김주영(파리 1대학 조형예술학 박사)

이경희(Lee, Kyunghee)

서울대학교 조소과 동대학원 미술학박사

개인전 11회 및 광주비엔날레, 미디어시티 2000, 청주국제 공예비엔날레, 국립현대미술관 신소장품전, 김종영미술관특별기획전 등 다수의 국내외 그룹전

작품소장: 국립현대미술관, 마석모란미술관, 양평군립미술관, 고려사이버대학교, 광화문역, 동아일보 등

영국뉴캐슬대학교환교수, 미국버클리대학 방문교수, 고려사이버대학교 창의공학부 교수 역임

​                                                                                   ​ ​                                                                                                                  

보이지 않는 것들을 변호하며

​                                                                                   ​ ​                                                                                                                  

사진을 논할 때 대부분의 작가는 이미지가 눈에 어떻게 보이고 포착되는지에 주목한다. 빛과 초점의 깊이(피사계 심도), 크기, 구도, 그리고 맥락 같은 변수들이 우리의 시각에 어떤 영향을 미치는지에 집중하는 것이다. 그러나 애초에 '보이지 않도록' 의도된 이미지들은 어떠한가? 처음부터 사람들의 시선에서 벗어나거나, 간과되거나, 전혀 다르게 오독되도록 설계된 이미지들 말이다.

이러한 물음은 줄리언 리(Julian Lee)가 펼쳐온 다채로운 예술 실천의 중심에 자리 잡고 있다. 그의 창작 태도는 개인적인 경험을 통해 형성된 세계관과 깊이 연결되어 있다. 서울에서 태어난 그는 청소년 시절을 남아프리카공화국 케이프타운에서 보냈는데, 당시 그와 남동생은 학교에서 유일한 아시아계 학생이었다. 남아공이 결코 단일 민족 국가는 아님에도 불구하고, 그가 겪어야 했던 문화적, 언어적 장벽은 매우 도드라졌다. 이로 인해 그는 자신이 이방인이라는 사실을 끊임없이 의식하며 자라야 했다. 수년 후, 그가 독일 라이프치히 조형예술대학에 진학하기 위해 이주했을 때도 상황은 비슷했다. 그의 예술 철학은 이처럼 어디에도 속하지 못하는 '영원한 외부인'이라는 자신의 정체성에 치열하게 응답하는 과정에서 형성되었다.

이 시기 줄리언 리의 초기 예술 세계를 관통하는 핵심 모티프는 '크로마키(chroma key)' 기술에서 출발한다. 크로마키는 주로 초록색 스크린을 배경으로 두고 촬영한 뒤, 후반 작업에서 그 초록색 부분을 다른 이미지로 교체하여 원래 배경을 지워버리는 합성 기법이다. 작가는 역설적으로 자신의 사진 속에 추상적인 초록색 형상을 그대로 채워 넣음으로써, '시스템에 의해 지워질 운명에 처한 배경'을 눈앞에 시각화한다. 이는 그가 남아공과 독일이라는 서구 사회의 주변부에서 살아오며 점차 더 깊이 공명하게 된 자신의 입장과 맞닿아 있다.

그의 크로마키 작업들은 사회의 중심이 아닌 변두리에서 살아가는 이들의 위태로운 감각을 보여주며, 우리가 당연하게 받아들이는 지배적인 시선과 사회적 조건들에 의문을 제기한다. 세상의 중심적인 시선 속에서 자신의 존재가 끊임없이 지워지는 현실을 마주해 온 경험이, 자연스럽게 기존의 질서와 상식에 도전하려는 태도로 이어진 것이다.

오늘날 시각 문화에서 크로마키는 너무나 보편화되어, 색채 표준 기업인 팬톤(Pantone) 색상표에 업계 기준이 되는 특정한 초록색이 따로 등록되어 있을 정도다. 이처럼 너무나 흔해서 아무도 주목하지 않는 요소를 작품의 전면에 내세우는 영리한 전략은, 현대 사회에서 이미지가 작동하는 방식에 대한 작가의 날카로운 비판적 탐구이다. 우리가 무엇을 볼 것인가는 과연 누가, 어떤 기준으로 결정하는가? 이미지는 어느 시점에 이르러서야 비로소 세상에 유통되고 소비될 만큼 '완성된 상태'로 인정받는가? 그리고 사회적 시스템에 의해 대중 앞에 드러나는 것이 금지된 이미지들은 어떤 운명을 맞이하는가? 이러한 질문들을 던지며, 줄리언 리가 두 번째 시각적 모티프로 차용한 '사진 초점 차트(focus charts)'가 새로운 시급성을 띠고 등장한다. 작가는 사진 촬영의 보조 도구에 불과했던 무미건조한 차트들을 그 자체로 논쟁적인 주인공으로 격상시킨다.

흑백의 추상적인 기호들로 이루어진 초점 차트는 언뜻 보면 단순하지만 깊은 의미를 전달한다. 사진작가들에게 이 차트는 정확한 초점을 맞춤으로써 촬영의 실수를 줄이기 위한 필수 도구다. 사진에 완벽한 '현실감'을 부여하기 위해 꼭 필요한 도구이지만, 역설적으로 최종 사진이 찍히기 직전에는 언제나 화면 밖으로 치워져 사라져야 하는 운명을 지녔다. 그러나 작가는 이 일시적인 대역들을 화면의 중심에 어엿한 주인공으로 세우고, 종종 그 중립성을 훼손할 만한 어떤 맥락도 없이 차트 그 자체의 순수한 형태로 제시한다. 이제 전시장에 걸린 이 이미지들은 단순한 도구가 아니라, 그 자체로 온전히 감상되어야 할 고유한 가치와 정당성을 지닌 하나의 독립된 작품으로 존재하게 된다. 비로소 보이기 위해 존재하는 대상이 되는 것이다.

바로 이 지점에서 이미지의 기원은 물론, 시간이 흐르면서 이미지의 의미가 변하는 방식을 둘러싼, 리의 작업 세계 속 '창작자의 권위(저작성)'와 '의도'에 대한 거대한 문화적 담론이 시작된다. 오늘날 우리는 어떤 이미지든 인터넷으로 검색하고 다른 자료와 비교하고 조작할 수 있으며, 그리하여 세상이 미리 정해놓은 무수한 해석을 뒷받침하도록 만들 수 있는 시대를 살고 있다. 이러한 시대에 나타나는 흥미로운 증상 중 하나는, 우리가 가진 기존의 분류 방식이나 상식으로는 도저히 설명하기 어려운 이미지를 마주했을 때 느끼는 당혹감(인지적 불협화음)이다. 모든 시각적 자극을 깔끔하게 정리된 카테고리 안에 집어넣으려는 우리의 끊임없는 노력에도 불구하고, 인간이 만든 이미지 중에는 이 같은 신경적 성향을 끝내 거부하는 예외적인 사례들이 분명히 존재한다.

우리 모두에게는 이성적인 논리를 넘어서는 강력한 힘을 발휘하는 특정 이미지들이 있다. 마음속 깊은 곳에 묻혀 있던 무의식을 건드리거나, 너무나 독특해서 시선을 단번에 붙잡고 정신을 사로잡는 이미지들 말이다. 앞서 언급한 크로마키나 초점 차트가 현대 시각 예술이 던지는 풀리지 않는 질문이라면, 줄리언 리의 가장 최근 작업은 이러한 시각적 위태로움의 뿌리를 사진이라는 현대적 기술 너머의 까마득한 과거에서 찾는다. 그는 기계적인 이미지 생산 방식을 넘어, 한반도 청동기 시대 주민들이 남긴 추상적인 암각화(바위 그림)로 눈을 돌린다. 오늘날 울산 외곽에 남겨진 이 바위 그림들은 현대 학자들에게 여전히 거대한 수수께끼다. 특히 고래나 호랑이 같은 주변의 다른 동물 그림들과 달리, 이 그림들은 아무런 실용적인 목적이 없어 보이는 기하학적인 원형 패턴을 반복하며 무엇을 표현한 것인지 도무지 알 수 없는 모습을 띠고 있기 때문이다.

이 고대의 이미지들은 아직 밝혀지지 않은 진실을 드러낸다. 비록 이 이미지들이 반영하는 세계관이 현대의 언어와 분석법으로는 도저히 포착될 수 없고, 오늘날을 사는 우리에게 그 의미가 명확히 읽히지 않을지라도, 그것들은 그럼에도 그 자체로 엄연히 존재하는 유효한 시각적 기호로 남는다. 이 이미지들의 진실은 자신의 삶과 이야기가 세상의 주류에서 벗어난 '부차적인 것'으로 취급받아 온 작가에게 본능적인 차원에서 깊은 공명을 일으킨다. 그의 작품 속에서, 주류 세상의 시선으로부터 지워지고 배제되었던 이미지들은 역설적으로 관람객을 더욱 비판적이고 새로운 시선으로 이끄는 결정적인 역할을 한다. 그것은 세상이 정해놓은 인지적 위계질서와 상관없이 작동하는 평등한 시선이다. 작가는 이 작업을 통해, 비록 그것이 우리의 분류체계 속에서 아무리 난해하고 이해할 수 없는 것일지라도 세상에 시각적으로 존재하는 모든 것은 동등하게 주목받을 자격이 있다는 사실을 단호하게 선언하고 있다.

앤디 세인트루이스 Andy St. Louis (프리즈 하우스 디렉터)

작가 약력

​                                                                                   ​ ​                                                                                                                  

줄리언 리 Julian Kyusang Lee

kyusangleestudio@gmail.com | juliankyusanglee.com | @kyusangleejulian

학력

2024  라이프치히 조형예술대학 마이스터슐러 과정 졸업(Prof. Christin Lahr 사사), 라이프치히, 독일

2016  케이프타운 대학교 순수미술 학사 졸업, 케이프타운, 남아프리카공화국

주요 개인전

2026  Off-line IMAGE, OCI미술관, 서울

2024  Ostinato Interstice Rendering, Techne Sphere, 라이프치히, 독일

주요 단체전

2026  AETHER COMMONS: Refracted Cosmologies, Fundacja Stefana Gierowskiego, 바르샤바, 폴란드

2024  Dior Photography and Visual Arts Award, LUMA Arles, 프랑스

        Gute Aussichten - Junge Deutsche Fotografie 2024/25, Deichtorhallen, 함부르크 /  Landesmuseum, 코블렌츠 / Städ sche Galerie    Nordhorn, 노르트혼, 독일

2022  documenta fifteen, 카셀, 독일

2019  Still Here Tomorrow To High Five You Yesterday…, Zeitz MOCAA, 케이프타운, 남아프리카공화국

수상/선정

2026  OCI YOUNG CREATIVES, OCI미술관

2025  Gute Aussichten - Junge Deutsche Fotografie, 독일

2024  Dior Photography and Visual Arts Award for Young Talents, 프랑스

2023  Ketterer Kunst Masterclass Preis für Junge Kunst, 독일

2020  대한민국 국방부 장관상

2017  Celeste Prize 사진 부문, 영국

지원

2024  Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, 독일

소장

Zeitz MOCAA, 케이프타운, 남아프리카공화국

정복되지 않은 세계

​ ​                                                                                   ​ ​                                                                                                                 

사라진 이야기, 남겨진 이미지

​ ​                                                                                   ​ ​                                                                                                                 

우리는 종종 이미 지나간 것으로 여겨지는 과거가 실제로는 전혀 끝나지 않은 채 현재의 감각과 인식 속에 머물러 있음을 경험한다. 사건은 사라지지만 그것을 둘러싼 감각과 이미지, 그리고 설명되지 않은 서사들은 형태를 바꾸어 지속된다. 이 전시는 바로 그러한 잔여로서의 과거, 그리고 그로부터 벗어나기 위한 시도에서 출발한다. 서도이의 작업은 특정 사건의 재현이나 기록을 목표로 하지 않는다. 오히려 그는 경험을 하나의 고정된 사실로 남겨두기보다, 다시 배열되고 재구성될 수 있는 가능성으로 다룬다. 작가에게 경험은 완결된 것이 아닌 언제든 다른 방식으로 읽힐 수 있는 열린 구조이다. 이때 중요한 것은 ‘무엇이 실제로 있었는가’가 아니라, 그것이 어떤 서사로 조직되고 어떤 이미지로 남아 있는가이다.

