묘하고도 낯선 도상들은 현실과 상상의 경계에서 변형을 거듭하며, 인간이 스스로를 이해하기 위해 빚어낸 또 하나의 ‘현대적 신화’를 완성한다.

가장 개인적인 심연의 기록에서 출발한 이 전시는, 역설적이게도 우리 모두의 보편적인 이야기로 확장된다. 하나의 고정된 자아에 집착하지 않고 끊임없이 변화하는 스스로를 긍정할 때, 사적인 고백은 세상과 모든 존재를 향한 외경심으로 나아간다. 이번 전시는 관람객 각자의 내면에 웅크리고 있던 영혼의 실체와 대면하고, 계속해서 유동하는 자신을 있는 그대로 껴안는 해방의 시간을 선사할 것이다.

*제목 참고자료 : 안리타, 『쓸 수 없는 문장들』

*Body of the Soul ; Laying Bare the Soul’s Body

We layer ourselves each day with countless outer skins—whether to present ourselves to others or to protect what lies within. KU Nari’s practice begins with a persistent journey of peeling away these constructed expressions and fabricated faces, one layer at a time. What remains beneath them is the unrefined, perhaps even abject yet beautiful, “Body” of the soul.

The artist translates these primal entities, long concealed within her inner world, into figures on the canvas. As she brings each figure into being, the image gradually acquires a mythic dimension. Animal forms are superimposed upon human bodies, while unfamiliar beings merge with the artist’s own face. Strange and uncanny, these images undergo continual transformation at the threshold between reality and imagination, ultimately forming a new kind of “contemporary mythology”—one created by human beings in their enduring attempt to understand themselves.

Although the exhibition originates in a deeply personal record of the artist’s innermost depths, it paradoxically expands into a universal narrative shared by us all. When we relinquish our attachment to a singular, fixed identity and affirm the self as something continually changing, private confession begins to open outward into a sense of reverence for the world and for all forms of existence.

This exhibition invites viewers to encounter the substance of the soul that has long lain curled within them, offering a moment of liberation in which they may embrace themselves as they are—fluid, mutable, and forever becoming.

Title reference : "An Rita", 『 Aufzeichnungen; Kunst für das Leben』  / 『 쓸 수 없는 문장들』

전시명 ㅣ '다정한 그늘 아래'  
 
작가 ㅣ 정민희, 정현
 
전시 기간 ㅣ 2026. 7. 29.(Wed)- 8. 9.(Sun)  *반려동물 동반 관람 가능
 
소개 ㅣ오늘의 삶은 끊임없이 앞으로 나아갈 것을 요구한다. 더 많은 성취와 더 빠른 속도 속에서 우리는 어느새 자신을 바라보기보다 다음 순간을 향해 움직이는 데 익숙해졌다. 그러나 잠시 걸음을 늦추는 순간, 익숙했던 일상은 전혀 다른 얼굴로 우리 앞에 모습을 드러낸다. <다정한 그늘 아래>는 바로 그 느린 시선에서 출발한다.

정민희 작가는 내면의 평온을 품은 존재를 통해 조용한 머무름의 시간을 제안한다. 작품의 절제된 구성은 설명보다 침묵을 선택하고, 그 침묵은 관람자의 감각과 기억이 스며들 수 있는 여백이 된다.

정현 작가는 도시의 가장 가까운 자연과 작은 생명들을 응시한다. 나무와 꽃, 그리고 우리 곁을 살아가는 존재들은 특별한 사건 없이도 하나의 풍경을 이루며, 무심히 지나쳤던 일상의 질서를 다시 바라보게 한다.

이번 전시에서 '그늘'은 빛의 반대편이 아니다. 그것은 잠시 머물 수 있는 온도이며, 서두르지 않아도 되는 시간이다. 치열한 세계로부터 등을 돌리는 공간이 아니라, 자신의 호흡을 가다듬고 주변과 나란히 존재하는 감각을 회복하는 자리이다.

우리는 행복을 특별한 순간에서 찾으려 하지만, 오래도록 마음에 남는 것은 대개 이름 없는 하루의 풍경이다. 나무가 드리운 그늘, 햇살 아래 잠든 고양이, 편안히 눈을 감은 강아지의 모습처럼 사소한 장면들은 삶의 리듬을 천천히 되찾게 한다.

<다정한 그늘 아래>는 거창한 위로를 말하지 않는다. 다만 우리 곁에 오래 머물러 있었지만 미처 바라보지 못했던 평온의 풍경을 조용히 건넨다. 그 다정한 그늘 아래에서, 잠시 자신의 속도로 머물러 보는 시간을 만나기를 바란다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월,화 휴관, 무료관람)
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  linktr.ee/galleryharang

Nap No. 20, 90.9x72.7cm, Oil on canvas, 2026, Jeong Min-Hui 정민희

Nap No. 22, 72.7x60.6cm, Oil on canvas, 2026, Jeong, Min-Hui 정민희

Nap No. 19, 40.9x27.3cm, Oil on canvas, 2026, Jeong, Min-Hui 정민희

정민희 작가노트  

리치는 나의 상징적 자아이고, 현실의 내가 오래도록 동경해온 마음의 상태이자 이미 내 안에 있었음을 뒤늦게 깨닫게 된 형상이다.눈을 감고 있는 리치는 세상을 거부하지 않는다. 그는 더 이상 애쓰지 않아도 되는 상태, 지금 이대로 충분하다고 말할 수 있는 자아를 상징한다. 

작업 초기의 리치는 다소 단단한 형상으로 화면에 자리했다. 외부의 시선과 기대 속에서 자신을 지키려는 태도에 가까웠다. 그러나 시간이 흐르며 그 형상은 점차 작아지고 부드러워졌다. 현재의 리치는 낮잠을 자는 강아지처럼 고요하다. 그 고요함은 포기가 아니라, 어떤 과정을 통과한 이후에 도달한 평온이다. 리치는 그저 그곳에 머물며, 풍경과 분리되지 않은 채 조용히 스며든다.

리치는 혼자 있지만 외롭지 않다. 그는 무엇을 이루지 않아도 충분하고, 특별한 사건 없이도 행복하다. 이미 주어져 있는 것들을 바라보는 연습이며, 평온한 일상이 지닌 깊이를 천천히 그려가는 과정이다.

나는 리치를 통해 말하고 싶다. 우리는 때로 이미 충분한 상태에 서 있으면서도 그 사실을 알지 못한 채 스스로를 몰아붙인다고. 
눈을 감은 리치는 그 자리에서 조용히 속삭인다.

지금 이대로도 괜찮다고.

Nap, 37.9x45.5cm, Oil on Hanji(Korean paper), 2026, Jung Hyun 정현

A Cat on the Fence, 45.5x53cm, Oil on Hanji(Korean paper), 2026, Jung Hyun 정현

Dandelion 1, 15.8x22.7cm, Oil on Hanji(Korean paper), 2026, Jung Hyun 정현

자연은 우리에게 기쁨과 평안을 건네고, 우리는 다시 자연을 돌보며 함께 살아간다. 그 순환은 거창한 곳이 아니라 우리가 살아가는 일상 속에서 이어진다. 동네의 작은 화단과 가로수, 골목을 오가는 길고양이들은 때로는 무심히 지나치는 배경처럼 보이지만, 시선을 조금만 돌리면 우리 곁에서 함께 살아가는 다정한 이웃이 된다.

나는 도심의 좁은 틈에서도 꿋꿋하게 생명을 이어가는 존재들의 강인함과 따뜻함을 그리고 싶다. 이 작은 생명들이 전하는 고요한 위로가 작품을 마주하는 이들에게도 조용히 전해지기를 바란다.