작가는 이러한 문제를 ‘역할놀이’라는 개념을 통해 확장한다. 삶이 하나의 각본이라면 그것은 수정 가능하며 다른 결말로 이어질 수 있다. 주어진 역할에 머무르지 않고 다른 위치로 이동하는 순간, 동일한 사건은 전혀 다른 의미를 갖게 된다. 서도이는 그리기라는 방식을 통해 세계를 인식하며, 이러한 접근은 그의 작업 전반을 관통해온 의례적 구조와도 깊이 연결되어 있다. 그가 과거에 경험한 제의와 반복적인 의식들은 보이지 않는 세계를 호출하는 방식이었고, 그 과정에서 형성된 감각은 이후 작업의 중요한 토대가 되었다. 의례는 단순한 행위가 아니라 존재하지 않는 것을 존재하는 것처럼 경험하게 만드는 장치이며, 이야기와 믿음은 그 장치를 작동시키는 핵심 요소이다.

이번 전시 《정복되지 않은 세계》는 이러한 의례적 감각과 서사적 구조를 회화로 확장한 결과물이다. 특히 ACT3로 이어지는 작업은 이전의 퍼포먼스적·서사적 실험에서 한 걸음 더 나아가, 이미지 자체가 하나의 세계를 구성하는 방식에 집중한다. 여기서 회화는 더 이상 어떤 사건을 설명하거나 증명하는 도구가 아니라, 보이지 않는 것을 감각적으로 호출하는 매체로 작동한다.

작가의 화면에 등장하는 나무, 숲, 별, 팽이와 같은 상징들은 특정한 의미를 지시하기보다 인류가 오랫동안 공유해온 보편적 의미를 바탕으로 하면서도 작가 개인의 경험과 맥락이 중첩된 형태로 작동한다. 별이 가능성을, 숲이 두려움이나 과거를 환기하듯, 이러한 도상들은 일정한 의미의 층위를 지니는 동시에 반복과 변형을 거치며 하나의 장면을 형성한다. 이러한 이미지들은 고대의 신화나 벽화를 연상시키며 시간의 층위를 지운 채 원형적인 상태로 되돌아간다. 흑연으로 스케치를 한 뒤 유화를 스머징하는 방식은 이러한 감각을 더욱 강화하며, 화면의 표면은 마치 오래된 기억의 흔적처럼 불확실하고 미끄러운 상태를 유지한다. 이때 회화는 어떤 대상을 재현하는 것이 아니라, 이미 사라졌거나 애초에 실체가 없었던 이야기들을 시각적 경험으로 환원하는 과정이 된다. 관람자는 화면 속에서 명확한 서사를 읽어내기보다, 파편화된 이미지와 상징들 사이에서 스스로 연결을 만들어내게 된다. 이러한 경험은 단순한 감상을 넘어, 각자의 기억과 감각을 호출하는 하나의 장으로 확장된다.

존재하지 않지만 강하게 체험되는 세계를 회화로 드러낸다는 점에서, 서도이의 작업은 힐마 아프 클린트의 회화와 중요한 접점을 형성한다. 다만 이 연결은 형식적 유사성보다는 ‘보이지 않는 것을 어떻게 이미지로 번역하는가’라는 근본적인 질문 위에 성립한다. 아프 클린트가 영적 체험을 바탕으로 물리적으로 존재하지 않는 질서를 회화로 전달하려 했다면, 서도이에게 ‘존재하지 않는 세계’는 초월적 차원이라기보다 경험 이후에 남겨진 심상과 서사의 층위에서 발생한다. 그것은 외부에 실재하는 세계가 아니라, 축적되고 변형된 감각과 기억의 구조 속에서 형성된다. 이때 회화는 어떤 진리를 전달하는 도구가 아니라, 사라진 것들을 다시 감각적으로 구성하고 새로운 심상을 촉발하는 장치로 기능한다.

작가는 최근 작업에서 이러한 과정을 서로 다른 개념의 교차 속에서 더욱 분명하게 드러낸다. 그는 자신의 삶을 하나의 인과적 구조로 바라보며, 그 안에서 주어진 경로를 다시 뒤집는다. 예측 가능한 결과로 이어질 것 같았던 흐름은 어느 순간 단절되고, 그 자리에 새로운 시작점이 생성된다. 이때 등장하는 ‘중성자별’의 이미지는 이러한 전환을 상징적으로 보여준다. 모든 에너지를 소진한 별이 스스로 붕괴하면서 동시에 새로운 형태로 재탄생하듯, 작가는 과거의 서사를 해체하고 다른 방식으로 다시 구성한다. 이 과정에서 중요한 것은 과거를 완전히 지우는 것이 아니라, 그것이 더 이상 단일한 방향으로 작동하지 않도록 만드는 것이다. 즉, 하나의 사건이 하나의 의미로 고정되는 것을 거부하고, 다양한 가능성의 장으로 전환시키는 것이다.

《정복되지 않은 세계》라는 제목은 바로 이러한 태도를 함축한다. 여기서 ‘정복되지 않았다’는 것은 어떤 외부의 힘에 의해 지배되지 않는 상태를 의미하는 동시에, 하나의 해석이나 서사로 환원되지 않는 상태를 가리킨다. 세계는 단일한 의미로 설명될 수 없으며, 완전히 이해하거나 소유하는 것 역시 불가능하다.

서도이의 작업은 이러한 불가능성을 결핍이 아니라 가능성으로 전환한다. 세계가 완전히 정복될 수 없기 때문에, 우리는 끊임없이 새로운 방식으로 그것을 상상하고 구성할 수 있다. 그리고 그 과정에서 생성되는 이미지들은 단순한 표현을 넘어 우리의 감각과 인식을 다시 조직하는 힘을 갖는다.

이 전시는 결국 하나의 제안으로 읽힌다. 과거를 고정된 이야기로 받아들이는 대신, 그것을 다시 쓰고 다시 그릴 수 있는 대상으로 바라보는 것. 보이지 않는 것을 상상하고, 존재하지 않는 장면을 만들어내는 것. 회화는 그 가능성이 가장 밀도 높게 응축되는 장소이며, 우리는 그곳에서 비로소, 아직 정복되지 않은 세계와 마주하게 된다.

홍이지(국립현대미술관 학예연구사)

작가 약력

​ ​                                                                                   ​ ​                                                                                                                 

학력

2017  인천대학교 조형예술학부 서양화과 학사 졸업

주요 개인전

2026  정복되지 않은 세계, OCI미술관, 서울

2025  Time Axis, 콤플렉스, 서울

2020  Dixit Dominus Domino Meo – 도미노, 숭배자들의 게임, 0 갤러리, 서울

2018  죽은 민영이의 49재, space xx, 서울

          죽은 민영이의 장례식, 예술공간 땅속, 서울

주요 단체전
2025  MICRO HISTORY, 스페이스 소, 서울
          마중물, 김리아갤러리, 서울
2024  소품물(小品物) Part. 2, 오온, 서울
          Pieces of Us, 도잉아트, 서울
          A Page of Roots, 경기예술인의집, 수원
2018  몽테 소사이어티: 오늘을 그리다, 조선대학교미술관, 광주
          적응방산, 대안공간 눈, 수원
          생체실험실 2018, 룬트갤러리, 서울
2016  모두의 이빨은 대체 어디로 갔을까, 공간 듬, 인천
          황홀경, 더텍사스프로젝트, 서울

수상 / 선정
2026  OCI YOUNG CREATIVES, OCI미술관
2019  올해의 양성평등문화상 ‘신진여성문화인상' 수상, (사)여성·문화네트워크
2018  최초예술지원 창작발표형 선정, 서울문화재단

레지던시

2017  Westfjords Residency, 아이슬란드

떠도는 짐승과 낯선 이에게 II, 24x34cm, Mixed media on plaster, 2026

떠도는 짐승과 낯선 이에게 I, 24x34cm, Mixed media on plaster, 2026

A와 D의 모험, 33x24cm, Mixed media on plaster, 2026

Beauty and Tragedy, 12.8x17.5cm, Mixed media on plaster, 2026 (전면)

Beauty and Tragedy, 12.8x17.5cm, Mixed media on plaster, 2026 (후면)

작가노트 ㅣ 어느 여행지를 떠나기 전날 아침이었다. 산책로를 걷다 눈앞에 펼쳐진 올리브밭과 그 주위를 맴도는 풀내음 속에서 황무지를 헤매던 한 마리 짐승과 주인이 만나는 이미지가 떠올랐다. 이유는 알 수 없었다. 서로 다른 멜로디가 우연히 연결되듯 머릿속에 떠도는 이미지들은 때때로 기묘하게 연결되고 뒤섞인다. 

감각을 통해 축적된 기억과 경험은 무의식의 표면을 떠돌며 설명할 수 없는 방식으로 이미지를 연결하고 결합해 뇌리에 떠올랐다가 가라앉는다. 이미지를 그려내는 일은 무의식의 사이를 떠도는 파편들을 몸의 기억으로 줍거나 기워내는 과정이다. 몸이 기억하는 균형과 비례로 떠도는 형상을 물리적 표면으로 옮기며 내가 모르는 ‘나’를 알아간다. 미지의 ‘내’가 남긴 흔적들로 그의 생각을 추적하고 상상하고 직조하며 되새긴다.
  

석회를 바른 캔버스와 불규칙한 모양의 석고 위에 수없이 연결되고 해체되는 이미지의 흔적을 그려나간다. 내가 모르는 ‘나’의 일부를 곱씹는다. 오랜 시간이 지나도 남아있는 벽화처럼, 단단한 표면에 복잡한 이미지를 새기며 내가 모르는 낯선 ‘나’를 떠올린다. 