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

이종섭 개인전

일시 2026.07.24. (금) ~08.02. (일)

장소 CN갤러리 (서울시 종로구 북촌로 5길 56-7)

영업시간 10:00~18:00 (월요일, 공휴일 휴무)

개막식 2026.07.24. (금) 17:00

갤러리, 할인 매장으로 탈바꿈하다

작가 이종섭은 갤러리 전관을 가상의 브랜드 'ZOLO-B Store'의 할인 매장으로 바꾼다. 관객은 전시를 관람하는 것이 아니라 매장을 둘러본다. 마음에 드는 옷을 고르고, 사이즈를 재보고, 계산대 대신 작품 앞에 선다.

작가에게 지난 시대의 창작물은 보존되기보다 순환되어야 하는 것이다. 재고를 덜어내야 그 자리에 신상품이 들어오듯, 지난 작업을 비워내야 다음 창작이 가능해진다. 할인은 가치를 낮추는 행위가 아니라 다음 창작을 위한 공간 확보다. 옷이라는 개념과 이질적인 철과 종이를 재료로 삼아, 통상적인 '의복'의 이미지와 기능에 균열을 내면서 관객에게 '비움과 갱신'이라는 태도를 건넨다.

할인, 비움과 갱신

우리는 옷을 통해 나를 표현하는 일상적 경험을 공유한다. 본 전시는 의류 매장을 은유한 전시장이다. 관객들은 평상시 쇼핑을 하듯 둘러보면서 마음에 드는 옷을 고르고, 눈길을 끄는 것에 다가간다. 전시장에 예술을 암시하는 전문적 언어는 없다. 모두 매장에서 쓰는 일상 언어로 되어 있다. 작가의 소소한 이야기들은 옷을 만든 디자이너의 이야기가 되고, 전시작품에는 신상품과 재고상품이라는 이름이 붙어 신작과 구작이 구분된다. 재고상품은 빨리 덜어내야 그 자리에 신상품을 채울 수 있다.

Clear out the past, Make room for New.

과거의 창작물은 보존되기보다 순환되어야 한다. 할인은 가치를 낮추는 행위가 아니라 다음 창작을 위한 공간을 확보하는 수단이고, 비워진 진열대는 결핍이 아니라 다음 신상을 예고하는 가능성이다. 본 전시는 또 한 번 변신하기 위한 139일간의 리얼한 흔적들을 격식 없이 보여주는 '떨이 행사장'이 된다. 옷이라는 개념과 이질적인 철과 종이 등의 재료로 통상적인 '의복'의 이미지와 기능에 균열을 내면서, 관객에게 새로운 인식의 전환을 유도한다.

자유로운 모습, 진솔한 이야기의 현장

이종섭은 철을 산소로 자르고 용접하며, 전통 서예에서 비롯된 필력으로 평면의 선을 입체 공간으로 확장하는 공간 드로잉 방식의 조형 언어를 구현해 왔다. 무엇에도 쉽게 길들여지지 않는 캐릭터 'ZOLO-B'의 몸짓과 표정을 통해 내면의 솔직한 순간들을 드러내고, 관객에게 '원래의 나'로 돌아가 보라는 질문을 건넨다. 이번 전시는 옷의 구속에서 벗어난 개인의 등장을 다룬 2022년 <OPEN RUN 10 COLLECTION>에 이은 두 번째 시리즈로, 또 한 번의 변신을 준비하며 보낸 139일의 흔적들을 격식 없이 펼쳐 놓는다.

- 이종섭 작가 노트 中

A Gallery Transformed into a Discount Store

Artist Lee Jong Sub transforms the CN gallery into the discount outlet of a fictional brand, ZOLO-B Store. Rather than viewing an exhibition, visitors find themselves wandering through a retail space. They browse for garments, check their sizes, and instead of approaching a checkout counter, they come face to face with the artworks themselves.

For the artist, creations from the past are not meant to be preserved indefinitely but to remain in circulation. Just as clearing out old inventory makes room for new arrivals, making space by letting go of previous works is what enables the next act of creation. In this sense, a discount is not an act of devaluation but a means of securing space for what is yet to come.

Working with iron and paper—materials fundamentally at odds with the conventional notion of clothing—Lee disrupts both the familiar image and function of garments. Through this deliberate dissonance, the exhibition invites viewers to embrace an attitude of emptiness and renewal, where release becomes the condition for continual creation.

Discounting: Emptying and Renewal

We all share the everyday experience of expressing ourselves through what we wear. This exhibition presents the gallery as a metaphorical clothing store. Visitors move through the space as they would while shopping, browsing the racks, selecting garments that appeal to them, and gravitating toward what catches their eye.

The gallery is stripped of the specialized language that typically signals an art exhibition. Instead, every label and description adopts the familiar language of retail. The artist's personal anecdotes become the stories of a fashion designer, while the works themselves are categorized as New Arrivals or Clearance Items, distinguishing recent works from earlier ones.

Clearance items must be moved out to make room for new arrivals. Likewise, for the artist, making space by releasing past works is an essential condition for future creation. Here, discounting does not signify a loss of value, but an act of clearing space—an ongoing process of emptying and renewal.

Clear out the past, Make room for New.

Past creations are not meant to be preserved indefinitely, but to remain in circulation. Here, discounting is not an act of devaluation; it is a means of making room for future creation. An emptied display is not a sign of absence, but a space charged with the possibility of what is yet to arrive.

This exhibition becomes a clearance sale—an unceremonious presentation of the tangible traces accumulated over 139 days of preparing for yet another transformation. Working with materials such as iron and paper, whose materiality stands in stark contrast to the very idea of clothing, the artist fractures the familiar image and function of the garment, inviting viewers to reconsider their assumptions and experience a shift in perception.

A Space for Unfiltered Presence and Honest Stories

Lee Jong Sub has developed a sculptural language of spatial drawing, cutting and welding iron while extending the expressive force of lines—rooted in the gestural tradition of Korean calligraphy—into three-dimensional space. Through the gestures and facial expressions of ZOLO-B, a character that resists easy conformity, the artist reveals candid moments of his inner self and invites viewers to ask themselves what it means to return to their authentic selves.

This exhibition is the second installment following OPEN RUN 10 COLLECTION (2022), which explored the emergence of the individual liberated from the constraints of clothing. Here, Lee Jong Sub presents, without pretense or ceremony, the traces accumulated over 139 days spent preparing for yet another transformation.

- Exhibition text, Lee Jong Sub

소집지기 고기은입니다.

소집 갤러리의 8월 새 전시 소식 전합니다.

<전시 소개>

시니어 신진예술가 특별전 3 – 허주 작가

《보고 싶은 나의 계절에게 : 여름의 출발》

여든의 고개에 이르러서야 비로소 붓을 들었습니다. 한 평생 가족의 짐을 나누어 지며 오직 책임감 하나로 살아온 허주 작가. 그늘에 가려져 있던 어린 날의 예술적 꿈은, 3년 전 우연히 붓을 잡은 순간 거짓말처럼 타오르며 인생의 눈부신 여름을 깨웠습니다. 이번 전시는 삶의 황혼에서 만난 예술을 향한 그의 뜨거운 사랑과 깊은 내면의 목소리를 나직이 건네는 자리입니다. 

허주 작가의 캔버스는 특별합니다. 버려진 나무 자재, 손때 묻은 낡은 가구 등 세월에 밀려난 폐자재들이 그의 손길을 거쳐 세상에 하나뿐인 작품으로 다시 태어납니다. 그 위에 정성스레 얹어진 전통 수묵의 기법과 서양 추상화의 이국적인 정취는 오묘한 조화를 이루며 깊은 풍경을 만들어냅니다. 붓끝마다 배어나는 가족에 대한 애틋한 그리움과 아련한 옛집의 추억은 담담하면서도 깊은 색채로 물들어 우리에게 다가옵니다. 

흐트러짐 없는 집중력으로 마음을 다해 그려낸 그의 작품들은 단순한 삶의 회고를 넘어섭니다. 새로운 계절을 향해 걸어 나가는 한 예술가의 당찬 발걸음이자, 멈춰 서 있는 이들을 향한 응원입니다. 인생의 새로운 문을 열고 나서는 첫걸음이 관람객 한 분 한 분의 마음에 다정한 감동으로 스며들기를 바랍니다. 

<전시 정보> 

기간 : 2026년 8월 1일 ~ 8월 30일

관람 시간 : 수~일 12:00~18:00

휴관 : 매주 월, 화요일

장소 : 강릉 소집 갤러리 

관람료 : 무료

*전시 예고편

https://www.youtube.com/shorts/sejT8ugnPIA

https://www.youtube.com/shorts/DFl5Z-LtHZQ

*전시 더 알아보기 

인스타그램 @storysozip

블로그 https://blog.naver.com/storysozip

《Theme Thanatos & Donguri》

○ 관람 안내

전시 일정: 26.07.20(월) ~ 26.07.25(토)

전시 장소: 인천광역시 계양구 경명대로 1090, 계산메가타운 206호

운영 시간: 10:30am ~ 6:00pm (일요일 휴무)

○ 전시 개요

“우리의 마음, 삶, 그리고 자연은 모두 부서진 조각들로 이루어져 있으며, 그 결함들이 모여 비로소 온전한 전체가 된다.”

형태를 잃기 쉬운 초콜릿 속에서 단단한 무의식을 캐내는 카빙의 시간, 가장 달콤한 소재로 가장 깊은 무의식을 조각합니다.

글로벌 아트 플랫폼 'Singulart' 등록 작가이자, 'Visual Art Journal' 매거진과 뉴욕 타임스퀘어 빌보드에 소개되며 도쿄·뉴욕 'The Holy Art Gallery' 등 국제 무대에서 주목받고 있는 안현주 작가. 현재 호주 멜버른을 기반으로 활동하는 작가는, 형태 없는 초콜릿 덩어리를 직접 깎아내며 파편화된 자아를 시각화하는 작업을 이어오고 있습니다.

가장 달콤하고 연약한 재료로 빚어낸 영원한 내면의 조각. 초콜릿의 물성을 통해 내면의 본능과 상처를 대변하는 〈Theme Thanatos〉 그리고 그와 대비되는 색채로 인간의 감정을 미니멀하게 포착한 디지털 드로잉 연작 〈Donguri〉가 함께 호흡합니다.

우리 안에 공존하는 '심리적 양가성(Psychological Ambivalence)'을 감각적으로 펼쳐내는 이번 전시를 통해, 산산이 부서진 조각들이 마침내 하나의 온전한 세계로 완성되는 순간을 직접 경험해 보시기 바랍니다.

전시는 7월 25일(토)까지 진행되며, 별도의 예약이나 관람료 없이 자유롭게 관람하실 수 있습니다.

[장우석 작가 약력]

전북대학교 한국화 학사/석사/박사 졸업

개인전
2025 Steal cut ‘타인의 시선’ 展 - 창작스튜디오131 작은미술관, 울산
2024 Steal cut ‘진실의 탐닉’ 展 - JMA 서울분관, 서울
2023 Steal cut ‘암묵적 공존’ 展 - 우진문화공간, 전주

그룹전
2025 전주-멜버른 예술인 교류 프로젝트 모종의 모임 “보이지 않는 연결, 상상의 별빛”, - 팔복예술공장 이팝나무홀 모모SeSe 전시장, 전주
2024 세계혁명예술 국제포럼: 동학농민혁명 130주년 기념전 - 동학기념관 파랑새관, 전주
2023 30회 4.3 미술제 경계의 호위 part2 - 산지천갤러리, 제주

레지던시
2025 고래문화재단 창작스튜디오 131, 10기 입주작가
2024 팔복예술공장 창작스튜디오, 7기 입주작가

수상
2024 천인갈채상, 사)천년전주사랑모임, 전주
2023 우진청년미술상, 우진문화재단, 전주

인스타그램: @teabag1024

청주 갤러리원 B관 조개더미의 비밀

갤러리 원 청주점에서 조개더미의 비밀이 전시 진행됩니다.

07월 22일부터 08월 20일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[전시 소개]

전시를 열며 약 5천 년 전, 오이도는 바다와 갯벌이 펼쳐진 작은 섬이었습니다. 사람들은 굴과 조개를 채집하며 살아갔고, 그 삶의 흔적은 오랜 시간 쌓여 ‘패총’으로 남았습니다.

《조개더미의 비밀 - 오이도 신석기 이야기》는 2026 공·사립·대학 박물관 ‘K-뮤지엄 지역 순회 전시 및 투어 지원사업’의 일환으로 진행되는 순회전시입니다.

아주대학교 도구박물관과 시흥오이도박물관이 함께 기획한 이번 전시는 시흥, 청주, 태안을 순회하며 오이도 패총에 담긴 신석기 사람들의 삶과 해안 문화를 지역과 함께 나누고자 마련되었습니다.

조개껍데기와 토기 조각, 생활 도구 속에 남겨진 오래된 흔적을 따라가며 과거 사람들의 삶과 오늘의 우리가 어떻게 이어져 있는지 함께 만나보시기 바랍니다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.07.22 (수) ~ 2026.08.20 (목)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one​ 

청주 갤러리원 A관 이정현 초대개인전

갤러리 원 청주점에서 이정현 초대개인전이 전시 진행됩니다.

07월 24일부터 08월 10일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[이정현 작가노트]

이정현 작가는 음악을 사랑하는 예술가이다. 어린 시절부터 음악과 함께 성장하며 첼로를 연주해 왔고, 자신만의 독창적인 방식으로 음악을 표현하는 '그림악보' 작업을 이어오고 있다.

정현 작가의 작업은 다양한 음악적 경험과 감성에서 출발한다. 클래식 음악은 물론 여러 장르의 음악을 들으며 느낀 리듬과 선율, 감정의 흐름을 자신만의 시각 언어로 풀어내고 있다. 음악을 듣는 순간 떠오르는 색채와 이미지들은 자연스럽게 그림이 되어 캔버스 위에 펼쳐진다.

정현 작가에게 음악은 단순히 소리로만 존재하지 않는다. 선율은 색이 되고, 리듬은 선이 되며, 감정은 하나의 이미지가 된다. 작가는 음악을 듣고 느낀 감정과 움직임을 그림으로 표현하며, 음악과 미술의 경계를 넘나드는 자신만의 예술 세계를 만들어 왔다.

연필을 잡을 수 있었던 어린 시절부터 시작된 그림악보 작업은 현재까지 꾸준히 이어지고 있다. 수많은 작품 속에는 작가가 사랑하는 음악과 삶의 이야기, 그리고 세상을 바라보는 따뜻한 시선이 담겨 있다. 이번 개인전에는 다양한 음악을 바탕으로 한 작품들과 함께 일부 모차르트 음악에서 영감을 받은 작업들도 소개된다. 모차르트의 음악은 작가에게 중요한 영감의 원천 중 하나로, 그의 작품 세계 속에서 특별한 울림을 전해준다.

이번 전시는 음악을 듣는 또 하나의 방법을 제안한다. 관람객들은 그림악보를 통해 눈으로 음악을 보고, 마음으로 소리를 상상하며, 예술이 전하는 새로운 소통의 가능성을 만나게 될 것이다. 또한 다양한 음악이 어떻게 그림이 되고, 감동이 되어 우리 곁에 머무는지 경험하는 특별한 시간이 될 것이다.

정현 작가는 오늘도 음악을 그리고 있다. 그의 그림악보는 음악과 삶이 만나는 순간들을 담아내며, 관람객들에게 새로운 감각의 경험을 선사하고 있다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.07.24 (금) ~ 2026.08.10 (월)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​

“나는 자유로운 생각과 감정, 느낌 들을 색과 선, 형태로 표현해보고 싶다. 예쁜 색, 선, 형태에 매료되어 그 위에 나의 이야기들을 실으려고 캔버스 위에서 유희를 하는 것이다. 나는 붓을 많이 사용하지 않고 자연스럽게 부어서 응고된 색감에 종이, 특히 한지와 양지를 접목시켜 그들끼리의 이야기를 하도록 한다. 인위적이지 않고 그들과의 생각 위에 나의 얘기를 해나가곤 한다. 나는 선택을 중요하게 생각한다. 세상의 많은 아름다움 중에서의 선택. 여러 가지 예쁘고 슬픈 얘기 가운데서의 선택. 이런 선택의 조화를 바라보고 또 생각해보고 이들과 함께 기쁨을 감사를 향유하는 것이다. 이 많은 향유의 유희들을 여러분과 함께 얘기하고 싶은 것이다.”