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (매주 월요일 휴관, 무료관람)
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  https://linktr.ee/galleryharang
 
* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

Artist Statements

대구의 금호강은 자호천, 고촌천 등 모두 17개의 제1지류와 31개의 제2지류, 그리고 3개의 제3지류가 합수하여 형성되는 낙동강의 제1지류이다. 길이가 약 45km인 강을 따라 넓고 길게 자리한 습지에는 다양한 동식물이 살고 있으며, 각종 농작물의 재배지로 시민들에게는 유용하게 이용되고 있다. 또한, 금호강을 따라 자리 잡은 공단들은 대구의 산업 발달에 큰 도움이 되고 있고 강을 따라 낚시, 산책, 조깅 등을 즐기는 사람들에게 공간을 제공함으로써 여가와 휴식을 위한 소중한 장소가 되고 있다. 

금호강의 중류에 대구의 3대 습지 중 하나인 팔현습지는 수성구 가천잠수교로부터 강의 물길을 따라 동구 화랑교까지 약 5km에 이르는 구간으로 전체의 면적이 220만m2에 달하는 띠 형태의 하천형 습지이다. 이곳의 조류는 대부분이 오리과 Anatidae 겨울 철새이고, 특히 절벽인 하식애 아래로 형성된 100년 이상의 왕버들숲과 여울이 있어 수리부엉이, 삵, 수달 등 법정 보호종이 서식하는 중요한 보존구간이다. 

최근에는 낙동강유역환경청이 추진하는 ‘금호강 고모지구 하천정비사업’중 하나로 단절된 산책로 연결을 위한 보도교 건설 공사를 계획하였고 환경의 훼손을 고려하여 설계까지 변경되었으나 지금은 일시 중단되고 여론의 수렴 단계에 머물러 있다. 현재는 시민들의 보행 편의를 위한 개발과 생태환경의 보존이 팽팽하게 맞서 있어 여론 수렴의 결과에 따라 방향이 결정될 것으로 보인다. 또한, 생태계를 원형 그대로 보존하기 위한 환경단체와 시민들의 요구를 받아들여 대구시는 환경부에 국가습지보호구역 지정을 추천하는 방안을 검토하고 있다. 

나는 자연과 사회 속에서 끓임 없이 변화하고 사라지는 소멸의 궤적을 기록해오고 있다. 시간의 흐름과 개발의 논리 속에서 잊히고, 밀려나며, 결국은 흩어지는 존재들의 흔적을 잡아둔다. 팔현습지의 기록 역시 소멸의 위기 앞에 놓인 위태로운 생태계에 대한 묵도이자 생명의 맥박이 뛰고 있는 그들과의 긴밀한 눈 맞춤이다. 팔현습지는 단순히 아름다운 자연이 아니라 수리부엉이가 둥지를 틀고(작년 5월 중 수리부엉이는 다른 지역으로 이동했을 것으로 추정되며, 현재는 이곳에서 보이지 않음) 수많은 야생 동식물이 기대어 숨 쉬고 있는 생명의 터전이다. 

습지에는 강변의 흐드러진 꽃 무리, 물결의 흐름에 따라 유연하게 춤추는 진녹색의 수초들, 바위 곁을 고요히 지키다 비상하는 왜가리, 풀숲 사이 조심스레 발걸음을 옮기는 고라니, 버드나무와 그 아래 얽혀 있는 잔가지들의 투영된 데칼코마니, 습지 가운데 자리 잡은 초록빛의 비오톱, 말라붙은 나무와 풀밭 사이에 솟아오른 두더지의 흙더미들, 물속 바위 위에 올라탄 가마우지의 역동적인 모습, 그리고 공사를 위한 붉은색 플라스틱 드럼통과 ‘No 23’ 빨간 깃발은 마치 COP23의 경고처럼 느껴진다. 

이번 전시는 공사와 시민들의 습지 교란으로 생긴 인위적 소멸이 아닌 개발의 유보를 넘어 온전한 국가습지보호구역으로 확정되기를 바라는 시각적 선언이다. 생명은 습지 안에서 외부의 간섭없이 자연적인 생성과 소멸이 반복되어야 하며, 자연이 훼손의 굴착기 앞에서 파괴되지 않도록 우리 스스로가 단단한 방파제가 되어주길 바란다. 지난겨울 누군가 눈 위에 맨손으로 새긴 ‘팔현습지를 지켜달라’는 간절한 표현과 햇살 내리는 이른 아침에 마주한 고라니의 맑은 눈빛을 나는 여전히 기억한다. 그러한 기억의 파편들이 박제로 남은 과거가 아닌 살아 숨 쉬는 현재와 미래로서 우리 곁에 함께 머물기를 희망한다.

■ 홈페이지 :원주 갤러리 원(@wonju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one

서울 인사동 제주갤러리에서는 오는 6월 10일(수)부터 6월 29일(월)까지 2026 제주갤러리 공모 선정 작가 양형석의 개인전 《탑림 塔林》을 개최합니다.

양형석 작가는 아주 오래전 인간의 간절한 바람으로 쌓인 돌 하나가 예술의 시작이었을 것이라 상상하며,

현대 예술가로서의 미적 표현과 제주를 아끼는 마음을 담아 ‘탑의 숲’을 조성하였습니다.

특히 이번 전시는 인파로 가득한 도시 속에서 인간의 욕망이 남긴 흔적이자 폐기물인 ‘현무암 슬러지’를 활용해, 제주 자연의 본질에 가까이 다가가고자 합니다.

많은 관심과 방문 부탁드립니다.

감사합니다.

제주갤러리 드림

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2026 제주갤러리 공모 선정 - 양형석 개인전 《탑림 塔林》

참여작가: 양형석

전시기간: 2026. 6. 10. (수) ~ 2026. 6. 29. (월), (매주 화요일 휴관)

관람시간: 10:00~19:00 (입장마감: 18:30)

전시장소: 서울시 종로구 인사동 41-1 인사아트센터 B1, 제주갤러리

※별도의 오픈식 없음

《소프트 선샤인》

서리풀청년아트갤러리는 청년 예술가의 폭넓은 작품 세계를 조명하고, 전시와 문화프로그램을 통해 예술가들이 성장할 수 있는 활동의 장을 마련해 오고 있다.

 2026년에는 한우리정보문화센터와의 협력을 통해 장애 예술인의 예술적 실천을 지역사회와 연결하고, 보다 포용적인 방식의 문화 향유를 나누는 자리로서 의미가 있다.

《소프트 선샤인》은 참여 작가들이 세상을 바라보는 저마다의 시선에서 출발한다. 

우리는 종종 익숙한 풍경과 감정을 빠르게 지나쳐 버리곤 한다. 그러나 어떤 시선은 일상의 작은 장면과 사소한 기억을 쉽게 흘려보내지 않는다. 

바람이 지나가는 방향, 식물 위로 드리워진 빛과 그림자, 동물의 털 한 가닥, 유년의 기억과 같은 장면들은 작가들의 화면 안에서 각자의 조형 언어로 재구성된다.

김기정은 반복적인 관찰과 세밀한 붓질을 통해 작가가 느낀 작은 감각과 시간의 흐름을 촘촘하게 쌓아 올리고, 이승윤은 자유롭게 색과 면을 구성하여 독창적인 회화적 공간을 만들어낸다. 

조영배는 주변에서 마주한 이미지와 순간들을 자기만의 언어로 형상화하며, 황보현은 밝고 따뜻한 색감으로 유년의 기억과 희망의 정서를 풀어낸다. 

서로 다른 방식으로 축적된 시선과 장면들은 이번 전시 안에서 하나의 다정한 정경으로 조망된다.

《소프트 선샤인》은 4명의 참여 작가가 고유한 눈으로 세계를 바라보고 사유해 온 과정을 담아낸 회화 작업으로 구성하였다.

관람객은 작품 앞에 잠시 머물며 작가들이 오롯이 쌓아 올린 흔적들을 들여다보게 된다. 우리가 쉽게 지나쳐왔던 일상 속 작은 순간들을 다시 바라보며, 각자의 속도로 온전히 머물러보는 시간이 되기를 바란다.

서리풀청년아트갤러리

| 전시명: 《소프트 선샤인》

| 전시기간: 2026.05.30.(토) - 06.14.(일)

| 관람시간: 화-일 11:00-22:00(월, 공휴일 휴무)

| 참여작가: 김기정, 이승윤, 조영배, 황보현

| 주최: 서초구청

| 주관: 서초문화재단, 서초구립 한우리정보문화센터

전시 연계 프로그램 

<토요 도슨트 라이브> 

도슨트 연계 공연 프로그램 

| 일시 : 5월 30일(토), 6월 13일(토) 오후 2시/ 오후 3시 30분 (일 2회) 
| 장소 : 서리풀청년아트갤러리 
| 대상 : 누구나 신청 가능 
| 모집인원 : 회차별 50명 
| 내용 : 토요일 오후! 미술과 음악을 사랑하는 누구나 모여라! 예술의전당 앞 서리풀청년아트갤러리에서 전시를 듣고 공연을 만나는 특별한 시간
도슨트 프로그램 + 청년예술인 공연(2팀) 전시 도슨트(30분) + 클래식(15분) + 성악(15분) 
| 신청 : 갤러리 홈페이지 팝업 링크를 통한 구글폼 작성 

'토요 도슨트 라이브' 참여 신청서

서리풀청년아트갤러리

서리풀청년아트갤러리는 예술의전당 앞 지하보도를 활용하여 청년예술가들의 작품을 전시하고 다양한 문화프로그램을 운영하는 복합문화공간입니다.

* 도시의 ‘과잉’ 속에서 ‘공백’을 읽어내다, 윤원기 사진전 ‘텅 빈 밀도‘ 

* 2026년 6월 25일부터 7월 4일까지 충무로 ‘와이아트 갤러리’ 전시

와이아트 갤러리는 도시의 본질적인 정서와 그 이면을 관찰한 윤원기의 개인전 <텅 빈 밀도>를 선보입니다. 

이번 전시는 일관되게 소외와 고독, 소멸해가는 기억의 궤적을 쫓아온 윤원기는 도시의 고립감을 밀도 있게 파고듭니다. 도시의 복잡한 시각적 밀도 속에서, 작가는 그 틈새에 고인 고독의 형상을 발견해냈습니다. 본 전시는 우리가 사는 도시가 무엇으로 채워져 있으며, 동시에 무엇을 잃어가고 있는지에 대해 자문하게 합니다.

도시의 사물의 자취와 그림자의 농도, 이면에 존재하는 공백에 주목합니다. 주인을 잃은 정물, 낡은 벽면의 질감 등 무심히 지나쳤던 도시의 파편들을 외로움으로 반영하며, 도시라는 공간에 고립된 현대인들이 느끼는 불안과 그리움, 심리적 압박과 소외를 투영했습니다.