…

이여몽, 작업노트 中

이여몽, Story, 130.3x130.3(100S),아크릴_한지_양지,2026 | 이여몽, Story, 130.3x130.3(100S),아크릴_한지_양지,2026 

© Lee Yo mong / Courtesy of Gallery J.ONE

© Lee Yo mong / Courtesy of Gallery J.ONE

작가는 자유로운 생각과 감정을 색·선·형태로 표현하고자 하며, 붓의 제스처 대신 ‘부어지고 응고되는 색’이 스스로 형태를 만들도록 자율성을 부여합니다. 성질이 다른 재료를 접목시키는 일 또한 단순한 재료 실험이 아니라, 화면 속 요소들이 서로의 언어로 대화하도록 자리를 마련하는 행위입니다.

물감은 떨어지고 번지며 굳고, 종이는 스며들거나 견디며 화면의 결을 바꿉니다. 작가는 그 과정에서 재현과 모방의 한계를 넘어 조형 요소들이 스스로 어우러지고 드러나도록 선택하며, 작업실에서 우연히 발견되는 물감 덩어리나 사소한 오브제까지도 귀하게 화면으로 불러들입니다. 작가가 작업에서 특히 중요하게 여긴다고 말하는 ‘선택’은, 바로 이 지점에서 더욱 또렷해집니다. 완성된 결론보다 ‘만들어지는 삶’의 움직임을 믿기 때문입니다.

추상이 때로 소통의 직접성이 약하다는 평가를 받기도 하지만, 이여몽의 추상은 생활 경험에서 길어 올린 감흥과 표현 충동으로 음악이나 소설처럼 서사를 엮어갑니다. 무엇을 선택할 것인가, 수많은 아름다움과 슬픔 가운데 무엇을 화면으로 들일 것인가, 그 선택은 삶에 대한 감사와 기쁨을 향유하는 마음으로 귀결됩니다. 과장 없이 순수하고 솔직한 화면, 즉흥성과 지속성이 조화를 이루는 과정, 시류에 편승하지 않는 조형 언어가 관람자 여러분에게 따뜻한 울림으로 다가가길 바랍니다.

갤러리 제이원 서울

© Lee Yo mong / Courtesy of Gallery J.ONE

Exhibition: 진경(眞景): 세상의 모든 풍경

Duration: 2026. 04. 23 — 05. 25

Opening Reception: 2026. 04. 23 (목) 오후 5시

Venue: GALLERY J. ONE (서울 종로구 팔판길 13)

© Lee Wonhee / Gallery J.ONE

© Lee Wonhee / Gallery J.ONE
 

'이원희의 풍경을 바라보는 일'

http://www.galleryjone.com 

전시를 준비하며 이원희 작가의 그림을 오래 바라보고 있으면, 문득 마음이 조용해지는 순간이 있습니다. 

처음에는 화면 안의 산세와 물길, 바위와 숲의 표정이 눈에 들어오지만, 시간이 조금 지나면 그보다 더 깊은 어떤 기운이 천천히 전해져 옵니다. 그것은 단순히 자연을 잘 그려낸 회화적 성취만으로 설명되기 어려운, 오랜 시간 자연을 마주해온 사람만이 가질 수 있는 태도와 시선일 것입니다.

이원희의 풍경은 자연을 닮은 그림이면서도, 결국 자연을 대하는 한 인간의 마음을 보여줍니다. 작가는 오랫동안 전국의 산하를 직접 걸으며 자연의 결을 눈과 몸으로 익혀왔고, 그렇게 마주한 시간들을 화면 위에 차곡차곡 쌓아왔습니다. 그래서 그의 그림은 눈앞의 경치를 옮겨놓은 이미지라기보다, 한 장소와 오래 머물며 느꼈던 공기와 빛, 침묵과 숨결까지 함께 품고 있는 세계처럼 다가옵니다.

이번 전시의 제목인 <진경: 세상의 모든 풍경>은 우리 회화사에서 중요한 의미를 지닌 ‘진경’이라는 말에서 출발합니다. 

하지만 이 전시에서 말하는 진경은 단지 실제 풍경을 사실적으로 옮겨 그린다는 뜻에 머무르지 않습니다. 오히려 그것은 눈으로 본 자연을 넘어, 자연 안에서 느끼고 받아들인 존재의 깊이까지 담아내려는 마음에 가깝습니다. 이원희 작가의 그림이 특별하게 느껴지는 이유도 바로 그 지점에 있다고 생각합니다. 그의 풍경은 정확하고 치밀하지만 차갑지 않고, 깊고 장엄하지만 결코 과장되지 않습니다. 화면에는 늘 절제와 따뜻함이 함께 머물러 있습니다.

저는 이원희 작가의 풍경 앞에 설 때마다, 우리가 얼마나 오랫동안 ‘바라보는 일’ 자체를 잊고 지냈는지를 새삼 떠올리게 됩니다. 너무 많은 이미지와 장면들이 빠르게 지나가는 시대 안에서, 우리는 풍경조차 잠시 소비하고 지나쳐버리기 쉽습니다. 

그러나 그의 그림은 그렇게 서둘러 지나가는 시선을 붙잡아둡니다. 조금 더 천천히 보라고, 조금 더 오래 머물러보라고, 그리고 그 안에서 각자의 마음이 반응하는 소리를 들어보라고 말하는 듯합니다.

그의 붓질은 때로는 묵직하게 쌓이며 시간의 두께를 보여주고, 때로는 바람결처럼 가볍고 섬세하게 화면을 스쳐갑니다. 

그렇게 형성된 풍경은 고정된 장면이라기보다 살아 있는 감각에 가깝습니다. 빛은 머물지 않고 흐르고, 산은 침묵 속에서도 자신의 존재를 드러내며, 물과 숲은 화면 안에서 조용히 호흡합니다. 그 앞에 서 있는 우리는 어느새 풍경을 ‘본다’기보다, 풍경 안에 잠시 마음을 놓아두게 됩니다.

이번 전시를 준비하며 저는 이 풍경들이 단지 아름다운 자연의 모습만을 보여주는 것이 아니라고 느꼈습니다. 

그것은 오히려 우리가 잊고 지냈던 평온, 쉽게 지나쳐버렸던 침묵, 그리고 마음 깊은 곳에서 오래 기다리고 있던 고요를 다시 떠올리게 합니다. 어쩌면 좋은 풍경이란 바깥의 장면을 보여주는 것이 아니라, 그 풍경을 바라보는 사람 안에 또 하나의 풍경을 조용히 일깨우는 것인지도 모르겠습니다.

갤러리 제이원에서 선보이는 이번 전시가 각자의 걸음을 잠시 늦추고, 자연을 바라보는 마음과 자신의 내면을 함께 돌아보는 시간이 되기를 바랍니다. 이원희의 풍경이 전하는 깊고도 따뜻한 울림이, 이곳을 찾는 모든 분들의 마음속에 오래 남기를 바랍니다.

2026.04.23

Jingyeong: All the Landscapes of the World

As I prepare this exhibition and spend time looking closely at Lee Wonhee’s paintings, there are moments when my mind suddenly grows quiet. At first, what comes into view are the mountain ridges, flowing water, rocks, and the presence of forests within the frame. Yet, as time passes, something deeper begins to emerge, slowly making itself felt. It is difficult to account for this solely in terms of painterly accomplishment or the skill with which nature is rendered. Rather, it seems to arise from an attitude and way of seeing that only someone who has long lived in close encounter with nature could possess.