[작가 노트]

텅 빈 밀도_ Empty Density

채워질수록 멀어지는, 도시의 고립된 기록들

도시는 무언가로 가득 차 있다. 숨 막히는 밀도와 아득한 공백이 교차하는 자리에는 오직 사물의 자취와 그림자의 농도만이 짙어진다. 그 속에 흩어진 시간의 흔적을 찾아 대상을 바라보면, 가득 찬 존재가 아니라 빈 공간의 외로움이 남는다.

덧없는 것을 붙잡아 사라질 것들을 사진 속에 간직하는 일은, 우리의 삶이 스쳐 지나갔음을 말해주는 기록이다. 내게 사진은 뜻 모를 불안과 정체 모를 그리움이 담긴 불완전한 독백이자, 끝내 담지 못한 감정들의 조각과도 같다.

서로의 숨결이 닿을 만큼 촘촘한 도시에서 밀도가 더해질수록 고독은 깊어지고, 가장자리에 위태롭게 남은 낡은 공간들은 우리가 외면해 온 불안을 고스란히 드러낸다. 

주인을 잃은 골목의 정물, 빛을 잃어가는 벽면의 질감은 단순히 소멸해가는 대상이 아니라 현대인이 마주한 외로움의 반영이다. 이렇듯 도시의 표면에 가려진 이면을 통해, 잃어버린 마음의 그늘을 바라보는 일, '텅 빈 밀도'는 결핍에 대한 기록이다. 

'가득 차 있음에도 왜 공허한가.' 

화면을 가득 채운 입자는 도시라는 거대한 섬에 고립된 이들에게 건네는 무언의 위로이자 잔상이다. 비어 있음으로써 비로소 선명해지는 것들, 사라져가는 존재들이 남긴 흔적을 담아본다.

 

 

 

이번 전시 《FOR LONER》는 ‘고독’이라는 단어가 주는 무게감보다는, 오히려 혼자이기에 가능한 자유로운 상상의 상태를 이야기한다. 작업실 안에서 생산성이나 목적을 의식하지 않은 채 떠올린 잡생각과 망상, 그리고 설명되지 않는 유희의 감각이 화면 곳곳에 가볍고 유쾌하게 스며 있다. 작가는 완벽하게 정리된 의미보다, 미완의 생각들이 가진 즉흥성과 순수한 에너지를 더 중요하게 여긴다.

전시장 안의 작품들은 하나의 거대한 이야기로 연결되기보다, 각기 다른 생각의 조각들처럼 존재한다. 때로는 장난스럽고, 때로는 엉뚱하며, 또 때로는 의미와 무의미의 경계 위를 가볍게 떠다닌다. 그렇기에 관람자 역시 작품 앞에서 무언가를 해석해야 한다는 부담 대신, 한 사람의 내밀한 상상과 감각을 편안히 따라가 보면 충분하다.

결국 《FOR LONER》는 혼자만의 방 안에서 자유롭게 흘러간 사유의 기록이자, 누구에게나 존재하는 사적인 망상의 순간들에 대한 이야기다. 그리고 어쩌면 우리는 모두, 그런 쓸모없는 생각들을 즐기는 순간만큼은 각자의 방식으로 ‘로너(Loner)’가 되어 있는지도 모른다.

신형석_The liberator_162.2×130.3cm_Acrylic and oil on canvas_2026

신형석_Very small basketball aesthetics_90.9×72.7cm_Mixed media on canvas_2025

 신형석_The ballers in 95-96_90.9×72.7cm_Oil on c anvas_2023

신형석_Reign man_160×82.5cm_Oil on canvas_2023

 신형석_A list of trivial facts and preferences_162.2×130.3cm_Oil on canvas_2026 

아트코드갤러리

전화: 0507-1400-6359

이메일: galleryartcode@gmail.com

인스타그램: @artcode_gallery @artcode_choi

홈페이지: artcode.co.kr

주소: 서울시 강남구 언주로 130길 14

청주 갤러리원 B관 이문종 개인전

갤러리 원 청주점에서 이문종 개인전이 전시 진행됩니다.

06월 06일부터 06월 21일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[이문종 작가노트]

학원을 개원하며 월세지옥을 자처한지 일 년이 넘어갔고 나이는 서른이 되었다.

이상과 현실의 기로에서 어느 것 하나 선택하지 못했고 도피성 낭만으로 최면을 걸어도 녹록치 않은 현실이 덮어질 순 없었다.

그래도 생각나는 향기가 있다는 것, 전화할 친구가 있다는 것, 듣고 싶은 노래와 가고 싶은 장소들이 외면의 피난처가 되어주었고, 생각나는 문장이 있다는 것과 갈아 둔 먹물이 있다는 것, 서랍장에 층층이 쌓인 뽀얀 화선지와 먹때낀 벼루 옆 걸려있는 수십 자루의 붓들, 그렇게 언제든 제 역할을 해줄 내 낡은 사보들과는 내면을 벼리기로 했다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.06.06 (토) ~ 2026.06.21 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one​ 

청주 갤러리원 A관 안혜리 개인전

갤러리 원 청주점에서 안혜리 개인전이 전시 진행됩니다.

06월 06일부터 06월 21일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[안혜리 작가노트]

건식 매체의 부드러우면서도 단단한 질감으로 야생동물의 고결한 생명력을 담아내는 작가 안혜리입니다.이번 전시 <마음이 머무는 결>은 우리가 잊고 지낸 생명 본연의 순수함과 그 안에 깃든 숭고한 의지를 조명합니다.달은 인간과 동물이 공유하는 삶의 순환과 희망, 미래를 상징하며 작품 속 존재들의 여정을 비춥니다.수만 번의 손길이 머문 화면 속 생명들의 눈맞춤이 관객들에게 따뜻한 위로가 되기를 바랍니다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.06.06 (토) ~ 2026.06.21 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one

초록평선
2026년 6월 1일 - 6월 7일
레드부츠 갤러리
(경기 의왕시 계원대학로 40. 3층)

관람 시간 10 - 17시 

문의 010-2261-3213
작품구매문의: redbootsgallery@gmail.com

작가와의 티타임 :  6월 6일 오후 2시

초록이 맞닿는_초록평선

풍경을 가로지르는 경계의 끝으로 가자

끝과 끝을 잇는 가로가 맞닿는 곳으로 가자

여기에 보이지만 어디에도 없는 풍경의 끝으로 가자

*

산의 정상에서, 혹은 해변에서 바라보는 지평선, 혹은 수평선은 그 풍경을 마주한 나에게 큰 즐거움과 위안을 안겨준다.

헉헉대며 산의 높은 곳에 올라와서 혹은 교통체증을 떨치고 바닷가에 다다라서 저 멀리 끝까지 이어지는 그 평행한 선을 보고 있자면 그것은 경이롭고 평온하며, 고요하다.

그 평선들은 먼 곳을 중첩시키며 그 모습을 내어 보여주지만 그 안에 속하려 뛰어들면

그저 울퉁불퉁한 길, 너울거리는 파도일 뿐이다.

바라볼 수 있지만 닿을 수는 없는 신기루와 같다는 생각을 한다.

어딘가의 풍경을 그리지만 어디에도 없는 그림 속 세상과 같다는 생각이 든다.

- 작가노트 중-

소집지기 고기은입니다.

소집 갤러리의 6월 새 전시 소식 전합니다. 

<전시 소개>

“눈이 지붕까지 내렸으면 좋겠어”

볼이 빨개지도록 

겨울을 두려워하지 않고 놀던 어느 겨울날

동네 친구들과 놀면서 빌었던 소원.

진짜 거짓말처럼 

눈은 지붕 처마 밑까지 내렸다. 

우리 지역은 많은 눈으로 혼란스러웠지만 

나는 이루어진 소원에 신이났다. 

자라면서 겨울이 되면 종종 

진짜 내 덕에 눈이 내린 것처럼 

그때 이야기를 하곤 한다. 

무엇이든 풍족하지 못했던 그때, 

이룰 수 있는 소원이 얼마나 되었을까.

겨울이면 최고의 놀잇감이 되는 눈이 

내 키보다 높게 쌓였으니 

그곳은 천국이었다.

그 시절 너무나 특별한 

솜사탕이나 아이스크림처럼 달콤하고, 

차가웠고, 따뜻한 기억이다.

작은 아이의 소원은 

어마어마하게 크게 이루어졌다.

지금은 비싼 아이스크림을 마음껏 살 수 있고,

너무 단 솜사탕엔 손이 잘 가지 않는다.  

눈 내린 다음 날이면 

‘운전을 어떻게 해야 하나’를 

걱정하는 어른이 되었지만 

그래도 나는 아직 눈 내리는 날이 좋다.

풍성하게 쌓인 눈은 사람들에게 밟혀 

조금씩 얇아지지만 그만큼 단단해진다. 

나의 행복한 기억은 희미해졌지만 

오래도록 남아 나를 단단하게 

만들어 주는 힘이 된다. 

눈은 다 녹아 사라지고 

눈보다 예쁜 꽃이 피고 

온통 초록색의 잎들이 가득한 지금도 여전히.

- 김진희 작가가 전하는 이야기

<전시 정보> 

기간 : 2026년 6월 6일 ~ 6월 28일

관람 시간 : 수~일 오후 12~6시 

휴관 : 매주 월, 화요일

장소 : 강릉 소집 갤러리

관람료 : 무료

*김진희 작가 만나는 날*

6월 6일 토요일 오후 2시 소집 갤러리 

별도의 사전 신청은 없으며, 참가비는 무료입니다. 

*전시 예고편

*전시 더 알아보기 

인스타그램 @storysozip

블로그 https://blog.naver.com/storysozip

전시 제목 : Threshold

Responsive AudioVisual Installation

전시장소 : 부산 카톨릭센터 공간 101.1 부산 중구 중구로 71 2층

오픈: 6.6. 4pm~7pm

전시날짜: 6.6(토) ~ 6.12(금),

전시시간: 12pm ~ 6pm

THRESHOLD

인류는 오랫동안 세계를 이해하고 서로를 연결하기 위해 이름을 붙여왔다. 그러나 이름이 정교해질수록 그 사이에는 보이지 않는 경계가 생겨났다. 같은 감각도 서로 다른 언어로 불리며 거리와 차이를 만들어냈다.

<THRESHOLD>는 이러한 경계에 주목한다. 경계는 안과 밖을 나누는 선이지만, 동시에 서로 다른 세계가 가장 가까워지는 지점이다. 이 작업은 차이를 지우기보다, 이름들이 세계를 나누기 이전에 존재했던 연결의 흔적에 귀 기울인다.

반응형 빛과 소리, 그리고 전시 기간 동안 계속해서 변화하는 3D 프린팅 오브제는 이러한 흔적을 마주하기 위한 단서로 존재한다.

http://voidvectorlab.com 

검은 장미를 중심으로 이어져 온 Rose in Flux 시리즈의 두 번째 개인전.

검은 장미는 완전히 피어난 상징적 순간보다, 번지고 머물고 흘러가는 하나의 상태에 가깝습니다. 

이번 전시는 회화에서 시작된 그 흐름을 공간으로 확장해, 작품과 오브제, 에디션이 함께 놓인 하나의 장면으로 구성됩니다.

실크 위 유화 작업을 비롯해, 탄화목 오브제, 세라믹, 스테인리스 에디션 등 서로 다른 재료 위에 번역된 검은 장미의 장면들을 선보입니다.

각자의 집과 일상 속으로 이어질 수 있는 작은 오브제와 에디션도 함께 만나볼 수 있습니다.

전시 정보

기간
2026.06.01 (월) – 2026.06.07 (일)

운영시간
11:00 – 19:00

오프닝 리셉션 (초대 전용)
2026.06.01 (월)

일반 관람 (예약 시 장미 웰컴티 제공)

2026.06.02 (화) – 2026.06.07 (일)

11:00 – 19:00

*16시 이후는 조용한 관람을 위해 예약제로만 운영됩니다.

네이버예약 : https://m.site.naver.com/23fc4

장소

하우스오브연 (Haus of Yeon)
서울 종로구 북촌로11길 18-7

관람 안내

• 무료 관람
• 6/1 오프닝 리셉션은 초대 고객 대상 예약제로 운영됩니다.
• 일부 작품 및 오브제, 에디션은 현장 구매 가능합니다.
• 전시 작품 및 에디션 일부는 온라인 스토어(mondkimedition.com)에서도 만나보실 수 있습니다.

작가 소개

MONDKIM (몬드킴)

서울을 기반으로 활동하는 비주얼 아티스트.
검은 장미를 하나의 상태이자 풍경으로 바라보며, 회화와 오브제를 통해 흐름과 물성의 변화를 탐구합니다.

실크 위 유화 작업을 중심으로 디지털 드로잉, 오브제, 공간 프로젝트까지 작업 세계를 확장하고 있습니다.

#서울전시

#북촌전시
#개인전
#회화전시
#아트오브제
#몬드킴
#MONDKIM
#RoseInFlux

#RosesinFlux

우리는 안개 너머를 알 수 있을까요? 세계 그 자체를 알 수 있을까요? 우리는 우리의 감각을 통해 세계를 잠깐 더듬을 수 있을 뿐입니다. 그것은 영원히 미지의 것으로 남아있을 거예요.

안갯속에 숨은 세계는 우리의 손가락에 잠깐 걸렸다가 다시 안갯속으로 사라져 갑니다. 안개는 차라리 우리가 품고 있는 것이라서, 이 안개를 넘으면 다음 안개가 있을 뿐입니다.

우리는 결코 안개 너머를 알 수 없습니다.
그럼에도 우리는 여기에 서 있습니다.
그리고 우리에겐 영원히 이것뿐입니다.

알 수 없는 세계 속을 함께 거닐어보세요.

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호반화수 개인전 <안개 너머의 안갯속> 에서는 일견 낯설게, 혹은 이질적으로 보일 수 있는 장면들이 전시된다.

그런데 멀리서 바라보면 그것은 우리네 일상 속 스쳐지나가는 한 장면들에 불과하다.

 시골길, 해변, 기차역,놀이터.. 안대를 쓰고 있어 보이지 않던 세상이, 안대를 벗고 보아도 자욱한 안개에 뒤덮혀 있다.

 깊이 익숙한 것에서도 우리는 낯섬을 마주한다. 우리가 그것을 영영 알 수 없다는 사실을 깨닫는다.

"이 세상에 고정된 것이 있을까?" 

미하 작가는 '생각은 액체처럼 흐른다.'는 명제를 제시한다. 생각은 고정되지 않은 채 끊임없이 변하며, 하나의 상태로 머무르지 않는다. 현재의 사물은 선형적 시간 안에서 유동하던 사고가 일시적으로 물질화된 찰나의 기록이며, 완결의 상태가 아니다. 감정, 관계, 심지어 '나'라고 인식하는 자아 또한 고정값으로 존재할 수 없는 것과 마찬가지로, 변하지 않는 본질은 없으며 모든 것은 조건과 관계에 따라 매 순간 다른 양상으로 형성되고 사라진다.

작가는 이러한 형이상학적 사유를 액체의 물성을 빌려 구체화한다. 캔버스 속 헤드폰, 운동화, 조명과 의자 등 익숙한 현대의 기능적 오브제들은 곧 쏟아져 내릴 것만 같은 투명한 액체 형태다. 정지된 사물에서 포착된 이미지들은 형태의 유지와 변형의 중간 상태로서 유동적 사고의 성질을 시각화하며, 관습적 인식의 확장을 유도한다.

작품 표면을 유영하는 투명한 문장들은 빛과 시선의 간섭에 따라 다르게 발현된다. '액체 그래피티(Water Graffiti)'라 명명한 직관적 문장들에는 동시대의 감각과 태도가 응축되어 있다. 이 언어적 장치는 사물에 담긴 사회적 은유와 일상의 해학을 시각화한다. 보는 이에게 위트를 건네며 작품과 감상자 사이 능동적이고 유연한 상호작용을 이끈다.

이번 전시 《Moments in Flow》는 오랜 시간 산업디자인의 다양한 분야에서 연구를 이어온 작가가, 사물의 개념을 깊게 탐구하며 도출한 철학적 사유다. '기능'과 '형태'로 정의되던 사물은 작가가 구축한 프레임 안에서 고정된 의미를 벗고, 흐름 속에서 포착된 단 하나의 존재론적 순간으로 빛난다.

Mee Ha Solo Exhibition: Moments in Flow

“Is there anything in this world that remains fixed?”

Mee Ha proposes that “thought flows like liquid.” Thought, unfixed and in constant transformation, never settles into a single state. The objects we encounter are traces of fluid thinking, momentarily materialized within linear time—not a state of completion. Just as emotions, relationships, and even the “self” cannot exist as fixed constants, there is no immutable essence; everything takes shape differently at each moment, shaped by conditions and relationships.

The artist translates this metaphysical contemplation into visual form through the materiality of liquid. Familiar, functional objects of the modern era—headphones, sneakers, lighting, and chairs—appear on canvas as transparent, fluid forms on the verge of spilling over. These images, drawn from stationary objects, visualize fluid thought as an intermediate state between persistence and transformation, prompting an expansion of conventional perception.

Transparent sentences drifting across the surface of the works appear differently depending on light and the viewer’s perspective. These intuitive phrases, termed “Water Graffiti,” encapsulate contemporary sensibilities and attitudes. This linguistic device renders visible the social metaphors and everyday humor embedded within objects. Offering a sense of wit, the artist invites an active and flexible interaction between the artwork and its audience.

The exhibition Moments in Flow presents a philosophical inquiry that emerged from the artist’s long-standing research across various fields of industrial design. Objects once defined by “function” and “form” shed their fixed meanings within the artist’s framework, appearing instead as singular ontological moments captured within the flow.

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Moments in Flow

참여 작가 ｜ 미하 Mee Ha

전시 기간 ｜ 2026. 5. 27 - 2026. 7. 1

전시 장소 ｜ 경기 성남시 분당구 운중로 146번길 13

운영 시간 ｜ 화-토요일 10:30-19:00 (월요일 휴관 / 일요일 예약제)

HEDWIG GALLERY

Tel  ｜031-629-9998 

Mail｜info@hedwiggallery.com  

이진경 展 

Lee Jinkyung 

마을:하다 3 - 바다를 생각해 

I Think of the Sea

2026. 5.20. ~ 8.16. (월,화 휴무)

강원도 홍천군 연봉리 카페 

Yeonbongri Cafe

작가와의 대화 & 연봉리 작은 정원 음악회 5.30.(토) 오후 3시  

'마을:하다'는 사람들의 일상 속에 예술을 침투시키는 것을 목적으로 한 이진경 작가의 카페 릴레이 전시로,

마을 커뮤니티 공간인 연봉리 카페에서 한 해 동안 작가의 작품을 사계절의 흐름에 맞춰 교체 전시하는 프로젝트입니다. 

<마을:하다 3 - 바다를 생각해>는 그 세 번째 전시로, 5월 하순부터 8월 중순까지 카페 안을 시원하게 만들 여름 테마의 작품들을 선보입니다. 

전시 기간 동안 카페에서는 '쌈지 이진경체'로 알려진 작가의 글씨가 각인된 '이진경 서체 머그컵'에 음료가 제공되며, 

5월 30일 토요일 오후 3시에는 '이진경 작가와의 만남 및 정원 음악회'가 열립니다(초대가수 홍천 강민정). 

박아름빛

《코끼리의 이는 보여도 씹는 건 보이지 않는다》

2026. 5. 30.(토) - 7. 11.(토) 

아트센터예술의시간 4층   

아트센터예술의시간은 2026년 5월 30일부터 7월 11일까지 박아름빛 개인전 《코끼리의 이는 보여도 씹는 건 보이지 않는다》를 개최한다. 박아름빛 개인전은 아트센터예술의시간이 매년 진행하고 있는 신진작가 공모인 “아티스트 프롤로그 2026” 선정작가 개인전으로 진행된다.

  박아름빛의 개인전 《코끼리의 이는 보이지만 씹는 건 보이지 않는다》는 동시대 하이테크놀로지 기술이자 빠르게 성장 중인 AI 산업에 가려진 ‘AI 트레이너’와 이들의 노동을 다룬다. 작가는 설문조사, 인터뷰, 넷노그래피 등을 이용한 리서치, 데이터 수집과 분석을 기반으로 한 5개의 영상 설치를 선보인다. 이를 통해 존재하지만 눈에 보이지 않는 노동자들의 이야기를 감각적으로 재구성한다. 이번 전시는 작가의 지난 프로젝트인 《AI트레이너 김 씨의 삶》과 연속선상에 놓여있다. 전작이 윤리적·종교적 갈등에 노출되어있는 AI 트레이너들의 내밀하고 개인적인 차원을 말했다면, 이번 전시에서 작가의 시선은 보다 거시적 관점으로 AI 산업 전반을 향해 있다. 이를 통해 AI 산업 생태계의 적나라한 노동 환경과 데이터 생산 과정에서 드러나는 자본지향구조 및 편향성 등의 이면을 조망한다. 

  전시 기간 중인 6월 13일(토) 오후 2시에는 작가의 리서치 데이터를 바탕으로 한 연계 프로그램 〈예술모임 #박아름빛〉이 진행된다. 1부 워크숍에서는 AI 트레이너 노동의 일부를 직접 경험해보는 자리가 마련되며, 이어지는 2부 아티스트 토크에서는 전반적인 리서치 내용을 공유하고 작품의 창작 과정과 비하인드 스토리를 심도 있게 다룰 예정이다.