Lee Wonhee’s landscapes resemble nature, yet what they ultimately reveal is the mind of a person in relation to it. For many years, the artist has walked the mountains and landscapes of Korea, learning the textures of nature with both eye and body, and carefully building those encounters, layer by layer, onto the canvas. For this reason, his paintings feel less like images that simply reproduce the scenery before one’s eyes than like worlds that hold the air, light, silence, and breath he experienced while lingering in a particular place.

The title of this exhibition, Jingyeong: All the Landscapes of the World, begins with the term jingyeong, a word of particular significance in the history of Korean painting. Yet the jingyeong invoked here does not simply refer to the realistic rendering of an actual landscape. Rather, it points to an attempt to convey not only the natural world as seen by the eye, but also the depth of being felt and received within it. I believe this is precisely what makes Lee Wonhee’s paintings so distinctive. His landscapes are precise and meticulous, yet never cold; profound and monumental, yet never overstated. Restraint and warmth always reside together within his paintings.

Whenever I stand before Lee Wonhee’s landscapes, I am reminded of how long we have neglected the very act of looking. In an age when countless images and scenes pass by at great speed, even landscapes are easily consumed and just as easily left behind. Yet his paintings arrest that hurried gaze. They seem to ask us to look more slowly, to remain a little longer, and to listen to the stirrings of our own hearts in response.

At times, his brushwork accumulates with weight, revealing the density of time; at others, it moves lightly and delicately across the surface like a passing current of wind. The landscapes formed in this way feel less like fixed scenes than like living sensations. Light does not remain still, but flows; mountains assert their presence even in silence; water and forests breathe quietly within the frame. Standing before them, we find ourselves no longer simply looking at a landscape, but resting our minds within it for a moment.

As I prepared this exhibition, I felt that these landscapes do not merely present beautiful views of nature. Rather, they recall the peace we had forgotten, the silence we have too easily passed by, and the stillness that has long been waiting deep within the heart. Perhaps a true landscape is not one that simply shows an external scene, but one that quietly awakens another landscape within the person who beholds it.

I hope that this exhibition at Gallery J.ONE offers each visitor a moment to slow their pace and reflect both on the mind with which we look at nature and on their own inner world. May the deep and gentle resonance conveyed by Lee Wonhee’s landscapes remain for a long time in the hearts of all who visit.

http://www.galleryjone.com 

2026.07.10 ~ 07.29

공성환 개인전 《파문》이 갤러리 제이원 서울지점에서 열린다. 갤러리 제이원이 서울에 삼청동에 진출한 이후 9번째로 맞이하는 전시이다.

공성환의 화면에서 물은 맑고 투명하게 드러나지만, 결코 완전히 붙잡을 수 없는 대상이다. 물속의 돌은 선명하게 모습을 드러내면서도 수면의 흔들림에 따라 달리 보이고, 파문은 생성되는 순간부터 서서히 사라져간다. 물이 표현의 대상이라는 것은 단순한 재현하는 기술에 머물지 않는다. 빛과 바람, 주변 환경에 따라 시시각각 달라지는 물의 모습을 포착하기 위해서는 오랜 관찰과 기다림이 필요하다. 공성환은 그 사이의 떨림, 선명함과 흐릿함이 맞닿는 순간을 섬세하게 붙잡는다. 그의 그림은 사실적 묘사라기 보다, 그의 감각과 사유를 거쳐 나온 추상이다. 수면 위에 내려앉은 빛은 잘게 떨리고, 물결은 보이지 않는 숨결처럼 번져나가며, 투명한 깊이 속의 형상들은 드러나는 듯 다시 멀어진다. 작가는 이 미세한 변화의 순간들을 오래 바라보며, 자연의 풍경을 하나의 감각으로 옮겨낸다.

공성환 작가가 말하는 ‘추상’은 형상이 사라진다는 의미의 추상이 아니라, 눈앞의 물을 오래 바라보는 과정에서 현실의 구체성이 감각과 리듬, 빛과 떨림으로 전환되는 상태에 가깝다. 공성환에게 물을 그린다는 것은 대상을 설명하는 일이 아니라, 눈앞의 세계가 감각으로 해체되고 다시 회화로 응집되는 순간을 붙잡는 일이다. 그의 화면에서 추상은 형상의 부재가 아니라, 형상이 흔들리며 다른 감각으로 넘어가는 과정이다. 그러므로 공성환의 물은 사실적으로 보이지만, 그 안에서 조용히 추상으로 흐른다. 그것은 보이는 것의 끝에서 시작되는 또 하나의 풍경이며, 물의 표면을 빌려 드러나는 내면의 파문이다.

About

In KONG Sung hwan’s paintings, water appears clear and transparent, yet it can never be fully grasped. Stones beneath the surface emerge distinctly, only to shift with the movement of the water, while ripples begin to fade from the very moment they are formed. To paint water, then, is not merely to reproduce what is seen. Because water changes from moment to moment according to light, wind, and its surroundings, capturing it requires sustained observation and patient attention. KONG delicately holds the fleeting moment where clarity and blur meet.

His paintings are less realistic depictions than abstractions shaped through sensation and thought. Light resting on the surface of the water trembles in fine fragments; waves spread like an invisible breath; and forms within the transparent depth seem to appear, then slowly recede. By observing these subtle transformations, the artist translates natural scenery into a field of sensation.

The “abstraction” KONG Sung hwan speaks of is not one in which form disappears. Rather, it is a state in which the concrete reality before the eye is transformed, through the act of looking at water, into sensation, rhythm, light, and vibration. For KONG, painting water is not about explaining an object, but about capturing the moment when the visible world dissolves into sensation and gathers again as painting. In his work, abstraction is not the absence of form, but the process by which form trembles, shifts, and moves into another realm of perception. Thus, KONG Sung hwan’s water may appear realistic, yet within it, it quietly flows toward abstraction. It is another landscape that begins at the edge of the visible—an inner ripple revealed through the surface of water.

Artist Biography

공성환 KONG, SUNG-HWAN (1955~)

영남대학교 미술대학 회화과 졸업

개인작품전23회

아트부산(부산 백스코 2017~2021)

아트 센트럴(홍콩 하버프론트 2017)

아트 런던(올림피아홀 런던 2016, 17)

비엔나 컨텐퍼러리(막스홀 비엔나 2015,16,17)

상해 아트페어(상해마트,컨벤션 센터 2014,15,16,17)

아트 취리히 2016, 아트헴튼 뉴욕 2016

싱가폴 아트페어(선택시티 싱가폴)

K.I.A.F(코엑스 서울)

화랑미술제(코엑스 서울)

대구 아트(엑스코 대구)

서울시립미술관 대외사업 머물다 전(강동아트센터)

문화 본 일률전 (국립 경주 솔거 미술관)

한국 구상 대제전 (예술의 전당 한가람 미술관)

하늘, 땅, 사람전(서울시립미술관)

진경의 맥 전(포항시립 미술관)

구상 1번지 영남구상의 진수전(포스코 갤러리)

대한민국 미술대전 심사위원 역임 (서양화 분과)

대구광역시 미술대전 심사위원 역임 (서양화 분과)

울산광역시 미술대전 심사위원 역임 서양화분과

정수미술대전, 한마음 미술대전, 고금 미술회 심사위원 역임

작품소장처 : 국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 대구시립미술관, 한원미술관, 대구문예회관, 대구시청, 경북도청, 