#AI트레이너 #글로벌자본주의 #노동자 #인공지능 #고스트워커

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■ 작가 소개

박아름빛은 이화여자대학교 서양화과를 졸업하고 쿤스트아카데미 뒤셀도로프에서 순수미술 전공 디플롬을 취득하고 페터 필터(Peter Piller) 교수로부터 마이스터슐러를 사사 받았다. 개인전 《AI 트레이너 김 씨의 삶》(아트스페이스 보안 2, 서울, 2025), 《From the Long Night》(다-허 쿤스트라움, 베를린, 독일, 2023)을 개최했으며, 《Lines Fiction》(쿤스트라움 베타니엔, 베를린, 독일, 2024), 《Experimental Film and Video 2022》(CICA 뮤지엄, 김포, 2022) 외 다수의 그룹전과 스크리닝에 참여하였다. 

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■ 연계 프로그램

〈예술모임 #박아름빛〉

• 일시ㅣ2026. 6. 13.(토) 14:00-15:30

• 장소ㅣ아트센터예술의시간 4층

• 진행ㅣ박아름빛 작가 

• 대상ㅣ성인 (무료)

• 신청ㅣ네이버 예약, https://m.site.naver.com/23hMa

• 문의ㅣ02-6952-0005, instagram DM @artmoment.doksan

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■ 전시 정보

아티스트 프롤로그 2026 선정작가 개인전

코끼리의 이는 보여도 씹는 건 보이지 않는다 

You See the Tusks, Not the Chewing Teeth

2026. 5. 30. – 7. 11.

아트센터예술의시간 4층

박아름빛 Park Areumbit

*전시 오프닝 5. 30.(토) 16:00-19:00

주최 | 재단법인 노암

주관 | 아트센터예술의시간

홍보협력 | 주한독일문화원

디렉터 | 주시영

큐레이터 | 김민경

어시스턴트큐레이터 | 이시호

에듀케이터 | 유상아

운영지원 | 설미숙

글 | 김민경

사진촬영 | 신유진

그래픽디자인 | 김박현정

아트센터예술의시간

서울시 금천구 범안로9길 23, H동

월-금 10:00~18:00 / 토 12:00~19:00 (일요일, 공휴일 휴관)

02-6952-0005

www.artmoment.org

@artmoment.doksan

손광주 전보경 장서영 함혜경 손수민 김상하

2026. 5. 30.(토) - 7. 11.(토)

아트센터예술의시간 2층

아트센터예술의시간은 2026년 5월 30일부터 7월 11일까지 전시 《나의 인류》를 개최한다. 이번 전시는 미디어 기반의 현대미술작가 6인 손광주, 전보경, 장서영, 함혜경, 손수민, 김상하의 그룹전으로 진행된다. 《나의 인류》는 오늘날 현대사회를 둘러싼 불안, 우울, 좌절, 혐오와 같은 감정들을 제거해야 할 문제로 보지 않고, 그러한 감정들을 통과하며 인간이 자기 자신을 넘어 시대와 관계 맺어가는 방식을 조명한다. 

  오늘날 사회는 인간이 겪는 불안과 우울의 원인을 부동산, 고용, 세대 갈등, 기술 변화와 같은 외부의 불안정성에서 찾고, 이를 조정하거나 제거하는 방향으로 문제를 해결하려 한다. 그러나 구조적 문제가 해소된다고 해서 인간 내면의 불안과 좌절까지 완전히 사라질 수 있는지는 여전히 질문으로 남는다. 오히려 인간이 소외되고 인간성이 부정되는 시대일수록, 인간 그 자체에 대한 사유는 더욱 절실하게 요청된다. 

  전시 제목 《나의 인류》는 키르케고르의 말, “매 순간마다, 개인은 그 자신이면서 동시에 인류다”에서 출발한다. 이는 모든 개인의 생각과 감정이 그대로 정당하다는 선언이 아니라, 한 사람이 자기 자신이 되어가는 과정을 통해 비로소 인류 전체와 관계 맺게 된다는 의미이다. 여기서 인간은 언제나 불안과 함께하며, 분열된 자신을 끊임없이 종합해간다. 참여 작가들은 이처럼 내면의 불안과 의심에서 출발해 타인과 공동체, 사회와 세계를 향해 확장되며 동시대와 관계 맺는 인간의 복합적인 형상을 영상 언어로 펼쳐 보인다. 전시는 바로 이 지점에서 불안을 실패나 결핍이 아닌 인간에게만 주어진 자유의 신호로 다시 바라보며, 고통과 고뇌의 한가운데서 ‘자기 자신’이자 ‘인류’로 존재하는 오늘의 인간을 다시 발견하도록 이끈다.

#스크리닝 #미디어아트 #불안 #우울 #절망 #실존 #관계 

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■ 작가 정보

손광주는 연세대학교 주생활학과(현 실내건축학)를 졸업하고, 포항공과대학교 컴퓨터공학과와 시카고예술대학교 Film/Video/New Media 전공으로 석사학위를 취득하였다. 주요 개인전으로는 《유배의 풍경》(아트스페이스3, 서울, 2024), 《시민 K의 초상》(국립현대미술관 창동레지던시, 서울, 2023)이 있고, 《시네미디어_영화 이후》(부산현대미술관, 부산, 2025), 《아카이브 환상》(서울시립 미술아카이브, 서울, 2025), 《다른 곳 Elsewhere》(아뜰리에 에르메스, 서울, 2020), 《디어시네마 4》(국립현대미술관, 서울, 2018) 외 다수의 그룹전과 스크리닝에 참여하였다. 로테르담국제영화제(2011, 2007, 2005), 부산국제영화제(2008, 2004, 2003), 전주국제영화제(2011, 2008, 2007), 암스테르담 국제다큐멘터리영화제(2007), 오버하우젠 국제단편영화제(2005) 등 국내외 주요 영화제에 참여했다. 서울문화재단 금천예술공장(2019), 라익스아카데미(2006-2007) 등 국내외 레지던시 입주작가로 활동하였다. 

전보경은 이화여자대학교에서 서양화를 전공하고, 로드아일랜드스쿨오브디자인에서 디지털미디어 전공, 프랫 인스티튜트에서 뉴폼 전공으로 석사학위를 취득했으며, 이화여자대학교 서양화 전공으로 박사학위를 받았다. 주요 개인전으로는 《로봇이 아닙니다》(대안공간루프, 서울, 2021), 《아직 쓰여지지 않은 소곡》(수림아트센터, 서울, 2020)이 있고, 《SeMA 옴니버스: 제9행성》 (서울시립 남서울미술관, 서울, 2024),《2024 경기 시각예술 성과발표전: 궤적을 연결하는 점들》(고양시립 아람미술관, 경기, 2024) 외 다수의 그룹전에 참여하였다. 국립현대미술관 고양레지던시(2019), 헬싱키국제아티스트레지던시(HIAP)(핀란드, 2023) 등 국내외 레지던시 입주작가로 활동하였다.  

장서영은 이화여자대학교 조소 전공으로 학·석사학위를 취득하고, 베를린예술대학 Art in Context 전공으로 석사학위를 취득하였다. 주요 개인전으로 《All No Grip》(스페이스 애프터, 서울, 2025), 《스키드》(신도문화공간, 서울, 2022) 등을 개최하였고, 《빅브라더 블록체인》(백남준아트센터, 용인, 2024), 《눈은 멀고》(두산갤러리, 서울, 2023), 《젊은 모색 2019: 액체 유리 바다》(국립현대미술관, 과천, 2019) 외 다수의 그룹전과 스크리닝에 참여하였다. 서울시립미술관 난지미술창작스튜디오(2020), 두산갤러리 뉴욕 레지던시(미국, 2019) 등 국내외 레지던시 입주작가로 활동하였다.

함혜경은 계원예술대학교 시간예술학과를 졸업하고, 동 대학 매체예술학과 특별과정을 이수하였다. 주요 개인전으로는 《평온의 섬》(백남준아트센터, 용인, 2020), 《의문의 가장자리》(갤러리룩스, 서울, 2019) 등이 있고, 《2026 서울사진축제: 컴백홈》(서울시립 사진미술관, 서울, 2026), 《시적 소장품》(서울시립미술관, 서울, 2022), 《직면하는 이동성: 횡단/침투/정지하기》(아르코미술관, 서울, 2022) 외 다수의 그룹전과 스크리닝에 참여하였다. 서울문화재단 금천예술공장(2023), 아르코 노마딕 예술가 레지던스(이란, 2012) 등 국내외 레지던시 입주작가로 활동하였다. 

손수민은 줄리어드 음악원 예비학교 피아노과를 졸업하고, 코넬대학교 경제학과 및 미술사학과 학사학위, 예일대학교 시각디자인과 석사학위를 취득하였다. 개인전 《현실은 메타포》(SeMA 창고, 서울, 2023),《A Good Knight》(합정지구, 서울, 2023)을 개최하였고,  《In Situ》(아르코미술관, 서울, 2025), 《제15회 광주비엔날레: 판소리, 모두의 울림》(광주, 2024), 《제24회 송은미술대상전》(송은, 서울, 2024) 외 다수의 그룹전에 참여하였다. 서울문화재단 금천예술공장(2026), 아일랜드 현대미술관(2025) 등 국내외 레지던시 입주작가로 활동하였다.

김상하는 홍익대학교 시각디자인과를 졸업하고, 동 대학원에서 사진과 석사학위를 취득하였다. 개인전 《또 다른 잿더미》(PS 센터, 서울, 2025), 《가는 꿈》(얼터사이드, 서울, 2024)을 개최하였고, 《PERIGEE UNFOLD 2025 Don't Be Hasty》(페리지갤러리, 서울, 2025), 《지연된 리허설》(챔버, 서울, 2024), 《2023 Anti-Freeze》(합정지구, 서울, 2023), 《뻐꾹!(Cuckoo!)》(TINC, 서울, 2022) 외 다수의 그룹전에 참여하였다. 

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■ 연계 프로그램

<책모임> 

전시와 연계하여 김애란의 『달려라, 아비』와 배수아의 『동물원 킨트』를 함께 읽고 이야기를 나누는 책모임이 진행된다. 두 작품에는 고립된 개인이 타인과 연결되어 가는 과정, 불안을 지나 서로에게 닿으려는 마음, 인간과 사회 사이의 미묘한 관계가 담겨 있다. 이러한 모습은 《나의 인류》가 보여주는 동시대 인간의 풍경과 자연스럽게 맞닿으며, 전시를 더욱 깊고 입체적으로 확장해보는 통로가 된다.

• 일시ㅣ2026/6/13, 6/27, 7/4 (토) 총 3회, 12:30-14:00

• 장소ㅣ아트센터예술의시간 2층 전시장

• 진행ㅣ이종서 (미학 연구자)

• 대상ㅣ성인 8인 (무료)

• 신청ㅣhttps://m.site.naver.com/23hMa

• 문의ㅣ02-6952-0005, instagram DM @artmoment.doksan

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■ 전시 정보

나의 인류 Toward My Humanity

2026. 5. 30. - 7. 11.