대구은행, (주)범삼공, (주)삼원화학, 세영법무법인, ㈜수양 등

*전시 제목: 재료에서 존재로

*전시 기간: 2026. 07. 25 - 08. 23 / 오전 11시-오후 5시 / 매주 화요일, 공휴일 휴무

*오프닝 리셉션 : 2026.07.25 / 오후 4시

*장소: 갤러리 재희 / 부산 해운대구 좌동순환로8번길 49, 2층

황혼 속에 기어오는 존재가 있다. 인류 이후의 시대에 이들의 그림자가 드리워진다. 그림자가 땅에 서서히 닿는 시간은 어둠을 향하기 전에 고한다. 황혼은 단일한 시간축을 세우지 않는다. 그 대신 흐름과 연쇄를 잔여의 그림자에 펼쳐놓는다. 수직적인 표현 대신 수평적인 표현은 내게로 기어오는 것이다. 전시장에 잠시 정박된 시간과 공간은 작품을 통해서 풀(리)고 묶(이)고 엮(이)기를 반복한다. 어둠이 찾아오기 전에 황혼이 있었고, 황혼이 있기에 우리는 어둠을 풍요롭게 생각할 수 있다. 깊은 바다에서 움직이던 흐름들. 남겨진 시간과 남은 시간—세상의 종말로부터, 우리가 더 살아간다면. 우리가 경험하는 시간이 종말과 얼마 멀지 않다면, 우리는 가까이서 닿아 있는 시간을 먼저 생각해 봐야 한다. 김선종이 생각하는 ‘초개체’는 이미 인류 이후의 세계가 가까이서 시작되고 있는 시선을 가지고 온다—멀리 떨어진 시공간에 있는 이야기가 아니라, 가까운 곳에서 이미 시작되고 있는 징조로써. 우리가 매번 소환하는 위기의 시나리오가 있다면, 《황혼 속 기어오는 자》에 미세하게나마 감지되는 진동은 상상된 닫힌 결말을 비틀어 우리의 가까운 과제로 삼는다. -서문 『남겨진/남은 시간: 풀(리)고 묶(이)고 엮(이)기』 중

기간 : 2026. 8. 8 (토) - 8. 22 (토)

* 오프닝 : 8. 8 (토) 16시

시간 : 10:00 -18:00  

*입장마감 17:30 | 월요일 휴관

장소 : 고색뉴지엄 (경기 수원시 권선구 산업로 85)

B1 기획전시실 @gosaeknew

https://gosaeknew.kr 

서문 : 콘노 유키 @k40_hermione

포스터 디자인 : 신다빈 @sinmyo.design

도움 주신 분들 : 최지혜, 김훈겸

사진 기록 : 송광찬 @poisonsong_studio

주최 | 주관 : 김선종 @seonjong_kim

후원 : 수원특례시, 수원문화재단 @swcf_official

*수원문화재단 2026 유망예술가 지원사업 선정 (김선종)

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*평일 차량 방문 시 전시장 앞 길에 주차 가능 

*주말 차량 방문 시 고색뉴지엄 주차장 이용 가능

*대중교통 이용 시 들바람공원 정류장에서 하차하시면 됩니다. (고색뉴지엄까지 도보 5분 소요)

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Kim Seonjong Solo Exhibition 

《 The Creeper in the Dusk 》

Aug 8 -22, 2026. Gosaek Newseum

10:00 - 18:00, Tue. - Sun.

•Opening | Aug 8, 16:00

서울 인사동 제주갤러리입니다.

사진작가 박정근 개인전 《404: Page Not Found》가 오는 7월 23일부터 8월 10일까지 제주갤러리에서 개최됩니다.

전시 제목 《404: Page Not Found》는 사용자가 요청한 페이지가 존재하지 않거나 접근할 수 없는 상태를 의미하는 웹 오류 코드에서 착안했습니다.

이는 오랜 시간 존재했지만 쉽게 말해질 수 없었던 제주4·3의 역사와 기억을 은유적으로 담아낸 제목입니다.

박정근 작가는 오랫동안 제주의 사람과 자연, 그리고 역사를 깊은 애정으로 기록해 왔습니다.

이번 전시에서는 제주 사람들을 만나며 평범한 할머니와 할아버지, 한때 꿈 많던 청춘이었던 그들의 삶의 흔적을 따라가고, 이를 통해 제주4·3의 역사와 그 아픔을 함께 기억하고자 합니다.

전시에서는 〈사소한 위로_오태경〉, 〈희권, 영애 이야기〉, 〈세상에 없는 나무〉, 〈바다, 엇갈림〉, 〈할머니 무슨 과일 좋아하세요?〉 등 연작을 대거 선보입니다.

많은 관심과 방문 부탁드립니다.

감사합니다.

제주갤러리 드림

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2026 제주갤러리 공모 선정 - 박정근 개인전 《404: Page Not Found》

작 가: 박정근

전시기간: 2026. 7. 23. (목) ~ 2026. 8. 10. (월), (매주 화요일 휴관)

관람시간: 10:00~19:00 (입장마감: 18:30)

전시장소: 서울시 종로구 인사동 41-1 인사아트센터 B1, 제주갤러리

※오픈식: 7월 23일 목요일 오후 5시, 제주갤러리

작가 ㅣ 김나정

전시 기간 ㅣ 2026.7.15.(Wed)- 7.26.(Sun)

소개 ㅣ우리는 어떤 장면을 오래 바라볼 때, 눈앞의 형상보다 그 너머에 남아 있는 기운을 먼저 마주하게 된다. 분명 존재하지만 쉽게 붙잡히지 않는 흔적, 시간이 지나도 사라지지 않는 감각은 기억과 현재를 조용히 겹쳐 놓는다. 이번 기획전은 그러한 미묘한 순간들을 따라가며, 눈에 보이는 것과 보이지 않는 것 사이의 간극을 탐색한다.

김나정 작가는 하나의 완결된 이미지를 제시하기보다 여러 겹의 표면과 희미한 흔적을 통해 끊임없이 변화하는 풍경을 만들어낸다. 투명한 섬유 위를 스치는 선과 바느질, 겹쳐진 이미지들은 서로를 가리지 않고 스며들며 깊이를 형성한다. 가까이에서는 섬세한 물성과 손의 움직임이 드러나고, 한 걸음 떨어져 바라볼 때에는 서로 다른 층위가 하나의 호흡처럼 이어진다.

작가에게 섬유는 단순한 매체가 아니라 시간과 감각을 품는 장소이다. 오간자의 투명한 결은 빛과 시선에 따라 끊임없이 달라지고, 겹쳐진 표면은 하나의 정답 대신 다양한 해석의 가능성을 열어 둔다. 작품 앞에서 관람자는 선명함보다 흐릿함 속에서 더 많은 것을 발견하게 되며, 그 과정에서 자신의 기억과 경험 또한 자연스럽게 화면 위에 포개진다.

모든 변화는 또 다른 모습으로 이어지고, 남겨진 흔적은 새로운 감각을 만들어낸다. 작가는 사라짐을 상실이나 끝으로 바라보지 않는다.  완전히 붙잡을 수도, 완전히 잃어버릴 수도 없는 순간들은 서로를 비추며 현재를 더욱 깊고 풍부하게 만든다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월,화 휴관, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  https://linktr.ee/galleryharang

Oval Bloom, 90.9x72.7cm, Hand Stitch and Mixed media, 2026

Lingering Trace, 72.7x60.6cm, Hand Stitch and Mixed media, 2026

Fading Petals, 90.9x60.6cm, Hand Stitch and Mixed media, 2026

작가노트 ㅣ나에게 ‘사라지는 영원’은 도달해야 할 어떤 초월적 시간이나 변하지 않는 상태가 아니다. 그것은 같은 자리를 맴도는 몸의 움직임 속에서, 조금씩 닳고 어긋나며 생성되는 시간의 감각이다. 같은 동선을 걷고, 같은 손짓으로 선을 긋고, 표면 위에 레이어를 쌓는 동안 화면은 흐려지고 형태는 해체된다. 그러나 그 흐릿함 속에서도 완전히 사라지지 않는 잔상과 미세한 떨림이 남는다. 나는 그 상태를 ‘사라지는 영원’이라 부른다. 

이 작업에서 반복은 동일한 것의 재현이 아니라, 매번 다른 차이를 만들어 내는 생성의 리듬이다. 꽃의 형상은 되돌아오지만 같은 모습으로 머물지 않고, 선은 같은 자리를 지나면서도 흔들리고 어긋난다. 레이어는 서로를 덮으면서도 완전히 지우지 못한 채 잔상으로 남아 공존한다. 이러한 반복은 고정된 형태를 유지하기보다, 끊임없이 사라지고 변형되며 이어지는 시간의 흐름을 드러낸다. 