아트센터예술의시간 2층

손광주   Kwang-Ju Son

전보경   Jun Bokyung

장서영   Seo Young Chang 

함혜경   Ham Hyekyung

손수민   Soomin Shon

김상하   Khym Sangha

주최 | 재단법인 노암

주관 | 아트센터예술의시간

디렉터 | 주시영

큐레이터 | 김민경

어시스턴트큐레이터 | 이시호

에듀케이터 | 유상아

운영지원 | 설미숙

글 | 김민경

사진촬영 | 신유진

그래픽디자인 | 배자은

설치 | 아트이스트

아트센터예술의시간

서울시 금천구 범안로9길 23, H동

월-금 10:00-18:00 / 토 12:00-19:00 (일요일, 공휴일 휴관)

02-6952-0005

www.artmoment.org

@artmoment.doksan

숲을 지나 바다를 걷고, 바다와 새를 관찰하며, 백사장에 버려진 것들을 찾아 줍는 행위는 단순한 산책이나 수집을 넘어선다. 그것은 ‘지금’에 머무르기 위한 하나의 방식이다. 눈앞의 풍경, 손에 닿는 사물, 스쳐 지나가는 생명들에 집중하는 순간, 우리는 과거나 미래가 아닌 현재의 감각으로 돌아온다.

이러한 ‘지금, 여기에 집중’은 매 순간의 경험과 감각에 완전한 주위를 기울이는 ‘마음챙김(mindfulness)’과 맞닿는다. 생각의 소음을 줄이고 내면을 환기시키는 과정으로  머릿속에 쌓여 있던 감정과 생각들이 자연스럽게 흘러가면서, 마음은 점차 맑아지고 정화된다. 다시 말해, 체험적 인지 행위는 내면을 환기시키고 정화한다.

‘숲을 지나 바다’는 이러한 정화에 이르는 여정을 상징적으로 보여준다. 숲은 복잡하고 울창하며 때로는 길을 잃게 만드는 공간이다.  반면 바다는 탁 트인 시야와 수평선, 그리고 끊임없이 반복되는 파도의 리듬을 통해 정화와 회복의 이미지를 전달한다. 따라서 ‘숲을 지나 바다로 향하는 여정’은 고난을 통과하며 점차 자신을 비워내고, 결국 맑아진 상태에 이르는 과정을 내포하고 있다.

이러한 경험은 전시라는 형식을 통해 확장된다. 전시는 단순히 작품을 나열하는 공간이 아니라, 감상자가 잠시 멈추고 ‘지금’을 감각하도록 만드는 장치다. 작가가 경험한 시간과 감각이 작품 안에 응축되어 있고, 감상자는 그것을 마주하며 자신의 현재를 새롭게 인식하게 된다. 즉, 전시는 작가 개인의 경험을 전달하는 동시에, 감상자에게도 내면을 환기하고 정화할 수 있는 계기를 제공한다.

이 모든 흐름은 하나의 지점으로 이어진다. 작가는 특별한 세계를 만들어내는 사람이기보다, 우리가 지나치고 있던 일상 속 감각을 다시 드러내는 사람이다. 숲을 걷고, 바다를 바라보고, 사소한 것들을 주워 올리는 행위를 통해 익숙한 순간을 새롭게 경험하게 만드는 것—그것이 바로 작가의 역할이다.

- 배요한
 

아트리움모리

아트스페이스 울림은 도예가 김종훈의 개인전 《월항, 달의 숲에서》를 개최한다. 이번 전시는 지난 40여 년간 고향 성주의 대지가 품은 생명력을 백자의 순백 속에 응축해온 작가의 예술적 여정을 조명한다.

작가 김종훈은 성주 수륜면 백운리의 고령토를 직접 채굴하고 분석하며 흙의 본질에 다가선다. 현대의 편리함 대신 수비와 정제, 1,300℃에 이르는 고온 소성이라는 고된 전통의 방식을 고집스럽게 수행한다. 작가에게 흙은 재료를 넘어 지역의 정체성과 역사성을 예술로 승화시키는 근본으로 역할한다.

‘달이 차오르는 고개’라는 의미를 지닌 이곳 월항에서 선보이는 140여 점의 달항아리는 성주의 대지가 빚어낸 생명력의 증명이며, 지역의 문화 자산이 어떻게 세계적인 미감으로 승화될 수 있는지에 대한 가능성을 제시한다.

번거롭고 정교한 공정을 묵묵히 견뎌내는 과정으로 탄생한 순백의 달에는 도처에 존재하는 갈등과 시대의 상처를 보듬는 위로의 손길이 깃들어있다. 비워져 있으나 가득 차 있고, 고요하지만 생동하는 달항아리를 통해 우리 시대가 회복해야 할 진정한 가치와 조화의 미학을 경험해 보길 바란다.

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

▲ 김종훈, 전시 전경

전시명 ㅣ 빛나는 침묵의 숲
 
작가 ㅣ 강하라, 유혜리
 
전시 기간 ㅣ 2026.5.19.(Tue)- 5.31.(Sun)
 
소개 ㅣ인간의 존재 가치가 자본의 유무와 소유의 크기로 규정되는 시대, 우리는 타인과의 관계에서 끊임없이 서열화되고 스스로의 내면마저 나약하게 방치하곤 한다. 속도와 효율이 지배하는 세상 속에서 정작 중요한 소통과 본질은 단절된 채, 현대인은 저마다의 불안을 안고 살아간다.
 
두 작가는 캔버스라는 자신만의 깊은 숲속에서, 소리 없는 침묵의 언어로 현대인의 자화상을 그리고 고유한 본질을 깨우는 여정을 제안한다. 유혜리 작가가 소리 없는 물고기와 정원을 통해 타인과의 진정한 교감과 내면의 회복을 도모하는 '침묵의 장'을 마련한다면, 강하라 작가는 그 고요한 숲의 끝에서 잊고 지내던 본질을 일깨워 밖으로 나누고자 하는 '빛나는 각성'을 보여준다. 
 
화창한 봄날, 이 아름다운 숲을 거닐며 우리를 가두었던 단절의 벽을 허물고, 스스로의 내면을 따뜻하게 돌이켜보는 치유의 시간이 되기를 소망한다.

 

 

잊혀진 내면의 불빛을 깨우는 모험 - 강하라

강하라 작가는 우화적 서사를 통해 우리가 잃어버린 본질적 가치와 내면의 상상력을 불러낸다. 작가의 작업 세계 속에서 등장하는 사슴의 '뿔'은 타인에게 보이기 위한 장식품이나 물질적 가치로 박제된 도구가 아니다. 그것은 깊은 사유와 지혜가 축적될 때 비로소 깨어나는, 인간 내면의 고유한 능력과 기억을 상징한다. 세상의 시선과 억압 속에서 스스로 능력을 숨긴 채 그저 무감각하게 살아가는 현대인들처럼, 작품 속 사슴 역시 오랜 시간 잊고 지냈던 스스로의 빛을 발견하고자 비밀스러운 숲으로 모험을 떠난다. 각자의 리듬대로 꽃을 피우고, 열매를 맺으며, 새들의 둥지가 되어주는 다채로운 뿔의 형태들은 우리가 회복해야 할 주체적인 삶의 스펙트럼이다. 강하라가 펼쳐 보인 동화적 공간은 어둠을 밝히는 은은한 등불이 되어, 경쟁과 속도 속에서 잃어버린 감각을 다시 바라보게 하고, 스스로의 내면을 환하게 비추는 시간을 보여준다. 

 

 

 
무언(無言)의 세계에서 건져 올린 공존의 연대 - 유혜리
 
유혜리 작가는 인간의 삶과 관계에 대한 깊은 인문학적 성찰을 바탕으로, 동시대의 단절된 풍경을 은유적으로 시각화한다. 작가의 화면에 등장하는 비정형의 식물들과 단순화된 물고기들은 어지러운 세상을 매일 버텨내는 현대인들의 또 다른 초상이다. 소리를 내지 않는 물고기들의 세계는 역설적으로 인간 내면의 가장 깊숙한 감정과 밀도 높은 '침묵'을 대변한다. 작가는 원근법을 지워낸 평면적 구도 위에 대상들을 나란히 배치함으로써, 화면 안의 그 어느 것도 소외되거나 하찮아지지 않도록 평등한 시선을 부여한다. 삶의 형태에 우열이 없듯, 저마다의 리듬으로 자유롭게 뻗어 나가는 식물들은 소중한 인간 하나하나를 향한 작가의 애정 어린 시선이다. 화려한 색채와 귀여운 형태 이면에 숨겨진 미묘한 긴장감은, 불안을 품고도 매일을 묵묵히 살아내는 우리 모두의 삶을 단단하게 어루만진다.
 
 
하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)
 
관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월, 화요일 휴관, 무료관람)
 
문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang
 
작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  https://linktr.ee/galleryharang

개최한다. 1994 년 이후 프랑스를 기반으로 활동해온 변연미는 오랜 시간 ‘숲’을 주요한 주제로 삼아,

자연을 재현의 대상에 머무르지 않고 감각과 인식의 장으로 확장해왔다.

이번 전시는 작가가 일상적으로 마주해온 프랑스의 숲, 특히 뱅센느 숲을 포함한 경험을 바탕으로

전개된다. 산책은 작가에게 단순한 일상이 아니라 작업의 출발점이자 사유의 방식이다. 숲을 걷는 동안

그는 나무와 빛, 공기, 시간의 흐름을 온몸으로 감각하며, ‘본다’는 행위의 의미를 지속적으로 탐색한다.

작가에게 숲은 하나의 풍경이 아니라 빛과 시간, 감각이 중첩된 총체적 경험으로 자리한다.

변연미의 회화는 이러한 질문에서 출발한다. ‘어떻게 볼 것인가’라는 문제는 곧 ‘무엇을 보는가’에 대한

물음과 맞물리며, 그의 작업에서 숲은 특정 장소의 재현을 넘어선다. 화면 속 나무와 잎, 빛의 흔적들은

구체적 형상을 유지하면서도 해체와 재구성을 반복하고, 관람자로 하여금 대상을 인식함과 동시에

감각적으로 경험하도록 유도한다. 이는 숲을 고정된 장면이 아닌, 끊임없이 변화하는 인식의 장으로

전환시키는 방식이다.

특히 작가가 마주한 프랑스의 숲은 익숙한 자연의 이미지와는 다른 층위를 드러낸다. 1999 년 유럽을

강타한 태풍 이후, 쓰러지고 뒤엉킨 나무들이 만들어낸 풍경은 자연의 질서와 그 붕괴, 그리고 회복의

시간을 드러냈다. 이러한 경험은 자연을 안정된 대상으로 바라보던 시선에 균열을 일으키며, 숲을

예측할 수 없는 힘과 순환의 구조로 인식하게 하는 계기가 되었다. 그 결과 변연미의 숲은

낯익으면서도 동시에 생경한 감각을 불러일으킨다. 화면을 가로지르는 가지와 중첩된 색의 층위, 그리고

그 사이를 흐르는 빛은 깊이를 형성하며 관람자의 시선을 화면 안으로 끌어들인다. 가까이에서는

물감의 물질성과 붓질의 흔적이 드러나고, 멀어질수록 숲은 하나의 공간으로 작동하며 감각적 몰입을

유도한다. 이처럼 그의 작업은 재현과 추상, 형태와 감각 사이를 오가며 숲을 경험하는 방식을 이어왔다.

이번 전시에서 선보이는 작업들은 자연을 인식하는 방식에 대한 질문을 환기하며, 감각을 통해 세계를

이해하려는 작가의 태도를 드러낸다. 변연미에게 숲은 끝내 온전히 파악하기 어려운 존재이자, 매번

새롭게 마주해야 하는 대상이다. 익숙한 자연의 이미지에서 출발해 그 너머의 낯선 감각으로 나아가는

그의 회화는 관람자로 하여금 ‘보는 것’의 의미를 다시 사유하게 만든다. 《스스로 그러한 숲》은 자연과

인간, 감각과 인식 사이의 간극을 탐색해온 작가의 오랜 사유를 응축한 자리로, 우리가 알고 있다고

믿어온 숲의 이미지를 새로운 시선으로 경험하게 할 것이다.

● Enchanted Land :: 주지수展

최수연

아포칼립스(apocalypse)는 세상의 종말 혹은 파멸을 뜻한다. 이 단어는 ‘베일을 벗기다’, ‘숨겨진 것을 드러내다’라는 의미의 고대 그리스어 아포칼립시스(ἀποκάλυψις)에서 기원했다. 아포칼립스가 감춰져 있던 세계의 구조가 비로소 제 모습을 드러내는 순간에 가깝다면, 주지수의 작업은 바로 이 ‘드러냄’의 행위에서 출발한다. 작가는 포스트-아포칼립스, 즉 인류 멸종이후의 풍경을 그려왔다. 지구에서 인간이라는 베일을 한꺼풀 벗겨내, 그 자리에 살아 숨쉬던 생명과 물질의 관계를 포착한다. 미생물부터 폐건축물, 문명의 흔적만 남은 도시, 낯설게 변형된 자연 등 인간이 사라진 후에도 남아있는(을) 모든 요소가 작업의 소재다. 오늘날 빙하가 녹고 바다가 끓는 전례 없는 기후 위기가 지속되는 가운데 ‘멸종’이라는 화두가 그리 드문 것은 아니지만, 주지수에게 인류의 부재는 인간 활동이 초래한 새로운 풍경을 열어젖히는 조건이다.

세상을 바라보는 작가의 시선에는 어린 시절의 성장 환경이 깃들어 있다. 해양과학자였던 아버지의 영향과 미국 시골 마을에서 경험한 자연 친화적 삶은 작가가 탈인간중심주의적 사고를 지니는 데 크게 기여했다. 또한, 학창 시절 한국과 미국을 오가며 어느 쪽에도 적응하지 못하는 이방인의 정체성으로 살아온 그는 세계를 객관적으로 인식하고, 타자와 주변을 예민하게 감지하는 태도를 체득했다. 이러한 관찰자적 시선이 그림에도 고스란히 스며있다. 작가는 도래할 미래를 파괴적이고 공포스러운 이미지로 제시하는 대신, 가치 판단을 유보한 채 사진찍듯 장면을 화폭에 담아낸다.

주지수는 이 장면이 “기이하고도 아름답다”라고 말한다. 그 이질적 감정의 기저에는 사라진 인류를 뒤로하고 살아남은 비인간 존재에 대한 경이와, 멸종을 전제한 상황이 불러일으키는 시대적 불안이 교차하리라. 그가 묘사하는 장면이 ‘아름다운’ 이유는 포스트-아포칼립스라는 맥락을 알기 전까지는 그것이 평범한 풍경처럼 다가오기 때문이다. 가령 (2025)와 (2025)에서 땅-하늘-대상(자연물 혹은 인공물)으로 단순화한 화면 구성이나 대상의 일부를 클로즈업한 구도는 장소의 특정성을 지우고, 이미지로서의 풍경에 집중하도록 유도한다.

(2024)와 (2024)에선 색채가 눈에 띈다. 산성화로 붉어진 토양, 대기 오염으로 물든 주황빛 하늘은 재난의 징후를 서정적이고 낭만적인 풍경화로 둔갑한다. 그러나 붉은 색조는 따듯함과 생명력을 상징하는 동시에 불안과 파괴와 같은 강렬한 감정을 지시하기도 한다. 작가는 작업 전반에 걸쳐 붉은 색조를 즐겨 사용하는데, 이는 하나의 장면에 매혹과 위험, 황홀감과 멜랑콜리가 공존하는 상태를 만들어낸다. 한편, 주지수의 그림이 ‘기이하게’ 느껴지는 단서는 붓질에서 찾을 수 있다. 작가는 빠르고 과감한 붓질로 덧칠을 최소화해 문명의 휘발성과 속도감을 화면에 각인하는 동시에, 평면의 납작함을 의도적으로 강조해 그가 묘사한 풍경이 허구의 이미지라는 사실을 환기한다.

동굴 풍경을 그린 연작은 시간의 축적을 드러내는 데 초점을 맞췄다. 신작 (2026)는 천장에 달린 종유석과 이것이 바닥에 떨어져 만들어진 석순이 경관을 이루는 장면을 담았다. 인간의 생애나 문명의 발전 속도와는 무관하게 쌓아올려진 이들은 그 자체로 오랜 시간의 누적을 상징한다. 두 소재의 형성 방식도 의미심장하다. 종유석은 위에서 아래로 떨어지고, 석순은 아래에서 위로 쌓인다. 이 상반된 운동은 해체와 구축, 분해와 결합이라는 생물학적 메커니즘을 시사한다. 도나 해러웨이가 생물학의 ‘자체생성’ 개념의 한계를 지적하며 실상 세포 하나가 살아남으려면 주변에서 끊임없이 에너지를 받아들이고 물질이 오가야 한다고 역설했듯, 동굴 속에서 반복되는 생멸의 사이클은 세상 그 무엇도, 그 누구도 홀로 존속할 수 없다는 현실의 자각으로 이어진다.

작가는 최근 뜨개로 만든 태피스트리작업을 새롭게 시도했다. 빈티지 액자에 작은 텍스타일을 결합한 (2025)는 회화를 태피스트리와 입체작업으로 확장해 나가는 여정의 중요한 시발점이다. 액자는 과거의 기억이자 시간의 땟국이고, 액자에 엮인 텍스타일은 반복 노동으로 만들어진 현재적 물질이다. 서로 다른 시간성이 한 화면에 중첩된 이 작품을 인류 멸종의 세계관으로 보면, 액자는 정지된 문명을 품은 지구 행성이며 텍스타일은 이곳에 새롭게 도래한 외계 생명체로 읽힌다.

회화의 공간적 확장 가능성을 감지한 작가는 <비정형적 문양들>(2026)에서 태피스트리작업을 본격화했다. 전시장 한쪽 벽에 길게 늘어뜨린 이 작품은 회화의 붓질을 씨실과 날실의 직조 구조로 전환해 작가의 세계관을 보다 물질적으로 탐구했다. 각양각색의 실이 일정한 패턴 없이 서로 얽히고 침투하는 화면은 인류 멸종 이후의 풍경을 응축한 ‘진액’이다. 인간의 병폐로 인해 역설적이게도 알록달록하게 물든 지구에서 색상만 추출한다면 이런 모습일까. 작가에 따르면 빠른 붓질로 그려진 회화가 문명 해체의 속도를 포착하는 시도였던 반면, 한 땀 한 땀 수놓은 태피스트리는 축적과 반복으로 형성된 또 다른 세계다. 그렇다면 이 작품 앞으로 놓인 작은 조각 (2025)는 포스트-아포칼립스에서 새롭게 증식하는 비인간 존재다. 식물, 촉수, 균사체, 세포 조직 등을 연상시키는 조각은 박제되었다기보다 끊임없이 꿈틀거리고, 자라나고, 변이하는 상태로 보인다. 이는 작가가 세상을 인식하는 태도와도 맞닿아 있다.

주지수의 작업은 인류 멸종 이후의 세계를 시간과 공간이라는 두 축으로 재구성한다. 회화는 인간 문명이 정지한 후에도 어김없이 흘러가는 시간을, 태피스트리는 그 시간을 토대로 새롭게 형성된 공간을 드러낸다. 결국 작가에게 포스트-아포칼립스는 종말의 이미지가 아니라, 지구에서 인간이라는 필터를 벗긴 ‘현재’다. 나는 그 안에서 우리가 미처 감각하지 못했던 또 다른 얼굴을 상상해 본다.


* 2026 언바운드 창작거점 프로젝트

언바운드는 동시대 예술가와 그들의 작업이 온전히 머물 수 있는 공간입니다. 전시와 공연을 아우르는 복합적인 예술 향유의 장으로서, 다양한 실천과 언어를 가진 예술가들이 자유롭게 교류하고 발화할 수 있는 토대를 마련해왔습니다.

《2026 창작거점 지원 프로젝트》는 공간에 대한 접근성이 예술 창작 활동의 중요한 조건이라는 인식에서 출발합니다. 언바운드는 예술가가 더욱 창작 활동에 집중할 수 있는 환경을 조성하기위해 공간 대여에 따른 경제적 부담을 덜어보고자 본 프로젝트를 기획하였습니다.

▲ 주지수, enchanted place 4, 2025
장지에 채색 182 x 233.8 cm

▲ 주지수, Tree, 2024
장지에 채색, 90 x 116.8 cm

▲ 주지수, Squiggly Series, 2025
 

주지수

2025 성신여자대학교 일반 대학원 동양화과 졸업

2022 성신여자대학교 동양화과, 서비스디자인공학과 졸업

개인전

2024 Born from the Ground 석사학위청구전, 성신여자대학교 난향관 파이룸, 서울

2023 6378별, 라운디드플랫, 서울

그룹전

2025 성신여자대학교 미술대학 60주년 동문전, 마루아트센터, 서울

2024 성신 동양화회, 인사아트센터, 서울

2024 Death in My Pocket - 내 주머니 속의 죽음, 서리풀청년아트갤러리, 서울

2023 Laf calling, 아트스페이스 라프, 서울

2023 3인칭 지구, 노들섬 노들갤러리, 서울

2023 물드는 산, 멈춰선 물 - 전남수묵비엔날레, 비엔날레 3관(목포 대중음악의 전당), 목포

2023 흔적의 풍경들, 국회아트갤러리, 서울

혼합채료, 가변설치