‘사라지는 영원’은 소멸과 영속이 대립하지 않는 지점에서 발생한다. 사라짐은 끝이 아니라 새로운 형상으로 이동하는 과정이며, 영원은 그 운동 속에서 감지된다. 완전히 남아 있지도, 완전히 사라지지도 못한 채 중간 어딘가에 머무는 상태, 그 불확정적인 시간의 층위가 이 작업의 중심이다.

작업 속 레이어는 세 가지 시간의 감각을 동시에 드러낸다. 반복되는 손의 움직임과 바느질, 선 긋기는 몸에 각인된 ‘습관의 시간’을 형성한다. 겹쳐진 표면 아래 희미하게 남은 흔적들은 현재와 함께 존재하는 ‘기억의 시간’을 만든다. 그리고 매번 다른 방식으로 해체되고 구성되는 형상들은 차이를 반복하는 ‘영원의 시간’을 가리킨다.

섬유는 이러한 시간의 감각이 머무는 물질적 조건이다. 오간자의 얇고 투명한 표면은 겹쳐질수록 더 불분명해지고, 선과 이미지들은 층 사이에서 번진다. 이때 섬유는 단순한 재료가 아니라, 몸과 세계 사이에 놓인 제2의 피부처럼 작동한다. 쉽게 닳고 주름지며 흔적을 남기지만 완전히 제거될 수 없는 감각의 층으로서, 영원은 이 피부 위에 붙어 있다.

이 전시의 시간은 직선적으로 흐르지 않는다. 시작과 끝을 향해 나아가기보다, 같은 자리를 반복하며 어긋나는 루프를 형성한다. 그 속에서 형상은 희미해지고, 의미는 고정되지 않은 채 분산된다. 영원은 하나의 중심으로 수렴하지 않고, 서로 다른 레이어와 흔적 사이에서 발생하는 미세한 차이들의 집합으로 흩어진다.

결국 ‘사라지는 영원’은 삶과 죽음, 존재와 소멸 사이에 길게 놓인 중간의 시간이다. 그것은 저편의 세계가 아니라, 지금 여기에서 사라지면서도 완전히 사라지지 않는 현재의 두꺼운 층위다. 나는 그 중간 지대에서 발생하는 미세한 떨림을 따라가며, 반복 속에서 드러나는 영원의 얼굴을 더듬는다.

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

날카로운 도시의 소음으로부터 숨을 돌리는 심리적 도피처(Sanctuary)이자, 

캔버스라는 통제 가능한 공간에서 펼쳐지는 내면의 성소라고 볼 수 있다. 

화면을 가득 채우는 강렬한 라임 옐로우와 포레스트 그린의 대비, 

그리고 역동적인 질감은 인위적 통제를 거부하는 내면의 야성을 시각적으로 폭발시킨다. 

그의 “심리적 정원”은 ‘바라봄’의 대상에서 땅을 뚫고 솟아나는 ‘자라남’의 존재를 보여준다.

이번 전시는 박경희 작가님의 개인전

<기억의 레이어, 골목이 품은 푸른 숨의 방>을 소개합니다.

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이번 전시에서 박경희 작가님은 우리에게 익숙한 '골목'을 단순한 풍경이 아닌,

시간과 기억이 켜켜이 쌓인 삶의 공간으로 바라봅니다.

작가에게 골목은 집 밖에서 처음 마주하는 세상이자,

수많은 사람들의 흔적과 이야기가 축적된 거대한 기억의 저장소입니다.

이번 전시가 관람객 여러분께 익숙한 풍경 속에서 새로운 시선을 발견하는 시간이 되기를 바랍니다.

 예술의 공급과 소비는 철학적 담론 이전에, 인간이 삶을 영위하며 마주하는 가장 솔직한 결핍과 맞닿아 있다. 대중이 일상 공간의 문턱이나 벽 한편에 특정 상징을 담은 시각 매체를 자발적으로 들여놓는 현상은 미신이나 취향의 문제를 넘어선다. 그것은 치열한 각자도생의 삶 속에서 ‘무사히 오늘을 건너고 싶다’는, 그리고 ‘내일은 조금 더 풍요롭기를 바란다’는 안녕(安寧)에 대한 본질적인 기원의 흔적이다. 과거 우리 선조들이 민화를 통해 복을 구하고 애환을 달랬던 것처럼, 오늘날의 현대인 역시 여전히 삶을 지탱해 줄 따뜻한 위로와 긍정적인 에너지를 필요로 한다.

 이번 전시는 역사적 도상의 추적을 넘어, ‘인간 개개인의 소망은 과연 어디에서 발원하는가’에 대한 질문에서 출발한다. 인간은 존재론적 불안을 마주하며, 삶의 과정에서 자신만의 안전지대(Safe Zone)를 구축하려는 본능을 지닌다. 본 작업은 바로 이 지점, 외부의 불안을 무력화하기 위한 인간의 보편적인 기원과 방어 기제를 결합하여 동시대의 시각 언어로 풀어내려는 시도이다.

 화면 속에는 전통적인 벽사기복의 도상인 호랑이와 모란, 토끼, 복숭아, 십장생들을 활용하여 오랜 시간 검증되어 온 행운과 수호의 상징들이 적극적으로 소환된다. 과거 무섭고 엄숙했던 영수(靈獸)들은 커다랗고 맑은 눈망울을 지닌 위트 있는 캐릭터로 전치되어 감상자의 경계심을 허문다.

 부귀의 모란을 나르고 장수의 불로초를 재배하는 이 다정한 수호신들은, 현대인의 불안을 치유하기 위해 시각적으로 만들어진 애착 대상이다. 이번 전시가 관람객 저마다의 안전지대를 확인하고, 삶을 지탱할 따뜻한 위로와 에너지를 얻어가는 자리가 되기를 바란다.

박경희 개인전 《생동하는 숨》

《재에서 생으로: 다시 쓰는 호흡》은 의성 산불 이후의 풍경과 시간을 예술의 언어로 다시 사유하는 2026년 안계미술관 릴레이 전시 프로젝트입니다. 이번 전시는 재난의 흔적을 단순히 기록하거나 애도하는 데 머무르지 않고, 상실 이후에도 지속되는 생명의 순환과 회복의 가능성을 바라보는 시선에서 출발합니다.

박경희 작가의 개인전 《생동하는 숨》은 불길이 휩쓸고 지나간 자리에서 다시 움트는 생명의 미세한 움직임을 화면 위에 담아냅니다. 화면을 가득 채우는 황금빛 형상들은 재 위를 가장 먼저 뒤덮는 새순이자 풀꽃이며, 자연이 스스로를 복원해 가는 생명의 리듬을 상징합니다. 유기적으로 흩어지고 다시 응집하는 빛의 군집은 끊임없이 순환하는 자연의 질서와 삶의 호흡을 은유하며, 상실을 넘어 다시 살아가는 존재들의 생명력을 조용히 드러냅니다.

작가는 산불의 상흔을 비극의 이미지로 재현하기보다, 그 이후에도 멈추지 않는 자연의 회복력과 그 안에서 피어나는 희망의 가능성에 주목합니다. 타버린 풍경은 끝이 아닌 또 다른 시작의 토양이 되고, 그 위를 채우는 생명의 빛은 기억을 지우는 것이 아니라 품고 살아가는 치유의 시간을 보여줍니다.

안계미술관은 이번 릴레이 전시를 통해 지역이 경험한 재난의 기억을 공동체가 함께 공유하고 성찰하는 문화적 서사로 확장하고자 합니다. 《재에서 생으로: 다시 쓰는 호흡》은 상처를 잊기 위한 전시가 아니라, 상실을 품은 채 다시 살아가는 삶의 의지를 이야기하는 전시입니다. 박경희 작가가 그려낸 《생동하는 숨》의 박동이 관람객 한 사람 한 사람의 마음속에 새로운 호흡으로 이어져, 살아내는 용기와 회복의 가능성을 함께 발견하는 시간이 되기를 바랍니다.

전시명: 박경희 개인전 <생동하는 숨>

전시일정:　7월 2일(목) ~ 8월 1일(토)

오프닝 리셉션 & 아티스트 토크: 7월 2일(목)　오후 5시

주최/주관: 안계미술관

후원: 한국문화예술위원회, 시각예술 창작주체(창작공간)

*이 전시는 한국문화예술위원회(아르코)의 ‘2026년 시각예술창작주체(창작공간)’의 지원을 받았습니다.

작 가 : 최은희 @art_choieunhee

기 간 : 2026.07.11- 07.26

시 간 : 오전 10시30분 - 오후 6시30분

장 소 : 초량로 79-6 1층 낭만시간연구소

주 차 : 부산동구초량로75번길11

기 획 : 낭만시간연구소

오프닝 : 2026.7.11. 토요일 오후 4시

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최은희 작가의 회화는 화이트 큐브의 전시장을 벗어나 야외 공간 ‘밖-앝’에서 자연과 시간 속에 놓였다. 작품은 비와 바람, 온도와 습도, 식물의 성장과 마모의 시간을 통과하며 서서히 자연과 동화된다. 그리고 다시 전시장으로 돌아온다. 이 이동의 과정은 회화가 어디에 있을 때 가장 자유로운가, 회화에 과연 해방의 상태가 가능한가라는 질문을 남긴다.

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이번 전시는 단순히 야외에 놓였던 회화를 다시 화이트 큐브 안으로 옮겨오는 데 머물지 않는다. 낭만시간연구소는 ‘밖-앝’에서 자연과 함께 변화한 회화를 이전과 같은 백색의 전시 환경으로 되돌려 놓기보다, 화이트 큐브와 야외 공간 사이의 중간지대에 위치시키고자 한다. 통제와 비통제, 보존과 소멸, 감상과 접촉이 교차하는 이 장소에서 회화는 벽에 걸린 보존 가능한 이미지라는 기존의 역할을 벗어난다.

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관객은 흰 벽에 걸린 작품을 일정한 거리에서 바라보는 방식에서 벗어나, 잔디 위에 놓인 회화와 가까이 마주하게 된다. 작품을 손으로 만지고, 발밑의 잔디를 밟으며, 변화하는 공간의 냄새와 온도, 습도를 감각한다. 이때 관객은 작품의 외부에 머무는 감상자가 아니라 전시가 진행되는 시간과 변화의 과정에 함께 참여하는 존재가 된다.

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화이트 큐브에서 출발해 ‘밖-앝’을 지나 다시 전시장으로 돌아오는 이 여정은, 회화가 자연과 만날 때 어떠한 새로운 존재 방식과 감각을 획득할 수 있는지 묻는다. 이번 전시는 전시 공간의 변화가 작품의 해방으로 이어질 수 있는지, 그리고 회화의 자유가 하나의 고정된 장소가 아니라 서로 다른 환경을 통과하고 관계 맺는 과정 속에서 어떻게 발생하는지를 함께 사유하는 시간이 되기를 바란다.

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글. 낭만시간연구소(김민서,여수현)

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#최은희개인전 #해방된회화 #부산전시 #부산역전시 #낭만시간연구소

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전시명:《붉은 달, 푸른 별》

작가: 이세현

전시기간: 2026. 7. 4 (토) – 7. 22 (수)

장소: 아트코드갤러리(서울시 강남구 언주로 130길 14)

전시 서문

달은 하나다. 별도 하나다.

그런데 누군가의 눈에는 붉게 보이고, 누군가의 눈에는 푸르게 보인다.

무엇이 같은 빛을 다른 색으로 만드는가.

이세현 작가의 붉은 산수는 군 복무 시절 야간 투시경을 통해 바라본 최전방의 풍경에서 출발했다. 칠흑 같은 밤, 적외선을 통해 보여진 단색으로 빛나던 아름답고도 두려운 풍경이 그 시작점이었다. 작가는 같은 자연을 어떤 렌즈로 보느냐에 따라 전혀 다른 색과 감정의 풍경이 펼쳐진다는 사실을 몸으로 체득한 사람이다.

그 밤, 하늘에는 달이 떠 있었다. 투시경 속에서 달은 더 이상 흰빛이 아니라 붉게 타오르는 하나의 점이었다. 같은 달을, 두 개의 눈으로, 두 개의 색으로 본 셈이다. 이후 그는 그날의 인상을 캔버스 위로 옮겨왔다. 붉은 산수는 그렇게 태어났다. 그리고 시간이 흐르며, 같은 산수는 푸른빛으로도 번역되기 시작했다. 하나의 풍경이, 하나의 하늘이 두 개의 색을 입었다. 어느 쪽이 진짜 달의 색인가, 어느 쪽이 진짜 별의 색인가. 질문은 여기서부터 시작된다.

색이란, 현대사회에서 실상 인간의 인식과 생각 그 자체다. 같은 사건과 같은 사실은 누군가에게는 희망의 색으로, 누군가에게는 경계와 불안의 색으로 받아들여진다. 그리고 이 모든 인식은 더 이상 우리의 두 눈이 아니라, 알고리즘이라는 또 하나의 '투시경'을 통해 걸러진 채 도달한다.

우리는 세상을 보는 것이 아니라, 우리에게 보여진 것을 본다. 그리고 그렇게 본 것을 '사실'이라 부른다. 이세현이 투시경을 통해 마주했던 붉은 달처럼, 오늘 우리가 마주하는 세계 역시 누군가의, 혹은 무언가의 필터를 거친 단색의 풍경일지 모른다.

이번 전시는 이세현의 붉은 산수와 푸른 산수를 나란히 놓는다. 둘 중 하나가 진실이고 다른 하나가 거짓이라고 말하기 위해서가 아니다. 같은 풍경, 같은 사실이 어떤 필터를 거치느냐에 따라 완전히 다른 진실로 보일 수 있다는 점을 시각적으로 체험하게 하기 위해서다. 이는 정치적 진영을 지지하거나 비판하기 위함이 아니라, 우리가 무언가를 '본다'고 믿는 행위 자체에 대한 질문을 던지기 위함이다.

가까이 다가가면, 산수 속에는 작은 마을과 길, 사람들의 흔적이 숨어 있다. 멀리서 보면 하나의 거대한 풍경이지만, 가까이서 보면 그 안에 무수한 디테일이 존재한다. 어쩌면 우리가 지금 너무 멀리서, 너무 빠르게, 너무 단순한 색으로만 저 달과 별을 보고 있는 것은 아닐까.

이 전시는 답을 주지 않는다. 다만 묻는다.

지금 당신이 보고 있는 색은, 달과 별이 가진 색인가, 아니면 당신의 렌즈가 입힌 색인가. 그리고 그 렌즈를 내려놓았을 때, 당신은 어떤 색으로, 어떤 가치로 세상을 바라보며 살아가고 싶은가.

붉은 달과 푸른 별 사이, 그 어딘가에서 — 당신의 눈을, 당신의 감각을 찾아보길 바란다.

이세현_Between Blue- 017OCT03_Oil on Linen_100x 100cm_2017 이세현_Beyond Blue - 026MAY01,162.2cmx 130.3cm ,Oil on Linen, 2026

이세현_Beyond Blue -022AUG01_Oil on Linen_80x 200cm_2022

이세현_Beyond Red - 025NOV01_80x 200cm_Oil on Linen_2025

아트코드갤러리

전화: 0507-1400-6359

이메일: galleryartcode@gmail.com

인스타그램: @artcode_gallery @artcode_choi

홈페이지: www.artcode.co.kr

주소: 서울시 강남구 언주로 130길 14

청주 갤러리원 A관 전호 수채화전

갤러리 원 청주점에서 전호 수채화전이 전시 진행됩니다.

07월 09일부터 07월 22일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.07.09 (목) ~ 2026.07.22 (수)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​